Los Amadores del Cine

martes, 10 de marzo de 2026

"AURI", DE VIOLETA SALAMA, SE PRESENTA FUERA DE COMPETICIÓN EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

El nuevo largometraje dirigido por Violeta Salama, "Auri", ha sido presentado en la Sección Oficial Fuera de concurso es este 29 Festival de Málaga, donde tras su visionado, se ha propiciado un encuentro con el público en un coloquio en el que la cineasta y parte del equipo artístico han profundizado en el origen y las inquietudes que atraviesan la película.

Durante el Q&A posterior a la proyección, la cineasta ha compartido con los asistentes motivaciones y detalles de este proyecto acompañada de los intérpretes Marco Cáceres, Numa Paredes y Daniel Guirro, el guionista Samuel Pinazo, la productora Silvia Carvalho y la productora ejecutiva Lydia Palencia.

La trama de la película gira en torno Auri, interpretada por Cristina Marcos, quien con 65 años y una vida entera dedicada a los demás, descubre por primera vez lo que significa decidir por sí misma. Cuando recibe un dinero inesperado, inicia un pequeño pero revelador viaje de libertad que sacude la rutina de su entorno familiar. Mientras su marido intenta encontrarla, Auri comienza a explorar una independencia que llega tarde, pero con una intensidad que lo cambia todo.

El origen que dio forma al proyecto nace del ideario del guionista malagueño, quien ha explicado una trama que está inspirada en su familia y experiencias reales. 'Normalmente, para plasmar la realidad, uno tiende a exagerar', ha explicado Samuel Pinazo, quien, en este sentido, ha asegurado tener que hacer el ejercicio opuesto para llevar una realidad a su historia de libertad tardía.

'El impulso inicial es la necesidad que todo ser humano tiene de sentirse ganador en su vida', ha reflexionado el ideador del guion, el cual ha definido arriesgado para llevarlo a la gran pantalla pero que, a su vez, supone 'un homenaje a la gente grande que tenemos alrededor'.

Por su parte, la directora ha destacado la importancia de estrenarla en Málaga porque tiene mucho de la ciudad, confesando su intención de huir del drama social queriendo mostrar la vida de barrio donde se encuentran las historias reales. 'Es una película en la que parece que no pasa nada, pero que muestra esas pequeñas cosas de la rutina, que al final componen lo que es la vida', ha explicado de su segundo largometraje.

Paralelamente, los actores también han participado aportando en este encuentro alabando el trabajo de la cineasta, destacando su intención de tocar temáticas como las segundas oportunidades, situaciones comunes y diferentes problemas reales.

IAN DE LA ROSA COMPITE A LA BIZNAGA DE ORO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA CON "IVÁN & HADOUM"

El director Ian de la Rosa ha presentado en el Festival de Málaga su ópera prima "Iván & Hadoum", donde compite en Sección Oficial tras ganar el Teddy Award en la Berlinale, un intenso romance contemporáneo ambientado en los invernaderos de Almería que invita al espectador a reflexionar sobre temas como la identidad, los prejuicios y la precariedad laboral.

En rueda de prensa junto a sus protagonistas, los intérpretes Silver Chicón y Herminia Loh, el director granadino ha descrito su largometraje “como un abrazo, una invitación a un refugio de amor y deseo, los dos motores principales de una revolución que empieza por lo personal, pero que termina en lo colectivo”. En definitiva, una historia de amor clásica, pero protagonizada por personajes que raramente ocupan ese lugar en el cine, ha manifestado.

Se trata de una coproducción entre España, Alemania y Bélgica que narra la historia de amor entre Iván, un hombre trans, y Hadoum, una mujer hispano-marroquí. La trama aborda temas universales, atemporales y muy presentes en la actualidad, como la lucha contra los prejuicios, la pobreza y abusos de poder en el entorno rural o la búsqueda de identidad y de pertenencia. Su intención era situar la identidad trans del protagonista dentro de un relato romántico donde el conflicto principal no sea la identidad en sí, sino las condiciones sociales y emocionales que rodean la relación.

De este modo el guión alterna una narrativa romántica y social con un relato íntimo y profundamente humano que explora las complejidades de la identidad, los vínculos familiares y la necesidad de encontrar un lugar propio en el mundo. La película se sitúa así en la intersección entre el realismo social y el melodrama romántico. A través de la relación entre sus protagonistas, De la Rosa ha plasmado cómo el amor puede convertirse en un espacio de emancipación personal frente a las estructuras que limitan la libertad individual.

La cinta se ha inspirado en estructuras narrativas cercanas a las grandes historias románticas trágicas, trasladando ese imaginario al contexto contemporáneo del sur de España. En ese sentido, ha añadido que el relato funciona como una especie de Romeo y Julieta moderno, donde las diferencias de origen, clase y expectativas sociales condicionan el destino de los protagonistas.

De la Rosa ha manifestado que el proyecto nace de una inquietud personal por abordar las historias que surgen cuando diferentes culturas, generaciones y experiencias vitales se cruzan. Para ello, la película se apoya en una mirada muy cercana hacia sus protagonistas, permitiendo que el espectador acompañe su evolución emocional y comprenda sus tensiones internas. En ese sentido, también ha explicado que el guión busca capturar la complejidad de los afectos y la forma en que las relaciones personales pueden transformarse cuando se enfrentan a los secretos, los recuerdos y las expectativas familiares.

Por otro lado, el actor Silver Chicón ha explicado el reto interpretativo que le supuso dar vida a un personaje que se mueve entre distintas realidades y sentimientos contradictorios con mucha honestidad emocional. La fase clave de su trabajo actoral fue llegar a construir una figura profundamente humana, capaz de mostrar tanto sus vulnerabilidades como su deseo de comprender su propia historia.

A lo largo del guión, De la Rosa plantea preguntas sobre la identidad y sobre la manera en que las personas intentan reconciliarse con su pasado. “Esa dimensión íntima es lo que permite que el espectador conecte con los personajes más allá de las circunstancias concretas que les atraviesan”, ha reflexionado.

Para la actriz Herminia Loh, "Iván & Hanoum" alberga una historia muy contemporánea sobre cómo las personas construyen su identidad en medio de múltiples influencias culturales y familiares. En esta línea ha afirmado que la historia aborda el amor como una forma de resistencia frente a un contexto social y laboral que muchas veces empuja a los personajes hacia los márgenes. Los actores Cisco Lara, Hadoum Benghnidira, Hugo Rodríguez, Esperanza Guardado, Nico Montoya, Úrsula Díaz, Erika Ruíz y Alina Logunovav terminan de completar el reparto.

Por último, el director ha resaltado la importancia del territorio en la película. Rodada íntegramente en la provincia de Almería –entre invernaderos, playas y paisajes desérticos–, la historia busca mostrar una imagen contemporánea de la región y de las comunidades que viven y trabajan en ella. Uno de sus objetivos era retratar ese territorio con autenticidad, alejándose de la mirada exótica con la que a menudo se ha representado.

EL CHILENO SERGIO CASTRO-SAN MARTÍN ESTRENA EN MÁLAGA "MIL PEDAZOS", QUE COMPITE EN LA SECCIÓN OFICIAL

El director chileno Sergio Castro-San Martín ha estrenado su nueva película, "Mil pedazos", en el Festival de Málaga, donde compite en Sección Oficial. Esta coproducción entre Chile, Argentina y España invita al espectador a emprender un viaje emocional y reflexivo a través de su retrato dramático y contundente sobre la culpa, la fragilidad humana y la búsqueda de redención.

