jueves, 12 de marzo de 2026

QUINIELA DE LA 29 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Presentamos nuestra singela quiniela a los premios de la 29 edición del Festival de Cine de Málaga, el certamén más importante del cine nacional, que se celebra desde el último 6 de marzo en esa ciudad española. El palmarés de esa edición será anunciado el sábado, 14 de marzo.


MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA: “Yo no moriré de amor”, de Marta Matute;

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: “Hangar rojo”, de Juan Pablo Sallato;

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “La buena hija”, de Julia de Paz; 

MEJOR DIRECCIÓN: Ángeles González-Sinde, por “Después de Kim"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Nicolás Zárate, por “Hangar Rojo”

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Carmen Maura, por “Calle Málaga”

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Julián Villagrán, por “La buena hija”

MEJJOR ACTRIZ DE REPARTO: Sonia Almarcha, por “Yo no moriré de amor"

MEJOR GUION: “Lapönia”, de David Serrano

MEJOR FOTOGRAFIA: "Calle Málaga"

MEJOR MÚSICA: "Pioneras. Solo querían jugar”

MEJOR  MONTAJE: "Mi querida señorita"

PREMIO DEL PÚBLICO: “Calle Málaga"

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CON MUCHA PINTA DE BIZNAGA, "LA BUENA HIJA", DE JÚLIA DE PAZ, ATERRIZA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

La directora Júlia de Paz ha presentado este jueves 12 de marzo su nuevo largometraje "La buena hija", un estremecedor retrato sobre la violencia vicaria y las heridas invisibles que deja el patriarcado. Tras su paso por el Festival de Tallín donde obtuvo el Gran Premio a Mejor Película, además del Premio del Público y el galardón a Mejor Actriz para su protagonista Kiara Arancibia, ahora compite en Sección Oficial del Festival de Málaga. 

En rueda de prensa junto a los actores principales Kiara Arancibia, Julián Villagrán, Janet Novas y la guionista Núria Dunjó, la directora Júlia de Paz ha definido su película –coproducción entre España y Bélgica– como un intenso drama familiar que explora, a través de un viaje emocional de amor y desamor, cómo la violencia machista y vicaria marca a varias generaciones. También invita a reflexionar sobre la posibilidad de romper con los mandatos familiares que se heredan a través del paso del tiempo.

El largometraje sigue la historia de Carmela, una adolescente que, tras la separación de sus padres, se traslada con su madre a vivir a casa de su abuela. Mientras intenta adaptarse a la nueva situación familiar, la joven siente una profunda admiración por su padre, un artista plástico con el que desea pasar más tiempo. Sin embargo, la presencia del hombre proyecta una sombra inquietante sobre las tres generaciones de mujeres de la familia, obligándolas a enfrentarse a una realidad marcada por el control, el silencio y la violencia.

De Paz ha explicado que su trabajo nace de la necesidad de poner el foco en las consecuencias que la violencia machista tiene sobre los hijos e hijas que crecen en ese contexto. De este modo, el guión, coescrito junto a Nuria Dunjó, pretende explorar cómo estos menores quedan a menudo atrapados en estructuras familiares y judiciales que siguen otorgando al agresor un lugar de autoridad, incluso cuando existe un historial de violencia.

La cineasta ha desvelado que esta película ha requerido de un trabajo de investigación que se ha prolongado durante más de cinco años, en el que se ha entrevistado con asociaciones y víctimas de violencia machista y vicaria. Su principal conclusión fue que los niños no eran escuchados y que no se estaban teniendo en cuenta sus derechos. Y ésta fue la motivación principal a la hora de hacer la película.

Sobre el título La buena hija, la directora ha resaltado que el concepto de “ser una buena hija” encierra una presión silenciosa que atraviesa la vida de muchas mujeres desde la infancia. Ese concepto responde a una idea implícita de cumplir expectativas familiares, proteger a los adultos o asumir responsabilidades emocionales que no deberían recaer sobre los hijos.

El objetivo, según ha explicado su guionista Núria Dunjó, ha sido contar la historia desde la perspectiva de la joven protagonista, mostrando la confusión que puede surgir cuando el agresor sigue ocupando un lugar central en la vida afectiva de los hijos. Por este motivo, el guión se ha construido a partir de esa mirada generacional, intentando retratar el impacto emocional que la violencia machista tiene en los menores que conviven con ella.

Por su parte, la protagonista Kiara Arancibia ha destacado la complejidad de un personaje que vive atrapado entre la admiración hacia su padre y la necesidad de comprender las consecuencias de su comportamiento. El viaje de Carmela consiste precisamente en enfrentarse a esa contradicción emocional y en descubrir la verdad que se esconde tras los silencios familiares.

Por otro lado, el actor Julián Villagrán ha aclarado que la película aborda los mecanismos de poder que pueden instalarse dentro de una familia marcada por la violencia. Desde su punto de vista la película evita retratos simplistas, mostrando personajes llenos de ambigüedad y contradicciones que obligan al espectador a enfrentarse a una realidad incómoda.

"La buena hija" es el segundo largometraje de Júlia de Paz tras el reconocimiento obtenido con Ama, galardonada con el Premio Feroz Puerta Oscura del Festival de Málaga en 2021. Está inspirado en su cortometraje Harta, premiado en el Festival de Málaga con el Premio del Público en la sección oficial de cortometrajes. Este corto ha sido el punto de partida de esta historia sobre las secuelas del maltrato en el núcleo familiar.

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LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA PRESENTA EL ESTRENO DE LA PELÍCULA PERUANA "EL CORAZÓN DEL LOBO"

El director peruano Francisco Lombardi ha presentado su nuevo largometraje, "El corazón del lobo", con el que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga -donde también ha recibido el Premio Retrospectiva por su trayectoria-. Lombardi regresa al origen del terror de Sendero Luminoso con una película sobre fanatismo, violencia y supervivencia.

Se trata de un drama político que se adentra en el universo interno de la organización terrorista Sendero Luminoso y en las consecuencias humanas del conflicto armado que marcó la historia reciente de Perú, dando lugar a un retrato del interior de la guerrilla inspirado en una historia real, con el que busca completar la mirada iniciada décadas atrás en su clásico La boca del lobo.

La película narra la historia de Aquiles, un niño indígena asháninka secuestrado por la guerrilla que pasa más de una década dentro de la organización. A través de su mirada, el espectador asiste a un proceso devastador que lo lleva de víctima a combatiente, mientras lucha por preservar su identidad y encontrar una vía de escape de un sistema marcado por el fanatismo y la violencia.

En rueda de prensa, Lombardi ha explicado que este proyecto surge como una especie de diálogo con una de sus películas más emblemáticas, La boca del lobo, estrenada en 1988, en la que abordó el conflicto desde la perspectiva del ejército. Ahora, con El corazón del lobo, sentía que debía volver a ese período de la historia peruana para observarlo desde otro ángulo y completar una mirada que, en su momento, solo había mostrado una parte del conflicto.

El cineasta ha reconocido que durante años tuvo la sensación de haber contemplado aquella etapa de violencia desde un único punto de vista. Por eso, esta nueva película nace también como una forma de saldar una deuda personal y cinematográfica que ha consistido en adentrarse en el mundo cerrado de la guerrilla y comprender cómo funcionaba por dentro.

Para Lombardi, uno de los aspectos más impactantes de ese proceso fue descubrir el grado de brutalidad con el que la organización imponía su control sobre las comunidades rurales. Lombardi ha revelado que, al investigar el contexto histórico, quedó profundamente impresionado por el nivel de violencia ejercido sobre los campesinos, quienes terminaron siendo algunas de las principales víctimas del conflicto.