En rueda de prensa junto al actor Daniel Muñoz, el director ha revelado que su largometraje se centra en la complejidad de los vínculos humanos y las heridas que deja el pasado. Castro-San Martín se adentra a través de este drama –con tintes de road movie– en las profundidades de la culpa, la memoria y la reconstrucción personal con un personaje que se enfrenta a las consecuencias de sus decisiones.

La idea de su director parte de su curiosidad por reflejar 'cómo las personas lidian con los errores del pasado y con las heridas emocionales que esos errores dejan en quienes los rodean'. Por ello, el guión, que ha escrito junto a Mara Pescio, plantea un viaje íntimo que pone el foco en la fragilidad humana y en la dificultad de recomponer una vida cuando todo parece haberse quebrado.

Para el cineasta era clave construir la historia desde una mirada profundamente humana hacia sus personajes, alejándose de juicios morales simplistas. La trama está inspirada en el mito del ermitaño de la Cuesta Las Chilcas, un doctor que perdió a toda su familia en un accidente y desde entonces decidió vivir como un ermitaño.

Castro-San Martín se ha propuesto mostrar las contradicciones y las zonas grises que aparecen cuando alguien intenta enfrentarse a su propia responsabilidad y encontrar una forma de seguir adelante. El título recrea precisamente esa sensación de fragmentación emocional que atraviesa al protagonista. Por tanto, la trama se ha articulado alrededor de la idea de que las personas pueden sentirse rotas por dentro y, sin embargo, seguir intentando reconstruirse a partir de esos fragmentos.

Por su parte, el actor Daniel Muñoz ha destacado la intensidad emocional del personaje al que da vida y el desafío interpretativo que le ha supuesto encarnar a alguien marcado por la culpa y la necesidad de redención. Para él, uno de los aspectos más complejos del trabajo fue encontrar el equilibrio entre la dureza de las circunstancias que atraviesa el personaje y la humanidad que todavía le caracteriza.

Muñoz también ha reconocido que el guión le atrajo por esa capacidad de retratar a un personaje profundamente imperfecto, pero al mismo tiempo reconocible. Se ha mostrado seguro de que la película va a permitir al espectador acercarse a las contradicciones del protagonista como si también fuesen las suyas. Los actores Paola Giannini, Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez Bannen, Ximena Martín y Andrea Romeo terminan de completar el reparto de esta película coral.

El rodaje tuvo lugar en el valle chileno del Elqui, ubicado al norte del país, un lugar que cuenta con los cielos más limpios del mundo y caracterizado por una atmósfera muy esotérica, dando lugar a un paisaje teñido por el tinte emocional de sus personajes.

Con una narrativa íntima y una mirada honesta sobre las fracturas emocionales que atraviesan la vida de las personas, Mil pedazos se presenta como un drama intenso que invita a reflexionar sobre la culpa, el perdón y la posibilidad de reconstruirse incluso cuando todo parece haberse roto.

Miguel, Isabel y Emilia salen de vacaciones, junto a su perra Eve. De pronto, un accidente en la mitad del desierto, deja gravemente herida a la madre. Miguel, intentando salvar a Emilia, inicia una travesía personal junto a su hija para así encontrar respuesta a lo acontecido. Tres meses después, Isabel despierta de un coma y emprende una búsqueda personal, amorosa e intuitiva, para reconstruir a su familia.

LA DIRECTORA BÁRBARA FARRÉ PRESENTA "MALA BESTIA" EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL 29 FESTIVAL DE MÁLAGA

La directora Bàrbara Farré ha presentado su primer largometraje "Mala Bèstia", un thriller de gran carga emocional que se adentra en las reacciones humanas ante el miedo, la rabia contenida y la supervivencia, y con el que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga.

En rueda de prensa junto a las actrices principales, María Schwinning e Iria del Río, la directora ha explicado que su ópera prima explora la identidad, la resistencia femenina y la violencia a través de la historia de dos mujeres atrapadas en una situación extrema. El origen del proyecto surge de su interés por adentrarse en la reacción de las personas cuando se enfrentan a situaciones límite. Por este motivo, la película no sólo se plantea como un relato de tensión, sino también como una reflexión sobre cómo puede desencadenarse la violencia en contextos de pánico, presión o de mera supervivencia.

'El título de la película juega precisamente con esa idea de la bestia que todos llevamos dentro y que puede aparecer cuando las normas sociales dejan de ofrecer protección', ha argumentado la directora. En ese sentido, también ha aclarado que la historia busca cuestionar la línea que separa a la víctima del agresor y plantear al espectador preguntas incómodas y sin respuestas claras sobre los mecanismos de defensa y las decisiones que se toman en situaciones extraordinarias.

Para Farré era muy importante construir su película desde la mirada femenina y ambigua de sus protagonistas. Para ello, el guión –que ha escrito junto a Alberto Dexeus– se sostiene por la complejidad emocional de dos personajes que deben enfrentarse no solo a un entorno hostil, sino también a sus propios temores, contradicciones y límites morales. Al respecto, Farré ha aclarado que 'la atmósfera es la parte más importante de su largometraje, por encima incluso de lo narrativo'. A través de ella se van mostrando los sentimientos a flor de piel de sus protagonistas, incluso sus emociones más viscerales.

Maria Schwinning, que debuta por primera vez como actriz, ha destacado el desafío interpretativo que le ha supuesto dar vida a un personaje sometido a una presión constante a lo largo de la historia. Uno de los aspectos más interesantes del proyecto ha sido precisamente explorar la evolución psicológica del personaje y la manera en que las circunstancias van transformando su forma de actuar.

La cinta propone un viaje emocional intenso en el que los personajes se ven obligados a tomar decisiones que nunca antes imaginaron. Y esa tensión permanente es lo que vertebra el pulso narrativo del largometraje, invitando al espectador a experimentar la historia desde dentro.

Por su parte, la actriz Iria del Río ha resaltado la complejidad de los vínculos que se establecen entre los personajes y la forma en que la historia plasma las dinámicas de poder, miedo y solidaridad que pueden surgir en situaciones radicales. Para la actriz, uno de los retos del rodaje fue mantener la intensidad emocional necesaria para transmitir la sensación de peligro y vulnerabilidad que permanece intrínseca a lo largo de todo el guión.

Del Río también ha insistido en el compromiso del equipo por abordar el trabajo actoral desde un enfoque muy realista para evitar minimizar las emociones de los personajes. Desde su perspectiva, la película plantea preguntas sobre hasta dónde puede llegar una persona cuando se siente amenazada y sobre cómo el instinto de supervivencia puede alterar la percepción de lo correcto, la moral establecida o el propio criterio de lo que es justo o injusto.

La trama pone el foco en Atenea, una adolescente que vive en un internado, aferrada a la idea de no hacerse mayor. Cuando una pareja decide acogerla, se abre ante ella la posibilidad de un hogar que no está dispuesta a perder. Pronto, el miedo a ser reemplazada despertará en Atenea un instinto que la empujará a hacer lo inimaginable.

Tras su estreno en el Festival de Málaga, "Mala Bèstia" llegará a los cines españoles el próximo 31 de julio.

LA PELÍCULA PERUANA "AQUELLA SOMBRA DESVANECIA", DE SAMUEL URBINA, SE PRESENTA EN LA SECCIÓN ZONAZINE

La sección Zonazine del Festival de Málaga ha acogido el estreno europeo de "Aquella sombra desvanecía", la ópera prima del director peruano Samuel Urbina, una obra de tempo pausado que explora los vínculos emocionales entre una madre y su hijo a través de silencios, ausencias y distancias.

Tras la proyección de la película en la sala 3 del Cine Albéniz, ha tenido lugar una rueda de prensa en la que han participado el director, Samuel Urbina, y el productor Walter Manrique, quienes han compartido con los medios el origen de la película y el proceso de creación de una historia profundamente ligada a su territorio.

'Este es el estreno europeo de la película y estamos muy emocionados de que sea aquí, en Málaga', ha señalado Urbina. El cineasta ha explicado que la obra nace de una experiencia personal vinculada a la migración: 'Es una película con ritmo lento que habla de los silencios y de esos momentos incómodos entre una madre y un hijo. Es un tema universal: el de irse de las ciudades pequeñas a las capitales'.

Originario de Piura, en el norte de Perú, Urbina vivió ese proceso en primera persona. 'Yo tuve que migrar. Viví dos años en Barcelona y muchas veces olvidamos a los que se quedan, a nuestros padres, que muchas veces ya están envejeciendo. De ahí nace la película, de intentar explorar el lado de quien se queda, en este caso, la madre', ha explicado.

Ese enfoque se traslada también al lenguaje cinematográfico de la obra. Desde su concepción, el director tenía claro que la película debía construirse con planos fijos y una mirada contemplativa: 'Desde que concebí la película sabía que quería trabajar con planos fijos. Quería explorar el territorio, el calor, el desierto. Quería explorar eso con la imagen'.

Rodada en las localidades de Sechura, Piura y Sullana, todas ellas unidas por el desierto piurano, la película incorpora también elementos culturales propios de la región, como la música. 'Piura es la capital de la cumbia peruana, así que incluimos a la orquesta Piura Boys', ha explicado Urbina. En ese sentido, el productor Walter Manrique ha destacado el significado de esta elección: 'La cumbia es muy representativa de Perú y normalmente habla del amor o del desamor romántico. Aquí es interesante cómo se replantea para hablar de un amor materno-filial'.

El cineasta ha citado entre sus influencias el cine latinoamericano contemporáneo y autores como Lisandro Alonso, así como el trabajo de directores iraníes como Jafar Panahi o Abbas Kiarostami, referentes en su aproximación al lenguaje cinematográfico.

Durante el encuentro, Urbina y Manrique también han reflexionado sobre las dificultades de hacer cine fuera de Lima. La película comenzó a gestarse en 2019 y ha podido realizarse gracias a los estímulos económicos del Ministerio de Cultura de Perú. 'Hacer cine fuera de Lima es muy difícil. Las posibilidades de producción son muy limitadas y también lo es la distribución', ha señalado el director; y ha añadido: 'Que la película haya llegado hasta Málaga demuestra la riqueza de las historias que podemos contar fuera de la capital'.

El productor ha subrayado además el reto que supone llevar este tipo de propuestas a las salas comerciales. 'Buscamos un estreno comercial en Perú. Nos gustaría presentarla primero en el Festival de Cine de Lima y después intentar su recorrido en salas. Es una batalla grande, sobre todo para una película como esta'.

Ambos han reivindicado la diversidad territorial del país. 'Muchas películas se centran en Lima o en los Andes, pero Perú es mucho más diverso', ha explicado Manrique. 'Queremos romper ese imaginario que nos reduce a un solo territorio'.

En esa línea, Urbina ha destacado el valor de la película como retrato de una región poco representada en el cine. 'Muy pocas veces se ha visto el norte peruano en pantalla. Piura es conocida por sus playas y algunas producciones internacionales han rodado allí, pero casi nunca en la ciudad o en el desierto', ha señalado. Aquella sombra desvanecía se convierte así en la primera película rodada en Piura con fondos DAFO que alcanza un estreno internacional en un festival como Málaga.

Samuel Urbina es un director y productor de cine nacido y radicado en Piura, Perú. Se interesa por un cine que transita entre la ficción y la no ficción, con el territorio como punto de partida. Sus obras se han presentado en festivales como Málaga, Guadalajara, São Paulo, Cartagena de Indias, Lima, entre otros.

MÁLAGA ACOGE EL ESTRENO EN SU SECCIÓN OFICIAL FUERA DE CCNCURSO DE "TODOS LOS COLORES", DE BEATRIZ DE SILVA

El 29 Festival de Málaga ha acogido la presentación de "Todos los colores", el primer largometraje dirigido por Beatriz de Silva, con el que pretende mostrar una visión real de las personas con discapacidad.

Enmarcado dentro de la Sección Oficial Fuera de Concurso, tras el visionado del metraje se ha producido un encuentro en el que la directora ha estado acompañada de las actrices Mafalda Carbonell, Eva Moral y Silvia Abril, quien ha estado presente a través de una pantalla por videollamada, así como de María Cervera, productora ejecutiva de este reivindicativo proyecto.

El guion está basado en Belén, una adolescente de 17 años que va en silla de ruedas y ve cómo el final del bachillerato y los cambios en su grupo de amigas la empujan a cuestionarse su lugar en el mundo. Cuando una circunstancia inesperada la acerca al deporte adaptado, su vida comienza a transformarse a través de nuevos vínculos, el despertar del deseo y la necesidad de definir su propia identidad. En ese tránsito hacia la madurez, Belén descubrirá que crecer implica aceptar los cambios y aprender a mirar la vida en todos sus matices.

'Cuando nunca has tenido a alguien con discapacidad cerca no te das cuenta realmente de lo que significa', ha reflexionado Beatriz de Silva, quien según ha confesado, el paso a dirigir su primer largometraje tras varios cortos ha puesto “un triple salto mortal” por el nivel de responsabilidad que ha adquirido.

A su vez, la directora ha indicado su propósito de huir de esa mirada paternalista y sobreprotectora con la que tienen que lidiar muchas personas con discapacidad, quienes, en muchos casos “no necesitan compasión, sino solamente una rampa para que puedan acceder.

Para transmitir este mensaje, la joven cineasta ha destacado la importancia de elegir un buen reparto que sepa transmitir para que los espectadores puedan entender y normalizar muchas situaciones y episodios con naturalidad.

La actriz protagonista, Mafalda Carbonell, ha acercado algunos momentos del rodaje y ha resaltado la gran química existente entre el elenco de actores. Un matiz en el que ha coincidido la popular y consagrada Silvia Abril, quien también ha aprovechado para poner en valor el bien ambiente y armonía en los rodajes.

También ha querido mostrar su agradecimiento Eva Moral, reconocida triatleta paralímpica, por haber tenido una “experiencia maravillosa” interpretando por primera vez en una película que 'expone situaciones que rompen estereotipos'.

EL CINEASTA ARGENTINO MARCELO PIÑEYRO PRESENTA EN MÁLAGA "LA VERDADERA HISTORIA DE RICARDO III, LA PELÍCULA"

El 29 Festival de Málaga ha presentado este domingo 8 de marzo la película del director, guionista y productor argentino Marcelo Piñeyro, "La verdadera historia de Ricardo III, la película", en el Auditorio Christine Ruiz-Picasso.