La película está inspirada en la novela 'El miedo del lobo', del escritor peruano Carlos Enrique Freyre, que relata la historia real de un niño secuestrado por Sendero Luminoso, obligado a crecer dentro de la organización. El descubrimiento de ese libro fue decisivo para el desarrollo del proyecto, ya que le permitió explorar de manera íntima cómo era la vida cotidiana dentro de un grupo insurgente y cómo se construían las relaciones entre sus miembros.

Por otro lado, Lombardi ha añadido que la figura de Aquiles le permitió contar la historia desde una perspectiva profundamente humana. En su opinión, el protagonista representa a un superviviente que, pese a verse obligado a participar en la violencia del grupo, conserva una cierta inocencia y una voluntad constante de seguir adelante. Víctor Acurio Sicha, Jared Vicente Sánchez, Silvana Díaz Goicochea y Paul Ramírez Vergara completan el reparto.

Con más de cinco décadas de trayectoria y cerca de una veintena de largometrajes, Lombardi es considerado uno de los grandes nombres del cine latinoamericano contemporáneo. Su obra ha estado marcada por un fuerte interés en los conflictos sociales y políticos de su país, desde títulos emblemáticos como La ciudad y los perros hasta La boca del lobo.

Su nuevo trabajo ha supuesto una nueva incursión del director en uno de los episodios más dolorosos de la historia peruana. Con una mirada cruda y profundamente humana, la película invita a reflexionar sobre los mecanismos del fanatismo y sobre los extremos de violencia a los que puede llegar el ser humano cuando se deja arrastrar por una ideología radical.

La presentación de su nueva película en el Festival de Málaga se produce además en un momento especial para el cineasta, que ha sido distinguido por el certamen con un reconocimiento a su trayectoria, consolidando su figura como una de las voces fundamentales del cine iberoamericano.

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EL DIRECTOR BOLIVIANO ÁLVARO OLMOS TORRICO PRESENTA "LA HIJA CÓNDOR" EN COMPETICIÓN EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

El director boliviano Álvaro Olmos Torrico ha presentado su nuevo largometraje "La hija Cóndor", con el que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga. Se trata de un relato poético que enfrenta la herencia ancestral con los sueños de libertad, una épica andina sobre identidad, tradición y el derecho a elegir el propio destino que integra un mensaje reivindicativo por la preservación del quechua, protegiendo su uso en el mundo contemporáneo.

En rueda de prensa junto a las actrices principales, María Magdalena Sanizo e Iris Sigalit, Olmos Torrico ha revelado las claves de esta coproducción entre Uruguay, Bolivia y Perú que combina tradición indígena, música y una profunda reflexión sobre la identidad.

Ambientada en los Andes bolivianos, la película sumerge al espectador en la vida de Clara, una joven que ha heredado de su madre adoptiva el oficio ancestral de partera y el conocimiento de los cantos rituales con los que las mujeres de su comunidad acompañan los partos. Sin embargo, la protagonista sueña con abandonar su aldea y convertirse en cantante folclórica en la ciudad, un deseo que desencadena un conflicto entre la tradición colectiva y la aspiración individual.

El cineasta ha explicado que el detonante de su largometraje ha sido su interés por explorar la cosmovisión andina y las tensiones que viven muchas comunidades indígenas ante los cambios sociales y culturales. De esta forma la historia intenta capturar el momento en el que una persona debe decidir entre continuar con un legado ancestral o abrirse camino hacia una vida distinta.

Sobre sus personajes, el director ha destacado que Clara –interpretada por María Magdalena Sanizo– representa precisamente esa encrucijada entre la pertenencia a una comunidad y la necesidad de construir una identidad propia. Por ello, se ha esforzado en plasmar esa tensión que también atraviesa muchas historias contemporáneas en América Latina, donde las nuevas generaciones buscan redefinir su relación con las tradiciones heredadas.

Por su parte, Sanizo se ha centrado en la dimensión simbólica del relato y la forma en que la película utiliza la música como un elemento narrativo fundamental. Para ella los cantos que aparecen en la historia no solo forman parte del universo cultural de la comunidad, sino que también reflejan el vínculo espiritual que une a las mujeres con la naturaleza y con los ciclos de la vida.

Además, la actriz también ha resaltado el desafío interpretativo de trabajar con un personaje profundamente conectado con su entorno y con un imaginario cultural muy específico. Desde su perspectiva, la película propone una mirada respetuosa y emocional hacia las tradiciones indígenas, alejándose de los estereotipos con los que a menudo se han representado estas comunidades en el cine.

Su compañera de reparto, Iris Sigalit ha manifestado que el largometraje también habla de los sueños y de la necesidad de tomar decisiones difíciles para perseguirlos. En este sentido ha explicado que la historia muestra cómo ese deseo de libertad puede entrar en conflicto con el peso de la comunidad, generando dilemas personales que atraviesan toda la vida de los personajes. Marisol Vallejos Montaño y Nelly Huayta completan el reparto.

Por último, el director ha concluido que la película se construye a partir de fuertes contrastes visuales y culturales, desde el silencio de los paisajes andinos al ruido de la ciudad o las tradiciones milenarias frente a las aspiraciones contemporáneas. Esa dualidad se convierte en uno de los motores emocionales del relato y en el eje de la evolución de su protagonista.

Con una puesta en escena que combina paisajes imponentes, música tradicional y un relato profundamente humano, la película propone un viaje emocional sobre la identidad, la memoria y el precio de seguir los propios sueños. Tras ser galardonada en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, esta coproducción iberoamericana compite ahora en la Sección Oficial del Festival de Málaga.

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LA SECCIÓN 5 MINUTOS DE CINE DEL FESTIVAL DE MÁLAGA ACOGE LA PRESENTACIÓN DE "EN LA QUIETUD DE LA NOCHE", DE FERNANDO FRATER

La sección 5 minutos del 29 Festival de Málaga ha presentado este martes el proyecto en desarrollo de Fernando Frater. "En la quietud de la luz", que trata de un tema que les fascina a los amantes del espacio: encontrar agua y vida en otros planetas. 

'Es una película que rinde un pequeño homenaje a esas películas que vimos de niños. Películas como Alien, Solaris o Marte me han marcado mucho y es una película que le rinde homenaje a todas ellas', ha afirmado Frater.

La historia –narrada en inglés– trata cómo el astronauta James Browning lleva cuatro años varado en un planeta inhóspito, junto a su compañero de tripulación tras el fracaso de la misión Pegasus, diseñada para encontrar agua y evaluar su habitabilidad. 'El protagonista vive de sus recuerdos y creo que esto lo vivimos mucho en la pandemia. Es más que una película del espacio. Es una película del espacio entre la gente', ha afirmado Frater.

El productor, Ezequiel Montes, ha enfatizado la importancia que tiene la mirada humana y la necesidad de contar algo en las historias. 'Es lo que marca la diferencia entre algo hecho con Inteligencia Artificial y un proyecto que cuenta con una profunda delicadeza y sentimiento'.

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miércoles, 11 de marzo de 2026

"YO NO MORIRÉ DE AMOR", DE MARTA MATUTE, YA ES UNA DE LAS FAVORITAS A LAS BIZNAGAS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

La directora Marta Matute ha presentado su ópera prima "Yo no moriré de amor", con la que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga. Se trata del retrato de una familia devastada por el alzhéimer y el amor que resiste al paso del tiempo, inspirado en su propia experiencia personal.

En rueda de prensa, junto a los actores principales Júlia Mascort, Tomás de Estal, Laura Weissmahr y Sonia Almarcha, Matute ha descrito su largometraje como un drama muy humano que aborda el impacto de esta enfermedad en las familias a través de una mirada crítica hacia la precariedad de recursos con los que muchas personas en situación de dependencia se enfrentan a una vida hostil.

El guion nace de una experiencia profundamente personal, la enfermedad de su madre. A partir de ese recuerdo, la directora quiso construir una historia que reflejase la devastación emocional que provoca el deterioro cognitivo, no solo en quien lo padece, sino también en las personas que acompañan al paciente en ese proceso.