El director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, ha iniciado la presentación afirmando que este proyecto busca reivindicar la necesidad de seguir conduciendo audiovisuales que aúnan lo escénico con el audiovisual. Joaquín Furriel, actor protagonista de la película, ha explicado que la producción ha supuesto un trabajo muy difícil. '¿Cómo traer a una sala de cine una experiencia teatral?, La verdadera historia de Ricardo III, la película, es un híbrido en el buen sentido'.

Este proyecto de Piñeyro nace en el umbral donde el teatro se vuelve cine. Una apuesta radical de Calixto Bieito, donde la cámara no observa desde afuera: entra, escucha, acentúa y descubre detalles invisibles desde la platea. Una experiencia híbrida, suspendida entre lo real y lo ficticio, donde ambos lenguajes se funden para contar una verdad reinventada.

Furriel ha explicado durante la presentación que esta obra es una 'visión contemporánea y muy original' que trata el odio, el poder, la violencia y cómo la 'verdad puede ser tergiversada'.

'Creo que en realidad esta película es una representación muy poderosa de lo que significa el arte, la cultura y la industria del cine y el audiovisual en Buenos Aires. Esta apuesta de Marcelo Piñeiro nos brinda su mirada, en la que podemos ver la obra de Calixto Vieito sobre Shakespeare', ha afirmado Gabriela Ricardes, ministra de Cultura de Buenos Aires. En esta línea, Juan Antonio Vigar ha afirmado que desde el Festival de Málaga se seguirá apoyando al cine argentino.

lunes, 9 de marzo de 2026

"KILLJOTE" GANA EL CERTAMEN DE CORTOMETRAJES THE CORE EN EL 29 FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El cortometraje "Killjote", escrito y dirigido por Ángel Villahermosa, ha triunfado en el primer Certamen de Cortometrajes de The Core School, organizado en el marzo del Festival de Málaga. La obra ha sido seleccionada entre más de 200 candidaturas presentadas por jóvenes talentos de todo el país.

El jurado, compuesto por profesionales del sector como el cineasta Rubin Stein y la directora de fotografía Irene García-Martínez, ha destacado del cortometraje 'su capacidad para hibridar géneros y su impecable trabajo técnico'.

"Killjote" es una ficción de 11 minutos protagonizada por las actrices Consuelo Trujillo y Luisa Gavasa. Cuenta cómo la cotidianidad de unas vecinas de la calle Cristo se ve alterada por sucesos extraños, combinando elementos de comedia negra, thriller y justicia social.

El cortometraje recibirá la Biznaga del Festival de Málaga el 14 de marzo en el Cine Albéniz de Málaga. Posteriormente, el ganador asistirá a la gala de clausura en el Teatro Cervantes, donde desfilará por la alfombra roja del festival.

La decana de The Core, Mercedes Agüero, encargada de entregar el galardón el próximo sábado, ha dicho de "Killjote" que es 'el ejemplo perfecto' de lo que buscan: 'Una historia con voz propia, una técnica brillante y un reparto de primer nivel'.

El premio también incluye la proyección del cortometraje en las sesiones oficiales del festival, su incorporación al catálogo de atresplayer durante un año y mentoría especializada adaptada a las necesidades del equipo por parte del ecosistema profesional de la escuela.

DANI SANCHO PRESENTA EN MÁLAGA LA CONMOVEDORA HISTORIA REAL DE ORSMAN UMAR CON "VIAJE AL PAÍS DE LOS BLANCOS"

El director Dani Sancho ha presentado su ópera prima "Viaje al país de los blancos" en la Sección Oficial fuera de concurso de este 29 Festival de Málaga, largometraje basado en el libro homónimo escrito por Ousman Umar, quien protagoniza su propia historia de vida.

Tras la visión del filme, ha tenido lugar un coloquio en el que han estado presentes el cineasta Dani Sancho, el protagonista Ousman Umar, así como Jaime Ortiz de Artiñano, director general Atresmedia Cine e Ibon Cormenzana, productor de este proyecto.

El proyecto está basado en la historia real y vital de Ousman Umar, un joven de Ghana fascinado desde niño por la idea de Europa, ese lugar lejano al que en su entorno llaman 'el país de los blancos'. Impulsado por el deseo de encontrar un futuro mejor, decide abandonar su aldea y emprender un largo y peligroso viaje hacia el continente europeo. Tras numerosas dificultades, llega a Barcelona, donde descubre que la realidad dista mucho del sueño que imaginaba. Su vida cambia cuando conoce a Montse, quien lo acoge en su familia y le brinda apoyo y afecto. Gracias a esa oportunidad, Ousman no solo logra reconstruir su vida, sino que transforma su experiencia en un propósito mayor, decidido a dar sentido a todo lo que vivió y a ayudar a otros en situaciones similares

Ante un público emocionado después del visionado, el director Dani Sancho ha aprovechado para explicar cómo experiencias e historias como la de Ousman le han marcado para hacer cine puesto que deben ser contadas.

Ousman, por su parte, ha vuelto a conmover al público al hablar desde la sinceridad lo difícil que ha sido volver a encarnar su vida pasada, recalcando que es no es un actor de profesión: 'Volver a interpretar a mí mismo fue volver a la piel y a los ojos de aquel niño que fui, para perdonarme a mí, pero, sobre todo el mundo que nos abandonó', ha confesado el protagonista.

Asimismo, ha aprovechado para recordar la importancia de tener un propósito y no pasar por la vida sin más. 'Amar es la única herramienta que nos puede ayudar a todos a mejorar el mundo que nos rodea', ha indicado Ousman, al mismo tiempo que ha recordado que 'el talento no tiene color, pero la oportunidad tiene código postal', haciendo reflexionar sobre la importancia de asumir la responsabilidad para intentar 'cambiar un trocito de mundo'.

ARÓN PIPER, MARTA ETURA Y JAVIER PEREIRA EN EL ESTRENO DE "HUGO 24" EN EL CERTAMEN MALAGUEÑO

El 29 Festival de Málaga ha acogido la presentación de "Hugo 24", el largometraje dirigido por Luc Knowles. Tras su proyección, acompañado del elenco de protagonistas, ha mantenido un encuentro con el público en un coloquio en el que el equipo de la película ha charlado sobre detalles y anécdotas del rodaje.

En el mencionado coloquio, los actores Arón Piper, Marco Cáceres, Marta Etura y Javier Pereira han podido compartir pensamientos y vivencias demostrando una gran complicidad que ha sido la base sobre la que ha pivotado el reparto de este filme centrado en la figura de Hugo, el protagonista.

Interpretado por el popular actor Arón Piper en el papel de Hugo, la película gira en torno a este joven a lo largo de un periodo de veinticuatro horas, en el que se enfrenta a una serie de acontecimientos que le obligan a replantearse su vida y las decisiones que ha tomado hasta ese momento. A través de encuentros, recuerdos y situaciones inesperadas, el protagonista inicia un recorrido emocional en el que afloran sus miedos, sus deseos y las contradicciones propias de una etapa marcada por la incertidumbre.

Sobre ese tránsito personal, "Hugo 24" expone el paso de una adolescencia tardía a la edad de adulto, así como centra su foco en las segundas oportunidades y la búsqueda de un lugar propio en el mundo.

'Este proyecto viene del cine con el que he crecido', ha respondido Luc Knowles sobre las influencias que tiene este nuevo filme del que ha reconocido tener una pátina del cine quinqui. A su vez, el joven director ha dejado claro que aunque en este caso la historia es una ficción, en todo lo que escribe trata de plasmar sus experiencias y formas de ver el mundo: 'Hugo no soy yo, pero hay muchas cosas de mí en él'.

Asimismo, el cineasta ha confirmado la intención de querer representar un Madrid céntrico y muy urbano, lo que ha permitido convertir esas ciudad en un personaje más, encontrando ciertos paralelismos con "Libélulas", primer largometraje suyo que fue presentado y premiado en el mismo Festival de Málaga en la sección Zonazine en 2022.

'Lo que me hizo decir sí fue la oportunidad de poder actuar con Marcos y por la conexión con Luc desde el inicio', ha detallado el actor protagonista Arón Piper, quien junto a su compañero de reparto y amigo en la vida real, Marcos Cáceres, han expresado el entusiasmo de poder haber trabajado juntos en este proyecto.

A su vez, el actor ha sido productor de este largometraje, siendo el primero en el que participa con dicho cargo, algo que ha servido para recordar a todos los presentes en la sala la importancia de que haya gente que produzca y apoye estas historias que a veces no tienen el alcance que deberían.

Por su parte, tanto Marta Etura como Javier Pereira, actores más consolidados y veteranos, han coincidido en haber encontrado un sello muy personal y una narrativa muy genuina en esta película de Luc Knowles, además de destacar el ambiente y buen vínculo que ha existido entre todos sus integrantes.

EL FESTIVAL DE MÁLAGA ACOGE EL ESTRENO MUNDIAL DE "FEMENÍ, SINGULAR", DE XAVI PUEBLA

El 29 Festival de Málaga ha acogido el estreno de la película "Femení, singular", dirigida por Xavi Puebla, que ha sido presentada por primera vez ante el público dentro del marco de la Sección Oficial fuera de concurso.

Acompañando a la película, junto al director, estuvieron presentes las actrices Vico Escorcia y Kasia Kapcia, quienes tras la proyección, han compartido con el público detalles del filme y han profundizado sobre la temática que presenta.

"Femení, singular", a través de Nayeli (Vico Escorcia, su personaje principal, se adentra en el universo íntimo de varias mujeres que atraviesan distintos momentos vitales y personales, explorando sus dudas, deseos y contradicciones en un contexto cotidiano marcado por las relaciones afectivas, la identidad y la búsqueda de su propio lugar.

En el coloquio posterior al visionado del filme, Xavi Puebla ha desgranado cómo surgió la idea de dirigir este proyecto, confesando que nació de la propuesta de Jesús Méndez, coguionista del proyecto, quien tras encontrarse en proceso de adopción, les abrió las puertas de este mundo.

'Lo que al principio era la causa se conviritió en consecuencia', ha explicado el cineasta sobre las claves de este filme en el que ha ido abriendo puertas, sin caer en el cliché, intentando que no fuera discursiva y que el ser humano fuese el centro, de ahí el título: "Femenino, singular" traducido.

La temática, basada en una controversia poco vista en cine como es la difícil conciliación entre maternidad y trabajo, permitió al guion ir cambiando y reescribiéndose en muchas ocasiones, incluso en el proceso de rodaje, tal y como ha indicado el director.

'Estar 14 años sin hacer una película me ha permitido afinar más el tiro e ir madurando la idea de que me gusta el cine que no avanza a golpe de acontecimiento, sino a una cadena de causas y efectos que crean', ha explicado Xavi Pueba ante la pregunta de su ausencia dirigiendo proyectos en los últimos años.

Paralelamente, la actriz mexicana Vico Escorcia ha detallado cómo llegó a interpretar a su personaje, que tenía que ser de origen latino y el proceso de trabajo y estudio necesario para afrontar esta producción en lengua catalana.

Además, junto con Kasia Kapcia, en su caso de origen polaco, han acercado sus personajes y cómo esta película pone el foco en las experiencias, decisiones y emociones que definen a sus protagonistas, así como han abordado los matices y complejidades de la feminidad contemporánea.

"LAPÖNIA", DE DAVID SERRANO, ATERRIZA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL 29 FESTIVAL DE MÁLAGA

El director David Serrano ha presentado su nuevo largometraje "Lapönia", una adaptación a la gran pantalla de la exitosa obra teatral homónima convertida en una comedia afilada y cargada de ironía, que explora los conflictos familiares, las diferencias culturales y las contradicciones de la educación actual. Con ella compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga.

En rueda de prensa junto a los actores principales Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjørn Enger, el cineasta ha explicado que lo que le atrajo del proyecto fue la capacidad de la historia para convertir un tema cotidiano en una situación cargada de humor, tensión y reflexión. La película parte de una pregunta aparentemente sencilla -si es correcto mentir a los niños sobre Papá Noel- para desencadenar, a partir de esta reflexión, un conflicto que revela las contradicciones de los adultos y sus distintas formas de entender la familia y la educación.

La historia sigue a dos hermanas que se reúnen con sus parejas para pasar las vacaciones de Navidad en Laponia, en la casa de una de ellas. Sin embargo, lo que comienza como un encuentro familiar aparentemente tranquilo se transforma en un intenso debate sobre la educación de los hijos, los límites de la sinceridad y la manera en que los adultos gestionan las mentiras que construyen la infancia.

Serrano ha destacado que uno de los grandes retos de esta adaptación dramatúrgica ha sido trasladar al lenguaje cinematográfico la intensidad y el ritmo de la obra teatral sin perder la naturalidad de las relaciones entre los personajes. 'El humor de la película surge precisamente de ese choque entre distintas formas de ver el mundo a través de los dispares puntos de vista de sus personajes', ha puntualizado.

Por su parte, la actriz Natalia Verbeke ha manifestado que el atractivo del proyecto reside en la forma en que la historia utiliza el humor para abordar cuestiones muy reconocibles para el público. A lo largo de la cinta los personajes discuten sobre un tema aparentemente trivial, pero en realidad están hablando de modelos de vida, de valores y de las inseguridades que aparecen cuando se trata de educar a los hijos.

Su compañero de reparto, Julián López, quien interpreta a su pareja, ha resaltado el carácter coral de la historia y la manera tan interesante en que el guión construye el conflicto a partir del enfrentamiento de sus personajes. El intérprete coincide con su director en que la riqueza de la trama reside especialmente en las visiones tan distintas de la realidad. López considera que el tono de la película oscila entre la comedia y la incomodidad emocional, un equilibrio que provoca la carcajada del espectador pero también le incita a reconocerse en muchas de las situaciones.

Sobre el trasfondo del guión -escrito por Cristina Clemente y Marc Angelet- la actriz Ángela Cervantes ha señalado que el proyecto plantea una mirada muy contemporánea sobre la familia y sobre las decisiones que toman los adultos en relación con los niños. En su opinión, la película invita al espectador a reflexionar sobre hasta qué punto los padres proyectan sus propias ideas y frustraciones en la educación de sus hijos.

Con un humor inteligente y un guion que convierte una discusión familiar en una reflexión universal, Lapönia propone una comedia contemporánea sobre la verdad, las mentiras necesarias y los complejos equilibrios que sostienen la vida familiar. Llegará a los cines españoles el próximo 1 de abril.