Uno de los objetivos de la directora era plasmar el paso del tiempo en la vida de los personajes y mostrar cómo la enfermedad va transformando su mundo de manera progresiva. De este modo la historia describe el desmoronamiento de una realidad cotidiana en la que cada pequeño gesto adquiere un peso enorme, al tiempo que profundiza en esa sensación de impotencia que envuelve a quienes viven esta situación, especialmente  al sentir que no pueden evitar el avance de la enfermedad.

Por otro lado, la directora también ha hecho hincapié en el componente social de su película, en la que busca visibilizar la falta de recursos y las dificultades que muchas familias encuentran cuando tienen que afrontar una enfermedad como ésta. Para documentarse, pasó tiempo trabajando con diversas asociaciones y grupos de apoyo vinculados a la enfermedad, lo que le permitió conocer de cerca las diferentes etapas que atraviesan los pacientes —desde fases leves hasta estados más avanzados— y la manera en que esas fases afectan tanto a quienes las padecen como a sus entornos.

Ese proceso de investigación fue clave para construir los personajes y para dotar a la historia de una dimensión realista. Escuchar los testimonios de familias y cuidadores le permitió comprender mejor la complejidad emocional de quienes conviven con la enfermedad y así poder trasladar esa experiencia al relato cinematográfico.

Respecto al rodaje, Matute ha reconocido que contó con momentos especialmente intensos. En algunas escenas sintió que estaba reviviendo episodios de su propia vida. Recordó particularmente una secuencia ambientada en un cuarto de baño, en la que la hija intenta sostener el peso de su madre mientras la ayuda en un momento de vulnerabilidad. Durante el rodaje de esa escena, la directora confesó haber experimentado una sensación muy cercana a la vivida en su historia personal, como si por un instante estuviera sosteniendo de nuevo a su propia madre.

Por su parte, el reparto ha destacado la sensibilidad del guion y la intensidad emocional del proceso de trabajo. Júlia Mascort ha explicado la complejidad de interpretar a un personaje que atraviesa un proceso tan doloroso, en el que el amor convive con el agotamiento, la frustración y la necesidad de seguir adelante.

Su compañero, Tomás de Estal ha señalado que la película muestra cómo una enfermedad puede alterar profundamente las dinámicas familiares y obligar a los personajes a replantearse sus vínculos y responsabilidades. Mientras que la actriz Laura Weissmahr ha destacado la delicadeza con la que el guión aborda el deterioro progresivo de la memoria, evitando caer en el dramatismo fácil y apostando por una mirada íntima que pone el foco en los pequeños gestos y en la humanidad de los personajes.

Por último, la actriz Sonia Almarcha ha reconocido  también el valor social de la película y la importancia de que el cine aborde realidades que afectan a tantas familias. En su opinión, este proyecto invita a reflexionar sobre el cuidado, la vulnerabilidad y la necesidad de generar mayor conciencia sobre las condiciones en las que muchas personas afrontan esta enfermedad.

Con una mirada profundamente humana y una narrativa que combina emoción y denuncia social, "Yo no moriré de amor" llega al Festival de Málaga como un retrato íntimo sobre el amor, la memoria y la fragilidad de los vínculos cuando la enfermedad amenaza con borrar los recuerdos que sostienen una vida.

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CARLO PADIAL PRESENTA EN MÁLAGA "PIZZA MOVIES", UNA COMEDIA SATÍRICA QUE RETRATA LA SITUACIÓN ACTUAL DEL CINE

El director Carlo Padial compite en Sección Oficial del Festival de Málaga con "Pizza movies", su 'nueva comedia satírica y delirante que reflexiona sobre la situación actual del cine, una fábula sobre el momento en el que se encuentra el sector audiovisual y lo que supone para las personas que lo aman'.

Así ha descrito Padial en rueda de prensa su largometraje, al que se ha referido como un retrato muy divertido sobre una pareja que tiene problemas, pero que se quiere pese a todo. El director ha dejado claro que no quería hacer una película enfadada ni cínica ni que estuviese muy vista. 'Ya hay demasiado cine enfadado teniendo en cuenta que es el reflejo de la sociedad actual y nosotros queríamos hacer una película completamente diferente, muy positiva', ha puntualizado.

La historia también es muy generacional. 'A partir de los 40 nos encontramos en plenitud física e intelectual, pero también empiezan a surgir muchos problemas con los hijos, los padres, entre otras muchas más situaciones dignas de ser estudiadas y abordadas en una comedia', ha manifestado.  Para ello su director se ha propuesto buscar la parte divertida del drama y recrearla.

Por esta razón, a pesar de tratarse de una comedia, los temas que se abordan son serios y muy universales. En definitiva, el director ha reivindicado 'la comedia como una forma de canalizar la realidad, una herramienta para hablar absolutamente de todo y reírte de los problemas'. 

En la rueda de prensa, Padial ha estado acompañado por los actores principales, Berto Romero, Bruna Cusí y Judith Martín, quienes han coincidido en resumir este trabajo como una mirada irreverente de la industria cinematográfica. La historia juega con los límites entre realidad y ficción, situando al espectador en las entrañas del sector, marcado por la precariedad, el ego y la obsesión por el éxito. Joaquín Reyes, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Tamar Novas, Javier Botet, Belén Barenys y Miguel Noguera terminan de completar el reparto.

A partir de un rodaje caótico y lleno de situaciones absurdas, la película plantea una reflexión irónica sobre cómo se construyen hoy las narrativas culturales y sobre la propia lógica del entretenimiento contemporáneo. Padial ha revelado que el guion -coescrito junto a Carlos de Diego y Desirée de Fez- nace de su interés por retratar el caos creativo que rodea muchas veces a los proyectos audiovisuales. De este modo la película intenta capturar esa mezcla de entusiasmo, improvisación y descontrol que a menudo define los procesos de creación dentro de la industria.

El cineasta ha huido de las estructuras más tradicionales de la comedia para  explorar una forma narrativa más libre y fragmentada. En ese sentido, ha añadido que el proyecto juega deliberadamente con el absurdo y con una cierta sensación de desorden creativo para reflejar el espíritu del propio proceso de rodaje.

Por su parte, Berto Romero, que además de actor participa en el proyecto como productor, ha destacado durante el encuentro con los medios el carácter profundamente lúdico de la cinta. Para Romero, la película nace de la complicidad creativa entre los miembros del equipo y de una voluntad clara de experimentar con los códigos del humor y del cine dentro del cine.

Para el reparto, uno de los aspectos más estimulantes del proyecto ha sido precisamente trabajar en un entorno donde la improvisación y la libertad creativa tenían un peso fundamental. Esta dinámica de trabajo les ha permitido que muchas escenas evolucionasen de manera inesperada y orgánica durante el rodaje.

Por otro lado, la actriz Judith Martín ha resaltado el tono satírico de la película y su capacidad para reírse tanto de la industria cultural como de las propias dinámicas del mundo del espectáculo. Desde su punto de vista, el guion juega constantemente con la frontera entre la caricatura y la realidad, construyendo personajes que reflejan distintas facetas del ecosistema mediático contemporáneo.

Por último, el equipo ha hecho hincapié en que "Pizza Movies" funciona también como una especie de autorretrato colectivo del momento actual del audiovisual. A través de su tono irreverente y su estructura poco convencional, la película plantea una mirada crítica -aunque profundamente humorística- sobre las contradicciones del propio sector.

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DANIEL GIMÉNEZ CACHO COMPITE A LA BIZNAGA DE ORO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA CON "JUANA"

El director Daniel Giménez Cacho ha presentado "Juana", un thriller que  denuncia la violencia patriarcal y la impunidad que rodea a los numerosos casos de feminicidio en México, con un relato que profundiza en la memoria y la tensión política del país. Esta producción mexicana compite en la Sección Oficial a concurso del Festival de Málaga.