Nuria, asentada en "Laponia" junto a su marido y su hija, decide invitar a su hermana Mónica, su marido y al hijo de ambos a celebrar una Navidad de ensueño en su casa. El plan se presenta perfecto hasta que la niña le cuenta a su primo que ese hombre con barba blanca que supuestamente deja regalos a los niños no existe. La noche acaba convirtiéndose en una batalla campal que saca a relucir secretos inconfesables y un debate sobre qué es más adecuado, si contar la verdad a toda costa o mantener la ilusión, aunque sea a base de mentiras.

"LOS JUSTOS" EXPONE LA CORRUPCIÓN DEL SER HUMANO EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

El 29 Festival de Málaga ha acogido la presentación de "Los justos", la película dirigida por Jorge A. Lara y Fer Pérez, quienes han mostrado por primera vez ante el público en el certamen malagueño su ópera prima como codirectores.

Tras la proyección, el equipo del filme ha comparecido ante los medios en una rueda de prensa en la que ha estado presente gran parte de su elenco compuesto por Carmen Machi, Pilar Castro, Bruna Cusí, Vito Sanz, Marina Guerola, Hugo Welzel y Aimar Vega. El equipo presente en esta comparecencia lo han completado Luis Collar, productor, y José Pastor, director de Cine y Ficción de RTVE.

Cada uno de los intérpretes ha desarrollado a su personaje y explicado así una trama basada en la deliberación de un jurado popular compuesto por nueve ciudadanos que deben decidir el veredicto de un polémico caso de corrupción. Aunque las pruebas parecen concluyentes y la opinión pública ya ha dictado sentencia, la situación da un giro inesperado cuando los miembros del jurado reciben en secreto una tentadora oferta: un millón de euros para cada uno si cambian su voto de culpable a inocente. Para que el plan prospere, deberán alcanzar la unanimidad, una condición que hará aflorar las contradicciones, intereses y conflictos personales de quienes, hasta ese momento, debían impartir justicia.

'12 hombres sin piedad es un claro referente y un contrapunto a esta película', ha confesado Fer Pérez sobre la intención clara que el metraje tiene de poner en escena los prejuicios y jugar con el espectador con los juicios de valores.

Paralelamente, Jorge A. Lara ha explicado cómo para el proceso de elección de personajes partieron de un cliché con cada uno, con el fin de que el espectador pudiese reconocer a alguno de los nueve protagonistas como personas reales y verosímiles.

'Volver a lo conectivo y a esa obsesión con el tema del dinero', según han explicado los cineastas, ha sido el hilo conductor para mostrar este leitmotiv del cine español en el que plantea un tema muy actual del panorama nacional como es la corrupción del ser humano a todos los niveles.

Los intérpretes, por su parte, han destapado anécdotas y curiosidades de un rodaje de cuatro semanas de duración en el que han tenido todo tipo de inconvenientes y del que han resaltado la enorme capacidad y 'calidad humana' de ambos directores, que han sabido orientar a cada uno de los personajes desde dentro.

LA CINEASTA NURIA IBAÑEZ PRESENTA "EL GUARDÍAN" EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

La directora Nuria Ibáñez ha presentado el nuevo largometraje "El guardián", su ópera prima con la que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga después de su paso por el Festival Internacional de Cine de Morelia en México. Se trata de una coproducción mexicana y española en la que reflexiona a través de una mirada íntima y poderosa sobre la memoria, la fe y la identidad.

En rueda de prensa junto a su protagonista, Basilio Moncada, quien debuta como actor, la directora ha explicado cómo ha intentado plasmar en su guion este relato que explora los límites entre la memoria personal y colectiva, la identidad y las creencias, sustentado por una historia profundamente humana. La película surge de su interés por acercarse a una realidad poco conocida y por retratar la complejidad de un personaje cuya vida está marcada por la fe, la responsabilidad y el peso de la tradición.

Por este motivo, Ibáñez se ha propuesto observar a su protagonista desde una mirada cercana y respetuosa, permitiendo que el espectador se acerque de forma empática a su universo personal y a las preguntas que atraviesan su vida. Al respecto ha relatado que uno de los ejes fundamentales de la cinta es la exploración de la memoria y de cómo las historias personales se entrelazan con las creencias y los contextos culturales en los que se desarrollan.

La trama -con una marcada esencia documental- recoge una mirada íntima sobre un personaje que vive entre la responsabilidad de custodiar una tradición y la necesidad de encontrar su propio lugar en el mundo. Temas como la migración, la explotación laboral o el crimen organizado también están muy presentes a lo largo del guión, también escrito por Ibáñez. Sobre el proceso creativo de su personaje principal, Moncada ha confesado que el trabajo delante de la cámara implicó revisitar experiencias personales y emocionales que forman parte de la identidad del personaje, lo que dotó al rodaje de una dimensión especialmente genuina y muy orgánica. Basilio es contratado para cuidar una playa desierta en Baja California. En este paraíso, en el que parece que no pasa nada, ocurren muchas cosas y algunas de ellas ilegales. Como es un hombre de normas morales férreas, busca hacer lo correcto. Sin embargo, lo que él cree que es hacer lo correcto le puede jugar en contra en una comunidad que apenas conoce.

Moncada ha insistido que la película no solo se acerca a una historia individual, sino que también invita a reflexionar sobre el significado de la fe, la tradición y la pertenencia a una comunidad. En su opinión, ese equilibrio entre lo íntimo y lo colectivo es uno de los aspectos que da mayor profundidad al relato. En el reparto le acompañan los actores Gerardo Trejoluna, Jorge Abraham Fuerte, Blake Webb, Andrea Lara o José Misael Murillo, entre otros.

Respecto al trabajo actoral, la directora también ha destacado la importancia de trabajar con un protagonista cuya relación con la historia resulta tan directa. Para Ibáñez, esa cercanía permite que la película se construya desde una verdad emocional que atraviesa todo el relato y que aporta una dimensión muy singular al proyecto.

La película ganó el Premio a mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Morelia, en México y también fue reconocida con una Mención especial a Mejor Actor para su principal, Basilio Moncada.

domingo, 8 de marzo de 2026

TIRSO CALERO PRESENTA EN LA SECCIÓN 5 MINUTOS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA LA PELÍCULA "TARÁNTULA"

El Rectorado de la Universidad de Málaga (UMA) ha acogido este domingo 8 de marzo, en la sección 5 Minutos del 29 Festival de Málaga, la presentación del nuevo proyecto en desarrollo del guionista Tirso Calero, "Tarántula", un thriller de 80 minutos que lleva a la reflexión sobre cómo la vida puede cambiar de la noche a la mañana y que se basa en una obra teatral del director.

En él, Sara Reverte, una ex modelo que por culpa de un accidente quedó ciega, sufre la peor pesadilla de su vida cuando al regresar a su lujosa casa, un atracador entra en la vivienda y asesina a su marido.

Uno de los mayores retos, según ha explicado su actriz protagonista, Hiba Abouk, ha sido interpretar a un personaje invidente y pensado para el teatro. En esta película, tal y como ha recalcado el director, la protagonista femenina 'aprende a vivir como lo hacen las tarántulas'. Personaje que, según la actriz, 'conlleva muchas horas de práctica en casa, adquiriendo un aprendizaje sensorial que se queda en la memoria'.