En rueda de prensa junto a su protagonista, la actriz Diana Sedano y la guionista Emma Beltrán, Giménez Cacho ha destacado el fuerte contenido político de su película. La historia sigue a Juana, una periodista que, marcada por un pasado traumático, se ve arrastrada a una investigación que conecta el poder político con redes de violencia y explotación. A partir de ese punto de partida, la película se adentra en un viaje personal en el que la protagonista se enfrenta no solo a una trama criminal, sino también a las heridas que arrastra desde hace años.

El proyecto nace de la necesidad del director de reflexionar sobre una realidad que atraviesa la sociedad mexicana. En este punto ha reivindicado que la violencia contra las mujeres no puede entenderse únicamente como una suma de casos aislados, sino como una estructura profundamente arraigada en un sistema social y político que durante mucho tiempo ha permitido su normalización.

Partiendo de esta premisa, el thriller le ofrecía una herramienta narrativa muy poderosa para explorar esa realidad desde el punto de vista emocional del personaje principal. A través de la tensión propia del género, la película busca acercar al espectador a un contexto donde la violencia se ha vuelto parte del paisaje cotidiano y donde la búsqueda de justicia se enfrenta a enormes obstáculos.

Por su parte, la guionista Emma Beltrán ha explicado que el guion se ha desarrollado a partir de una investigación sobre los mecanismos de poder que sostienen esa impunidad. En ese proceso, el equipo quiso construir una historia que mostrase cómo la violencia patriarcal atraviesa distintos ámbitos de la vida pública, desde la política hasta los medios de comunicación, afectando directamente a quienes intentan denunciarla.

Desde el punto de vista de su protagonista Diana Sedano, Juana -un personaje con alta complejidad emocional- es una mujer que ha aprendido a vivir con el peso de un pasado que nunca ha terminado de resolverse, y que a lo largo de la película se ve obligada a enfrentarse a recuerdos y decisiones que habían permanecido enterrados.

Asimismo, ha relatado que el viaje del personaje está marcado por un proceso de toma de conciencia que transforma su relación con la realidad que la rodea. A medida que avanza la investigación, Juana empieza a comprender la dimensión estructural de la violencia que intenta denunciar.

El equipo de "Juana" ha destacado también la importancia de que el cine aborde de forma directa cuestiones como la violencia de género o la impunidad institucional. En ese sentido, Giménez Cacho ha defendido el papel del cine como espacio de reflexión colectiva capaz de generar debate y cuestionar determinadas estructuras sociales.

Con "Juana", el actor mexicano da el salto a la dirección con una obra que combina el suspense del thriller con una mirada profundamente política sobre la realidad contemporánea. El resultado es un relato intenso que explora la memoria, el miedo y la búsqueda de justicia en un contexto marcado por la desigualdad y la violencia. Tras su paso por los festivales internacionales de Morelia en México y en Tallín, Black Nights Film Festival en Estonia, ahora irrumpe en la Sección Oficial del Festival de Málaga, donde compite con otros 21 largometrajes.

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EMILIO RUIZ BARRACHINA PROYECTA EN MÁLAGA EL DOCUMENTAL "BERROCAL: EL ARTE DE DESMONTAR EL CUERPO"

El 29 Festival de Málaga, organizado por el Ayuntamiento de Málaga a través de Málaga Procultura, ha acogido la presentación de un documental inédito que explora la vida y el legado del escultor andaluz Miguel Berrocal, artista que transformó el cuerpo humano en un engranaje artístico desmontable, fusionando arte, ingeniería y pensamiento para revelar el alma oculta en la materia.

"Berrocal: el arte de desmontar el cuerpo", se ha presentado en el salón Rossini del Teatro Cervantes. Su director, Emilio Ruiz Barrachina, ha explicado que su objetivo era realizar un documental 'divulgativo y profundo'. Así, ofrece una mirada artística y biográfica desde su infancia en Villanueva de Algaidas (Málaga) con imágenes de archivo inéditas, entrevistas con su familia y expertos; todo ello bajo el enfoque sobre cómo convirtió el cuerpo humano en una arquitectura desmontable. Sus piezas, concebidas como engranajes perfectos, invitan a descubrir la lógica interna de la forma y a participar activamente en la experiencia artística. El documental reflexiona sobre la materia, el pensamiento y el acto creativo.

'Teníamos mucho material de Berrocal grabado con los medios de la época, el mayor reto ha sido su restauración. En las imágenes se le puede ver esculpiendo y viendo su proceso creativo. Hay mucho material inédito e interesante', ha confirmado Ruiz Barrachina.

La producción cuenta con el apoyo y participación del Ayuntamiento de Málaga, con intervención en el documental del alcalde Francisco de la Torre; así como del Área de Cultura de la Diputación de Málaga, con la presencia del diputado de cultura Manuel López Maestranza, el cual ha subrayado: 'Málaga le debe mucho a Berrocal, una figura que con el paso del tiempo se ha diluido. Pensé en que tenía esa deuda con Málaga y con el escultor'; y ha añadido que la intención que persiguen desde el área de cultura es que se vuelva a hablar de Miguel Berrocal a nivel nacional.

'En Málaga hay grandes escultores pero la idea que tenía Berrocal era crear un centro de escultura y un espacio en la que las nuevas generaciones pudiesen aprender los diferentes tipos y técnicas que hay', ha afirmado la presidenta de la Fundación Escultor Berrocal para las Artes y esposa del artista, Cristina Blais y Sajonia-Coburgo-Braganza.

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LUIS ROMERO PRESENTA EN LA SECCIÓN 5 MINUTOS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA "SUCEDIÓ EN ENERO"

La sección 5 minutos del 29 Festival de Málaga ha presentadoal público este martes 10 de marzo el proyecto en desarrollo de Luis Romero, "Sucedió en enero", en el Rectorado de la Universidad de Málaga (UMA).

Con "Sucedió en enero", Luis Romero sigue su línea versada en el rescate de la identidad nacional y el patrimonio cultural. Está basada en una obra teatral escrita y guionizada por la madre del director, siendo la primera coproducción de España, Panamá y Brasil.

Romero ha explicado que esta película muestra un reflejo de lo que sucede en el mundo y está basada en hechos reales. 'La película es híbrida entre documental y película. Cuenta con un argumento sobre discusiones, metalenguaje y la memoria histórica sobre nosotros y esa presencia norteamericana tan fuerte que hemos vivido en Panamá tantos años', ha concluido.

La peli trata la historia de Eugenio Torchar, director español de fama internacional que viaja a Panamá para elegir a un grupo de actores que protagonizan una obra de teatro sobre los sucesos del 9 de enero de 1964, cuando estudiantes panameños intentaron izar la bandera panameña en la zona del Canal, como un acto de soberanía.

Daniel Entrambasaguas, productor de la película, ha afirmado: 'Uno de los mayores retos  ha sido el hecho de contar con un bajo presupuesto. Es una coproducción con Ibermedia y no tenemos ninguna financiación española. El hecho de que Luis Tosar se haya prestado a ello me resulta fascinante y más  por el recorrido que hemos hecho'. Ralf Tambke, productor y director de fotografía, ha incidido en el esfuerzo que conllevó el hecho de buscar cómo se iban a realizar los planos desde la distancia y los problemas que se podrían enfrentar.

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EL 29 FESTIVAL DE MÁLAGA ACOGE EL ESTRENO DE "UN HIJO", DE NACHO LA CASA

El 29 Festival de Málaga ha acogido la presentación de "Un hijo", el largometraje dirigido por Nacho La Casa, que ha sido proyectado ante un público visiblemente conmocionado dentro del marco de la Sección Oficial Fuera de Concurso del certamen.

Tras el visionado del filme, el director ha participado en un coloquio con los asistentes acompañado por el joven protagonista Ian Ortegoso, en un encuentro que ha permitido profundizar en las claves de esta historia marcada por la emoción y la mirada hacia la infancia.

"Un hijo" propone un drama psicológico centrado en el universo emocional de la infancia. La historia sigue a una psicóloga escolar (Macarena García) que comienza a percibir que, tras la aparente normalidad de un niño recién llegado al colegio, se esconde un mundo interior complejo y lleno de silencios. A medida que intenta comprender qué ocurre en su entorno familiar, se verá inmersa en una delicada investigación emocional que pondrá a prueba sus propios límites y su manera de entender la protección y la verdad.

Durante el coloquio con el público, el cineasta ha compartido el origen del proyecto y que la decisión de llevar a la gran pantalla el libro homónimo de Alejandro Palomas  la tomó cuando al leer la novela se dio cuenta de que apelaba al mundo adulto. 'A veces, no se sabe si es el niño el que protege a los padres o son los padres que, a veces, protegen de forma torpe a los hijos', ha reflexionado Nacho La Casa sobre la situación que expone la película.

'Durante el rodaje, traté de planificar previamente todo para trabajar exclusivamente el timing, las pausas, las miradas y el trabajo con ellos', ha referenciado el director sobre la importancia de unos personajes interpretados por un reconocido elenco formado por Macarena García, Hugo Silva, Jesús Carroza o Adelfa Calvo.

Gran parte de responsabilidad de la emoción del público que se ha fundido en un largo aplauso tras acabar la proyección previa al coloquio la ha tenido Ian Ortegoso, joven actor de apenas nueve años que ha debutado en el mundo de la interpretación con este proyecto. “Es cierto que surgió algo especial que me hizo elegirlo”, ha explicado el autor de la película sobre el largo y complejo casting que se realizó para encontrar al pequeño actor, de quien ha destacado su gran capacidad de retención de textos y el gran acompañamiento de su familia en todo momento.

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"A UNA ISLA DE TI", DE ALEXIS MORANTE, SE PRESENTA EN SECCIÓN OFICIAL FUERA DE OCNCURSO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

La película "A una isla de ti", dirigida por Alexis Morante, ha sido presentada y estrenada en el 29 Festival de Málaga, donde tras su proyección el cineasta ha mantenido un encuentro con el público en un coloquio en el que han participado los actores Freddie Dennis, Jaime Zatarain y Julia Martínez.

"A una isla de ti" plantea una historia de encuentros, afectos y redescubrimientos personales en el entorno insular canario, que actúa como refugio y espejo emocional para sus personajes. A través de un relato que mezcla humor, sensibilidad y momentos de introspección, la película explora las relaciones humanas, los vínculos familiares y las formas diversas que puede adoptar el amor, mientras sus protagonistas afrontan sus propias contradicciones y expectativas en un espacio marcado por la identidad y el paisaje de las islas.

Previo a la proyección, ante el público, el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, ha presentado el acuerdo del certamen con el Ayuntamiento de Torremolinos, representado por su alcaldesa, Margarita del Cid, en pro de la diversidad y la inclusividad y por el que la película se proyecta el 21 de marzo en Torremolinos.

Durante el coloquio, el experimentado director, que en esta edición del certamen ha presentado también en la categoría de Series Sección Oficial Fuera de Concurso Acoustic Home, ha explicado que su interés por abordar esta comedia romántica respondía al deseo de apoyarse en un género reconocible que le permitiera articular una historia con múltiples capas. Según ha señalado, trabajar desde ese marco le ofrecía una estructura narrativa clara desde la que explorar distintas inquietudes sobre los afectos, las relaciones y la identidad de los personajes.

El cineasta también ha apuntado que la película dialoga con la tradición de la comedia romántica de los años noventa, un modelo en el que muchas de las convenciones del género estaban claramente definidas y codificadas. Partiendo de ese imaginario, ha comentado, la propuesta busca jugar con esas normas para cuestionarlas y abrir nuevas posibilidades narrativas.

En ese sentido, Morante ha argumentado que el metraje trata de romper con ciertas etiquetas en torno al amor y a las estructuras familiares, introduciendo relaciones que se alejan de los esquemas más normativos, como el vínculo entre dos hombres o la presencia de una familia desestructurada.

Por su parte, los actores han aprovechado para comentar detalles de sus personajes y las escenas más llamativas en esta producción. Jaime Zatarain, la cara más conocida del elenco, ha detallado el particular proceso de adaptación a su personaje.

De esta forma, el realizador ha subrayado la importancia de la autenticidad en el proyecto, destacando que desde el inicio buscó que tanto el entorno como el reparto transmitieran una verdad vinculada al lugar donde se desarrolla la historia. En ese proceso, la identidad canaria, la llamada 'canariedad” por el propio propio director, debía estar presente de forma orgánica, tanto en el paisaje como en el tono de la interpretación de los actores, para que la película mantuviera un fuerte arraigo con el territorio que la inspira.


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martes, 10 de marzo de 2026

CASTING REMUNERADO EN GRANADA PARA RODAJE DE PELÍCULA

La agencia Son de Casting, de Sevilla, busca figuración en Granada para participar en una película que se rodará en Granada y en Las Gabias, entre abril y mayo. En concreto, buscan hombres y mujeres tanto españoles como árabes. Y de todas las edades, a partir de los 7 años.

Hay convocados dos procesos de casting presenciales. El primero, el lunes 16 de marzo de 9.00 a 21.00 horas, en la Cámara de Comercio de Granada (Calle Luis Amador 26). El segundo, el martes 17 en la Casa de los Blasco, en las Gabias (Plaza de España, S/N).

A tener en cuenta: es un trabajo remunerado, por lo que se dará de alta en la seguridad social. Además, según indican en la convocatoria, no es necesaria experiencia previa en cine.

Son de Casting es la agencia detrás de películas como "Segundo premio", "Te estoy amando locamente", "Modelo 77" o "La espera. Sobre la película nada se sabe aún.

Fuente. ideal.es

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CINCO CORTOMETRAJES SE PROYECTAN EN LA SECCIÓN PANORAMA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

El Festival de Málaga ha acogido hoy la proyección de los cortometrajes de la Sección Panorama, un espacio que reúne obras recientes del formato breve y que en esta edición ha presentado un total de cinco trabajos, tres de ellos realizados gracias a las Ayudas a la creación audiovisual impulsadas por el propio certamen.

Antes del inicio de la sesión, los directores y directoras de los cortometrajes subieron al escenario para presentar sus obras y compartir con el público algunas claves de los proyectos, en un encuentro que permitió contextualizar las historias y acercar al espectador al proceso creativo de cada una de ellas.

El programa ha incluido "Esperando a Mar", de Jorge Peña Martín; "La última oferta", de Marta García Ruiz; "Pulseras", de Ana Herraiz; "Fuera de Concurso, Perpetua navidad azul", de Marina Aparicio, y "Videoclub 2001", de Guillermo Polo.

A través de enfoques muy diversos, los cortometrajes abordan temas que atraviesan la experiencia contemporánea, desde la transformación personal que supone la llegada de un hijo hasta las dificultades para encontrar vivienda en las ciudades actuales, pasando por los procesos de duelo y reconstrucción familiar. El programa también se adentra en la mirada de la infancia ante la enfermedad y la pérdida, así como en la memoria reciente de espacios culturales que marcaron a toda una generación, como los videoclubs.

Las obras reunidas en Panorama ofrecen así un mosaico de historias íntimas y sociales que dialogan con el presente desde distintas sensibilidades narrativas, confirmando el cortometraje como un terreno fértil para explorar emociones, conflictos cotidianos y transformaciones colectivas.

Con esta sesión, el Festival de Málaga continúa impulsando el talento emergente y apoyando la creación audiovisual a través de iniciativas que permiten a nuevos realizadores desarrollar sus proyectos y presentarlos ante el público del certamen. 