Además, durante el coloquio se ha tratado sobre las formas de consumo y cómo estas han ido transformando la industria. El productor, Carlos Guerrero, ha reflexionado sobre el cine como herramienta de promoción donde el consumo y las narrativas están cambiando. 'Quién nos iba a decir que se iba a consumir cine de manera vertical en los móviles y con capítulos de 60 minutos'. Tirso Calero, ha concluido tratando la rentabilidad de determinadas temáticas en el cine, como es el caso del thriller pues 'es un género que siempre ha tenido un público fiel e internacional por la facilidad de traducción'.

Tirso Calero es un guionista con amplia experiencia en ficción televisiva en proyectos como Amar es para siempre, Bandolera, Cuéntame cómo pasó o Servir y proteger, que regresa a la dirección de largometrajes tras Blockbuster.

NACHO G. VELILLA PRESENTA EN MÁLAGA LA SERIE "POR CIEN MILLONES", RODADA EN ZARAGOZA

La serie "Por cien millones" dirigida por el aragonés Nacho G. Velilla y rodada en buena parte en Zaragoza, se presentó en la sección oficial del Festival de Málaga. La historia del secuestro de Enrique Castro Quini, delantero asturiano del F. C. Barcelona y de la Selección Española, llegará a las pantallas de Movistar+ el próximo 26 de marzo, pero antes tuvo su puesta de largo en el festival de cine malacitano.

Vito Sanz, Raúl Arévalo y Gabriel Guevara son los protagonistas de esta ficción que vivió varios días de rodaje en la capital aragonesa, incluyendo la ubicación concreta donde el futbolista estuvo retenido durante días, en la zona de Tenerías del barrio de Las Fuentes, cerca del Parque Bruil.

El elenco lo completan Agustín Otón como el futbolista Quini, Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros. El rodaje se ha desarrollado en Madrid, Barcelona, Zaragoza y Suiza.

Se trata del secuestro más mediático, surrealista y tenso de la historia de nuestro país, en un tiempo en el que el fútbol de los domingos era una de las pocas cosas inamovibles de una sociedad en cambio, a pocos días de haber tenido lugar el intento de golpe de Estado del 23F. El 1 de marzo de 1981 comenzaron los 24 larguísimos días durante lo que el país entero contuvo la respiración. Mientras la policía peinaba cada rincón, la gran estrella del fútbol español sobrevivía encerrada en un zulo claustrofóbico, excavado bajo un taller mecánico en un barrio humilde de Zaragoza.

Sin embargo, esta no es solo la historia de uno de los secuestros más famosos de la historia de España, el del máximo goleador de la liga en ese momento, ni de los cien millones que se pedían por su liberación. Esta es, sobre todo, la historia de Alfonso, Raúl y Salva, tres currantes en paro, que quisieron salir de una situación económica desesperada y descubrieron, por las malas, dos cosas: que la vida no es como las películas, y que ser malo, cuando eres bueno, no es tan fácil como parece.

La mini serie de tres capítulos ha sido creada junto a Oriol Capel, colaborador habitual de G. Velilla desde sus inicios en producciones como Mañana es hoy, Perdiendo el este, Buscando el norte o Villaviciosa de al lado. El zaragozano ya ha participado en otras series de televisión como la mítica Aída, Perdiendo el norte o Siete Vidas.

Con una destacada trayectoria como guionista, director y productor en televisión y cine y tras triunfar con sus series en España, Nacho G. Velilla dio el salto al cine con varias películas que lideraron la taquilla nacional e internacional. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos reconocimientos y ha trabajado con importantes productoras, manteniéndose como una figura clave del entretenimiento audiovisual en el ámbito hispanohablante.

En esta ocasión vuelve a elegir Zaragoza como escenario de una de sus ficciones, tal y como hizo en 2024 con el largometraje "Menudas piezas".

EL CINEASTA GALLEGO XACIO BAÑO PRESENTARÁ EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA EL DOCUMENTAL EXPERIMENTAL "DESPOIS DAS CIDADES"

El documental experimental "Despois das cidades", de Xacio Baño, director de la película "Trote", competirá en la sección Impulso Colectivo de la 16.ª edición del D’A-Festival de Cinema de Barcelona, tras su estreno nacional el domingo 8 de marzo en el 29.º Festival de Málaga (sección oficial de documentales) y su estreno mundial en Róterdam. La competición catalana tendrá lugar en Barcelona del 19 al 29 de marzo.

"Despoia da cidade", detalla la productora, es un ensayo sobre la memoria y el consumo de las ciudades en el siglo XXI, que construye un retrato íntimo y político de Compostela y la forma contemporánea de viajar. 'Viví en Santiago durante diez años, y mi relación con la ciudad fue de amor y odio. Es un lugar muy turístico, que ha ido desplazando a los residentes del centro hacia las afueras. Para intentar comprenderlo, llevo más de cien años recopilando postales escritas desde Compostela. No es un caso único: Barcelona, Lisboa, Oporto...', reflexiona Baño.

Producida por Rebordelos con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales y la Xunta, la película cierra la trilogía sobre la palabra escrita que comenzó con "Eco" y "Aquas abisais" y que le permitió investigar lo manual, el trazo caligráfico y la comunicación.

FERNANDO GONZÁLEZ MOLINA Y LOS JAVIS ESTRENAN "MI QUERIDA SEÑORITA" EN COMPETICIÓN EN EL 29 FESTIVAL DE MÁLAGA

El director Fernando González Molina ha presentado el nuevo largometraje "Mi querida señorita", su reinterpretación en clave contemporánea del clásico de 1972 junto a los productores Javier Ambrossi y Javier Calvo, con el que compiten en la Sección Oficial del 29 Festival de Málaga.

Esta versión actualizada de la película de Jaime de Armiñán, nominada en su momento al Oscar a mejor película extranjera, cuenta con una clara intención pedagógica sobre la identidad y la intersexualidad. Tanto el director como sus productores querían que todo se explicase con claridad, con el objetivo de que los espectadores puedan entender su mirada actual sobre el amor a través del personaje de Adela, interpretado por Elisabeth Martínez. 'No se trata sólo de descubrir quién eres, sino de saber explicar al otro quién eres', ha aclarado González Molina.

Adela es una mujer intersexual que inicia un viaje personal y emocional desde una vida marcada por el silencio hasta la posibilidad de comprenderse y explicarse al mundo. 'Es una persona que vive en una jaula y de repente se da cuenta que se le han acumulado tantas capas que ya no sabe cómo salir de ahí. Cuando sale, romperá con todo, cometerá errores y reconstruirá progresivamente cada una de las capas', ha manifestado la actriz principal, Elisabeth Martínez.

El cineasta ha manifestado que la película nace con una voluntad clara de diálogo con el público. Lejos de apostar por giros efectistas, el director se centra en una narrativa basada en la emoción y en la construcción de personajes. 'No hay escenas sorpresa para llamar la atención. Es una historia para enamorarse de los personajes, con un mensaje que deja claro que siempre puedes empezar de cero, hasta encontrar tu sitio', ha explicado. El guión, escrito junto a la autora Alana S. Portero, busca también aportar visibilidad a realidades históricamente silenciadas como la homosexualidad o la intersexualidad, planteando el cine como un espacio de representación y comprensión social.

Anna Castillo, Nagore Aranburu, Lola Rodríguez y Manu Ríos han destacado el carácter profundamente humano de los personajes, a los que han descrito como muy vivos, caóticos y diferentes entre sí, una diversidad que refleja las distintas formas de enfrentarse a la identidad, al amor y al deseo de pertenecer. Eneko Sagardoy, María Galiana, Delphina Bianco y Paco León completan el elenco.