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"AURI", DE VIOLETA SALAMA, SE PRESENTA FUERA DE COMPETICIÓN EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

El nuevo largometraje dirigido por Violeta Salama, "Auri", ha sido presentado en la Sección Oficial Fuera de concurso es este 29 Festival de Málaga, donde tras su visionado, se ha propiciado un encuentro con el público en un coloquio en el que la cineasta y parte del equipo artístico han profundizado en el origen y las inquietudes que atraviesan la película.

Durante el Q&A posterior a la proyección, la cineasta ha compartido con los asistentes motivaciones y detalles de este proyecto acompañada de los intérpretes Marco Cáceres, Numa Paredes y Daniel Guirro, el guionista Samuel Pinazo, la productora Silvia Carvalho y la productora ejecutiva Lydia Palencia.

La trama de la película gira en torno Auri, interpretada por Cristina Marcos, quien con 65 años y una vida entera dedicada a los demás, descubre por primera vez lo que significa decidir por sí misma. Cuando recibe un dinero inesperado, inicia un pequeño pero revelador viaje de libertad que sacude la rutina de su entorno familiar. Mientras su marido intenta encontrarla, Auri comienza a explorar una independencia que llega tarde, pero con una intensidad que lo cambia todo.

El origen que dio forma al proyecto nace del ideario del guionista malagueño, quien ha explicado una trama que está inspirada en su familia y experiencias reales. 'Normalmente, para plasmar la realidad, uno tiende a exagerar', ha explicado Samuel Pinazo, quien, en este sentido, ha asegurado tener que hacer el ejercicio opuesto para llevar una realidad a su historia de libertad tardía.

'El impulso inicial es la necesidad que todo ser humano tiene de sentirse ganador en su vida', ha reflexionado el ideador del guion, el cual ha definido arriesgado para llevarlo a la gran pantalla pero que, a su vez, supone 'un homenaje a la gente grande que tenemos alrededor'.

Por su parte, la directora ha destacado la importancia de estrenarla en Málaga porque tiene mucho de la ciudad, confesando su intención de huir del drama social queriendo mostrar la vida de barrio donde se encuentran las historias reales. 'Es una película en la que parece que no pasa nada, pero que muestra esas pequeñas cosas de la rutina, que al final componen lo que es la vida', ha explicado de su segundo largometraje.

Paralelamente, los actores también han participado aportando en este encuentro alabando el trabajo de la cineasta, destacando su intención de tocar temáticas como las segundas oportunidades, situaciones comunes y diferentes problemas reales.

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IAN DE LA ROSA COMPITE A LA BIZNAGA DE ORO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA CON "IVÁN & HADOUM"

El director Ian de la Rosa ha presentado en el Festival de Málaga su ópera prima "Iván & Hadoum", donde compite en Sección Oficial tras ganar el Teddy Award en la Berlinale, un intenso romance contemporáneo ambientado en los invernaderos de Almería que invita al espectador a reflexionar sobre temas como la identidad, los prejuicios y la precariedad laboral. 

En rueda de prensa junto a sus protagonistas, los intérpretes Silver Chicón y Herminia Loh, el director granadino ha descrito su largometraje “como un abrazo, una invitación a un refugio de amor y deseo, los dos motores principales de una revolución que empieza por lo personal, pero que termina en lo colectivo”. En definitiva, una historia de amor clásica, pero protagonizada por personajes que raramente ocupan ese lugar en el cine, ha manifestado.

Se trata de una coproducción entre España, Alemania y Bélgica que narra la historia de amor entre Iván, un hombre trans, y Hadoum, una mujer hispano-marroquí. La trama aborda temas universales, atemporales y muy presentes en la actualidad, como la lucha contra los prejuicios, la pobreza y abusos de poder en el entorno rural o la búsqueda de identidad y de pertenencia. Su intención era situar la identidad trans del protagonista dentro de un relato romántico donde el conflicto principal no sea la identidad en sí, sino las condiciones sociales y emocionales que rodean la relación.

De este modo el guión alterna una narrativa romántica y social con un relato íntimo y profundamente humano que explora las complejidades de la identidad, los vínculos familiares y la necesidad de encontrar un lugar propio en el mundo. La película se sitúa así en la intersección entre el realismo social y el melodrama romántico. A través de la relación entre sus protagonistas, De la Rosa ha plasmado cómo el amor puede convertirse en un espacio de emancipación personal frente a las estructuras que limitan la libertad individual.

La cinta se ha inspirado en estructuras narrativas cercanas a las grandes historias románticas trágicas, trasladando ese imaginario al contexto contemporáneo del sur de España. En ese sentido, ha añadido que el relato funciona como una especie de Romeo y Julieta moderno, donde las diferencias de origen, clase y expectativas sociales condicionan el destino de los protagonistas.

De la Rosa ha manifestado que el proyecto nace de una inquietud personal por abordar las historias que surgen cuando diferentes culturas, generaciones y experiencias vitales se cruzan. Para ello, la película se apoya en una mirada muy cercana hacia sus protagonistas, permitiendo que el espectador acompañe su evolución emocional y comprenda sus tensiones internas. En ese sentido, también ha explicado que el guión busca capturar la complejidad de los afectos y la forma en que las relaciones personales pueden transformarse cuando se enfrentan a los secretos, los recuerdos y las expectativas familiares.

Por otro lado, el actor Silver Chicón ha explicado el reto interpretativo que le supuso dar vida a un personaje que se mueve entre distintas realidades y sentimientos contradictorios con mucha honestidad emocional. La fase clave de su trabajo actoral fue llegar a construir una figura profundamente humana, capaz de mostrar tanto sus vulnerabilidades como su deseo de comprender su propia historia.

A lo largo del guión, De la Rosa plantea preguntas sobre la identidad y sobre la manera en que las personas intentan reconciliarse con su pasado. “Esa dimensión íntima es lo que permite que el espectador conecte con los personajes más allá de las circunstancias concretas que les atraviesan”, ha reflexionado.

Para la actriz Herminia Loh, "Iván & Hanoum" alberga una historia muy contemporánea sobre cómo las personas construyen su identidad en medio de múltiples influencias culturales y familiares. En esta línea ha afirmado que la historia aborda el amor como una forma de resistencia frente a un contexto social y laboral que muchas veces empuja a los personajes hacia los márgenes. Los actores Cisco Lara, Hadoum Benghnidira, Hugo Rodríguez, Esperanza Guardado, Nico Montoya, Úrsula Díaz, Erika Ruíz y Alina Logunovav terminan de completar el reparto.

Por último, el director ha resaltado la importancia del territorio en la película. Rodada íntegramente en la provincia de Almería –entre invernaderos, playas y paisajes desérticos–, la historia busca mostrar una imagen contemporánea de la región y de las comunidades que viven y trabajan en ella. Uno de sus objetivos era retratar ese territorio con autenticidad, alejándose de la mirada exótica con la que a menudo se ha representado.

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EL CHILENO SERGIO CASTRO-SAN MARTÍN ESTRENA EN MÁLAGA "MIL PEDAZOS", QUE COMPITE EN LA SECCIÓN OFICIAL

El director chileno Sergio Castro-San Martín ha estrenado su nueva película, "Mil pedazos", en el Festival de Málaga, donde compite en Sección Oficial. Esta coproducción entre Chile, Argentina y España invita al espectador a emprender un viaje emocional y reflexivo a través de su retrato dramático y contundente sobre la culpa, la fragilidad humana y la búsqueda de redención.

En rueda de prensa junto al actor Daniel Muñoz, el director ha revelado que su largometraje se centra en la complejidad de los vínculos humanos y las heridas que deja el pasado. Castro-San Martín se adentra a través de este drama –con tintes de road movie– en las profundidades de la culpa, la memoria y la reconstrucción personal con un personaje que se enfrenta a las consecuencias de sus decisiones.

La idea de su director parte de su curiosidad por reflejar 'cómo las personas lidian con los errores del pasado y con las heridas emocionales que esos errores dejan en quienes los rodean'. Por ello, el guión, que ha escrito junto a Mara Pescio, plantea un viaje íntimo que pone el foco en la fragilidad humana y en la dificultad de recomponer una vida cuando todo parece haberse quebrado.

Para el cineasta era clave construir la historia desde una mirada profundamente humana hacia sus personajes, alejándose de juicios morales simplistas. La trama está inspirada en el mito del ermitaño de la Cuesta Las Chilcas, un doctor que perdió a toda su familia en un accidente y desde entonces decidió vivir como un ermitaño.

Castro-San Martín se ha propuesto mostrar las contradicciones y las zonas grises que aparecen cuando alguien intenta enfrentarse a su propia responsabilidad y encontrar una forma de seguir adelante. El título recrea precisamente esa sensación de fragmentación emocional que atraviesa al protagonista. Por tanto, la trama se ha articulado alrededor de la idea de que las personas pueden sentirse rotas por dentro y, sin embargo, seguir intentando reconstruirse a partir de esos fragmentos.

Por su parte, el actor Daniel Muñoz ha destacado la intensidad emocional del personaje al que da vida y el desafío interpretativo que le ha supuesto encarnar a alguien marcado por la culpa y la necesidad de redención. Para él, uno de los aspectos más complejos del trabajo fue encontrar el equilibrio entre la dureza de las circunstancias que atraviesa el personaje y la humanidad que todavía le caracteriza.

Muñoz también ha reconocido que el guión le atrajo por esa capacidad de retratar a un personaje profundamente imperfecto, pero al mismo tiempo reconocible. Se ha mostrado seguro de que la película va a permitir al espectador acercarse a las contradicciones del protagonista como si también fuesen las suyas. Los actores Paola Giannini, Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez Bannen, Ximena Martín y Andrea Romeo terminan de completar el reparto de esta película coral.

El rodaje tuvo lugar en el valle chileno del Elqui, ubicado al norte del país, un lugar que cuenta con los cielos más limpios del mundo y caracterizado por una atmósfera muy esotérica, dando lugar a un paisaje teñido por el tinte emocional de sus personajes.

Con una narrativa íntima y una mirada honesta sobre las fracturas emocionales que atraviesan la vida de las personas, Mil pedazos se presenta como un drama intenso que invita a reflexionar sobre la culpa, el perdón y la posibilidad de reconstruirse incluso cuando todo parece haberse roto.

Miguel, Isabel y Emilia salen de vacaciones, junto a su perra Eve. De pronto, un accidente en la mitad del desierto, deja gravemente herida a la madre. Miguel, intentando salvar a Emilia, inicia una travesía personal junto a su hija para así encontrar respuesta a lo acontecido. Tres meses después, Isabel despierta de un coma y emprende una búsqueda personal, amorosa e intuitiva, para reconstruir a su familia.

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LA DIRECTORA BÁRBARA FARRÉ PRESENTA "MALA BESTIA" EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL 29 FESTIVAL DE MÁLAGA

La directora Bàrbara Farré ha presentado su primer largometraje "Mala Bèstia", un thriller de gran carga emocional que se adentra en las reacciones humanas ante el miedo, la rabia contenida y la supervivencia, y con el que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga.

En rueda de prensa junto a las actrices principales, María Schwinning e Iria del Río, la directora ha explicado que su ópera prima explora la identidad, la resistencia femenina y la violencia a través de la historia de dos mujeres atrapadas en una situación extrema. El origen del proyecto surge de su interés por adentrarse en la reacción de las personas cuando se enfrentan a situaciones límite. Por este motivo, la película no sólo se plantea como un relato de tensión, sino también como una reflexión sobre cómo puede desencadenarse la violencia en contextos de pánico, presión o de mera supervivencia.

'El título de la película juega precisamente con esa idea de la bestia que todos llevamos dentro y que puede aparecer cuando las normas sociales dejan de ofrecer protección', ha argumentado la directora. En ese sentido, también ha aclarado que la historia busca cuestionar la línea que separa a la víctima del agresor y plantear al espectador preguntas incómodas y sin respuestas claras sobre los mecanismos de defensa y las decisiones que se toman en situaciones extraordinarias.

Para Farré era muy importante construir su película desde la mirada femenina y ambigua de sus protagonistas. Para ello, el guión –que ha escrito junto a Alberto Dexeus– se sostiene por la complejidad emocional de dos personajes que deben enfrentarse no solo a un entorno hostil, sino también a sus propios temores, contradicciones y límites morales. Al respecto, Farré ha aclarado que 'la atmósfera es la parte más importante de su largometraje, por encima incluso de lo narrativo'. A través de ella se van mostrando los sentimientos a flor de piel de sus protagonistas, incluso sus emociones más viscerales.

Maria Schwinning, que debuta por primera vez como actriz, ha destacado el desafío interpretativo que le ha supuesto dar vida a un personaje sometido a una presión constante a lo largo de la historia. Uno de los aspectos más interesantes del proyecto ha sido precisamente explorar la evolución psicológica del personaje y la manera en que las circunstancias van transformando su forma de actuar.

La cinta propone un viaje emocional intenso en el que los personajes se ven obligados a tomar decisiones que nunca antes imaginaron. Y esa tensión permanente es lo que vertebra el pulso narrativo del largometraje, invitando al espectador a experimentar la historia desde dentro.

Por su parte, la actriz Iria del Río ha resaltado la complejidad de los vínculos que se establecen entre los personajes y la forma en que la historia plasma las dinámicas de poder, miedo y solidaridad que pueden surgir en situaciones radicales. Para la actriz, uno de los retos del rodaje fue mantener la intensidad emocional necesaria para transmitir la sensación de peligro y vulnerabilidad que permanece intrínseca a lo largo de todo el guión.

Del Río también ha insistido en el compromiso del equipo por abordar el trabajo actoral desde un enfoque muy realista para evitar minimizar las emociones de los personajes. Desde su perspectiva, la película plantea preguntas sobre hasta dónde puede llegar una persona cuando se siente amenazada y sobre cómo el instinto de supervivencia puede alterar la percepción de lo correcto, la moral establecida o el propio criterio de lo que es justo o injusto.

La trama pone el foco en Atenea, una adolescente que vive en un internado, aferrada a la idea de no hacerse mayor. Cuando una pareja decide acogerla, se abre ante ella la posibilidad de un hogar que no está dispuesta a perder. Pronto, el miedo a ser reemplazada despertará en Atenea un instinto que la empujará a hacer lo inimaginable.

Tras su estreno en el Festival de Málaga, "Mala Bèstia" llegará a los cines españoles el próximo 31 de julio.

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LA PELÍCULA PERUANA "AQUELLA SOMBRA DESVANECIA", DE SAMUEL URBINA, SE PRESENTA EN LA SECCIÓN ZONAZINE

La sección Zonazine del Festival de Málaga ha acogido el estreno europeo de "Aquella sombra desvanecía", la ópera prima del director peruano Samuel Urbina, una obra de tempo pausado que explora los vínculos emocionales entre una madre y su hijo a través de silencios, ausencias y distancias.

Tras la proyección de la película en la sala 3 del Cine Albéniz, ha tenido lugar una rueda de prensa en la que han participado el director, Samuel Urbina, y el productor Walter Manrique, quienes han compartido con los medios el origen de la película y el proceso de creación de una historia profundamente ligada a su territorio.

'Este es el estreno europeo de la película y estamos muy emocionados de que sea aquí, en Málaga', ha señalado Urbina. El cineasta ha explicado que la obra nace de una experiencia personal vinculada a la migración: 'Es una película con ritmo lento que habla de los silencios y de esos momentos incómodos entre una madre y un hijo. Es un tema universal: el de irse de las ciudades pequeñas a las capitales'.

Originario de Piura, en el norte de Perú, Urbina vivió ese proceso en primera persona. 'Yo tuve que migrar. Viví dos años en Barcelona y muchas veces olvidamos a los que se quedan, a nuestros padres, que muchas veces ya están envejeciendo. De ahí nace la película, de intentar explorar el lado de quien se queda, en este caso, la madre', ha explicado.

Ese enfoque se traslada también al lenguaje cinematográfico de la obra. Desde su concepción, el director tenía claro que la película debía construirse con planos fijos y una mirada contemplativa: 'Desde que concebí la película sabía que quería trabajar con planos fijos. Quería explorar el territorio, el calor, el desierto. Quería explorar eso con la imagen'.

Rodada en las localidades de Sechura, Piura y Sullana, todas ellas unidas por el desierto piurano, la película incorpora también elementos culturales propios de la región, como la música. 'Piura es la capital de la cumbia peruana, así que incluimos a la orquesta Piura Boys', ha explicado Urbina. En ese sentido, el productor Walter Manrique ha destacado el significado de esta elección: 'La cumbia es muy representativa de Perú y normalmente habla del amor o del desamor romántico. Aquí es interesante cómo se replantea para hablar de un amor materno-filial'.

El cineasta ha citado entre sus influencias el cine latinoamericano contemporáneo y autores como Lisandro Alonso, así como el trabajo de directores iraníes como Jafar Panahi o Abbas Kiarostami, referentes en su aproximación al lenguaje cinematográfico.

Durante el encuentro, Urbina y Manrique también han reflexionado sobre las dificultades de hacer cine fuera de Lima. La película comenzó a gestarse en 2019 y ha podido realizarse gracias a los estímulos económicos del Ministerio de Cultura de Perú. 'Hacer cine fuera de Lima es muy difícil. Las posibilidades de producción son muy limitadas y también lo es la distribución', ha señalado el director; y ha añadido: 'Que la película haya llegado hasta Málaga demuestra la riqueza de las historias que podemos contar fuera de la capital'.

El productor ha subrayado además el reto que supone llevar este tipo de propuestas a las salas comerciales. 'Buscamos un estreno comercial en Perú. Nos gustaría presentarla primero en el Festival de Cine de Lima y después intentar su recorrido en salas. Es una batalla grande, sobre todo para una película como esta'.

Ambos han reivindicado la diversidad territorial del país. 'Muchas películas se centran en Lima o en los Andes, pero Perú es mucho más diverso', ha explicado Manrique. 'Queremos romper ese imaginario que nos reduce a un solo territorio'.

En esa línea, Urbina ha destacado el valor de la película como retrato de una región poco representada en el cine. 'Muy pocas veces se ha visto el norte peruano en pantalla. Piura es conocida por sus playas y algunas producciones internacionales han rodado allí, pero casi nunca en la ciudad o en el desierto', ha señalado. Aquella sombra desvanecía se convierte así en la primera película rodada en Piura con fondos DAFO que alcanza un estreno internacional en un festival como Málaga.

Samuel Urbina es un director y productor de cine nacido y radicado en Piura, Perú. Se interesa por un cine que transita entre la ficción y la no ficción, con el territorio como punto de partida. Sus obras se han presentado en festivales como Málaga, Guadalajara, São Paulo, Cartagena de Indias, Lima, entre otros.

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MÁLAGA ACOGE EL ESTRENO EN SU SECCIÓN OFICIAL FUERA DE CCNCURSO DE "TODOS LOS COLORES", DE BEATRIZ DE SILVA

El 29 Festival de Málaga ha acogido la presentación de "Todos los colores", el primer largometraje dirigido por Beatriz de Silva, con el que pretende mostrar una visión real de las personas con discapacidad.

Enmarcado dentro de la Sección Oficial Fuera de Concurso, tras el visionado del metraje se ha producido un encuentro en el que la directora ha estado acompañada de las actrices Mafalda Carbonell, Eva Moral y Silvia Abril, quien ha estado presente a través de una pantalla por videollamada, así como de María Cervera, productora ejecutiva de este reivindicativo proyecto.

El guion está basado en Belén, una adolescente de 17 años que va en silla de ruedas y ve cómo el final del bachillerato y los cambios en su grupo de amigas la empujan a cuestionarse su lugar en el mundo. Cuando una circunstancia inesperada la acerca al deporte adaptado, su vida comienza a transformarse a través de nuevos vínculos, el despertar del deseo y la necesidad de definir su propia identidad. En ese tránsito hacia la madurez, Belén descubrirá que crecer implica aceptar los cambios y aprender a mirar la vida en todos sus matices.

'Cuando nunca has tenido a alguien con discapacidad cerca no te das cuenta realmente de lo que significa', ha reflexionado Beatriz de Silva, quien según ha confesado, el paso a dirigir su primer largometraje tras varios cortos ha puesto “un triple salto mortal” por el nivel de responsabilidad que ha adquirido.

A su vez, la directora ha indicado su propósito de huir de esa mirada paternalista y sobreprotectora con la que tienen que lidiar muchas personas con discapacidad, quienes, en muchos casos “no necesitan compasión, sino solamente una rampa para que puedan acceder. 

Para transmitir este mensaje, la joven cineasta ha destacado la importancia de elegir un buen reparto que sepa transmitir para que los espectadores puedan entender y normalizar muchas situaciones y episodios con naturalidad.

La actriz protagonista, Mafalda Carbonell, ha acercado algunos momentos del rodaje y ha resaltado la gran química existente entre el elenco de actores. Un matiz en el que ha coincidido la popular y consagrada Silvia Abril, quien también ha aprovechado para poner en valor el bien ambiente y armonía en los rodajes.

También ha querido mostrar su agradecimiento Eva Moral, reconocida triatleta paralímpica, por haber tenido una “experiencia maravillosa” interpretando por primera vez en una película que 'expone situaciones que rompen estereotipos'.

 

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EL CINEASTA ARGENTINO MARCELO PIÑEYRO PRESENTA EN MÁLAGA "LA VERDADERA HISTORIA DE RICARDO III, LA PELÍCULA"

El 29 Festival de Málaga ha presentado este domingo 8 de marzo la película del director, guionista y productor argentino Marcelo Piñeyro, "La verdadera historia de Ricardo III, la película", en el Auditorio Christine Ruiz-Picasso.

El director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, ha iniciado la presentación  afirmando que este  proyecto busca reivindicar la necesidad de seguir conduciendo audiovisuales que aúnan lo escénico con el audiovisual. Joaquín Furriel, actor protagonista de la película, ha explicado que la producción ha supuesto un trabajo muy difícil. '¿Cómo traer a una sala de cine una experiencia teatral?, La verdadera historia de Ricardo III, la película, es un híbrido en el buen sentido'.

Este proyecto de Piñeyro nace en el umbral donde el teatro se vuelve cine. Una apuesta radical de Calixto Bieito, donde la cámara no observa desde afuera: entra, escucha, acentúa  y descubre detalles invisibles desde la platea. Una experiencia híbrida, suspendida entre lo real y lo ficticio, donde ambos lenguajes se funden para contar una verdad reinventada.

Furriel ha explicado durante la presentación que esta obra es una 'visión contemporánea y muy original' que trata el odio, el poder, la violencia y cómo la 'verdad puede ser tergiversada'.

'Creo que en realidad esta película es una representación muy poderosa de lo que significa el arte, la cultura y la industria del cine y el audiovisual en Buenos Aires. Esta apuesta de Marcelo Piñeiro nos brinda su mirada, en la que podemos ver la obra de Calixto Vieito sobre Shakespeare', ha afirmado Gabriela Ricardes, ministra de Cultura de Buenos Aires. En esta línea, Juan Antonio Vigar ha afirmado que desde el Festival de Málaga se seguirá apoyando al cine argentino.

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