Por otro lado, el equipo al completo ha insistido en que hay un mensaje importante para la juventud, reivindicando la importancia de poder nombrarse, comprenderse y encontrar espacios donde esas identidades puedan ser compartidas y reconocidas.

Rodada entre Pamplona y Madrid, la historia sigue el recorrido emocional de su protagonista mientras descubre nuevas amistades, afectos y posibilidades de vida, en un proceso donde el amor, el arte y la comunidad se convierten en herramientas para comprender quién es y cuál es su lugar.

Adela, solitaria hija única de una familia conservadora, pasa sus días entre la tienda de antigüedades familiar y las clases de catequesis que imparte, marcada por la protección de su madre y el silencio sobre su intersexualidad, que desconoce pero condiciona su vida. Una inesperada y hermosa amistad con un sacerdote recién llegado, el regreso de un gran amigo de su infancia y la irrupción de una mujer, Isabel, provocan una reacción en cadena que lleva a Adela a un viaje en busca de sí misma, de Pamplona a Madrid, donde la identidad necesitará del amor y la ayuda de los demás para revelarse.

"PIONERAS. SOLO QUERÍAN JUGAR" ATERRIZA EN LA SECCIÓN OFICIAL DE MÁLAGA, REIVINDICANDO LAS MUJERES QUE CAMBIARON EL FÚTBOL ESPAÑOL

La directora Marta Díaz de Lope Díaz ha presentado "Pioneras. Solo querían jugar", su nueva película inspirada en hechos reales sobre las primeras futbolistas españolas que se atrevieron a jugar en los años 70 pese a la discriminación y los prejuicios. Tras ganar el Premio del Público por su ópera prima ‘Mi querida cofradía’ en 2018, ahora vuelve al Festival de Málaga para competir en Sección Oficial.

En rueda de prensa, Díaz de Lope Díaz ha explicado que este largometraje recupera una historia poco conocida, la de las mujeres que se atrevieron a formar algunos de los primeros equipos de fútbol femenino en España, cuando hacerlo era todavía motivo de burla, censura e incluso prohibición. Para ello se ha propuesto rescatar una parte olvidada de la historia reciente y rendir homenaje a aquellas mujeres que lucharon por ocupar un espacio que se les negaba.

Inspirada en hechos reales, la película narra la historia de un grupo de jóvenes que desafían las normas sociales de la época para jugar al fútbol y defender su pasión por el deporte. En una España aún marcada por los prejuicios, estas jugadoras tuvieron que enfrentarse a insultos, incomprensión y obstáculos institucionales, pero también abrieron el camino para las generaciones futuras.

'La historia de estas jugadoras habla de valentía, de pasión y de libertad. No solo querían jugar al fútbol, sino que también querían demostrar que tenían derecho a hacerlo', ha puntualizado la directora tras hacer hincapié en el valor simbólico de presentar esta película coincidiendo con el Día Internacional de la Mujer.

Por otro lado, la directora también ha argumentado que el proyecto busca conectar el pasado con el presente y recordar que muchos de los avances actuales en el deporte femenino son fruto del esfuerzo de quienes abrieron camino décadas atrás. 'Hoy vemos estadios llenos y niñas que sueñan con ser futbolistas, pero hubo un tiempo en que eso parecía imposible. Esta película es para recordar de dónde venimos', ha aclarado.

Durante la preparación del guion, escrito junto a Zebina Guerra, Díaz de Lope tuvo la oportunidad de conversar con algunas de aquellas pioneras, cuyas experiencias personales resultaron fundamentales para comprender cómo vivieron aquella etapa y para construir el relato de la película.

También fue clave la fase de documentación, cuando la directora descubrió numerosos materiales que le permitieron reconstruir el contexto de la época y que, según ha explicado, resultaron especialmente reveladores. Entre ellos ha mencionado archivos de programas como La mujer ideal, imágenes de partidos benéficos como el celebrado en 1971 bajo el título Folclóricas contra Finolis, así como referencias culturales de aquellos años, entre ellas la película Las Ibéricas F.C. o fragmentos del NO-DO. Todos estos hallazgos le ayudaron a comprender mejor el clima social en el que surgieron aquellas primeras futbolistas.

Díaz de Lope explicó que desde el inicio tuvo claro que la película debía situar bien al espectador en ese contexto histórico, para que pudiera entender por qué el gesto aparentemente sencillo de jugar al fútbol tenía entonces una dimensión mucho más profunda. En ese sentido, el guion aborda también el papel que desempeñaban instituciones como la Sección Femenina y el Servicio Social, una estructura que, según recordó la directora, funcionaba de algún modo como una especie de servicio obligatorio para las mujeres de la época.

El reparto de la película reúne a un amplio elenco encabezado por Daniel Ibáñez y Aixa Villagrán, junto a las jóvenes actrices Sofía de Iznájar y Bruna Lucadamo, que interpretan a algunas de las primeras jugadoras que se atrevieron a romper las barreras sociales de la época. El elenco se completa con intérpretes como Nora Otxoteko, Leire Aguilar, Lorea Carballo y Miriam Rubio, dando forma a un reparto coral que refleja la fuerza colectiva de aquellas pioneras.

El reparto ha destacado también la importancia de que el cine recupere historias invisibilizadas y contribuya a generar nuevos referentes femeninos. En ese sentido, la película plantea una mirada luminosa y emocionante sobre la capacidad de resistencia y la determinación de un grupo de mujeres que, sin proponérselo, terminaron cambiando la historia del deporte en España.

Con un tono que mezcla emoción, humor y espíritu reivindicativo, "Pioneras. Solo querían jugar" quiere sumergir al espectador en un viaje hacia el origen del fútbol femenino en nuestro país.

En la España de principios de los años 70, con el franquismo aún firmemente arraigado en la sociedad, un grupo de chicas muy jóvenes decide jugar al fútbol en un país que no contempla su lugar en el deporte. En el camino encuentran a un aliado inesperado: un promotor deportivo tan audaz como visionario. Juntos, y contra todo pronóstico, desafiarán al sistema y pondrán la primera piedra de una lucha que continúa hasta la actualidad.

JORGE PERUGORRÍA PRESENTA EN MÁLAGA "NEURÓTICA ANÓNIMA", UNA CARTA DE AMOR AL CINE CUBANO

El director Jorge Perugorría ha presentado su nuevo largometraje "Neurótica anónima", que ha definido como una carta de amor al cine cubano con una mirada irónica y profundamente humana hacia nuestras fragilidades. Es una de las diez producciones iberoamericanas que compiten en Sección Oficial del Festival de Málaga junto a otras 12 películas españolas.

En rueda de prensa, Perugorría ha manifestado que esta coproducción cubana y mexicana combina comedia, emoción y reflexión sobre las neurosis contemporáneas para vertebrar esta historia de amor con el cine. 'Concretamente evoca ese momento maravilloso que vivió el cine cubano durante las décadas de los 60, 80 y 90, cuando Cuba se convirtió en el referente cultural y cinematográfico más importante de Centroamérica', ha manifestado el cineasta.

Mirtha Ibarra protagoniza y coescribe el guión junto a Perugorría, interpretando a una mujer que se refugia en su pasión por el cine para soñar, evadirse y escapar de la asfixiante y dura convivencia con su marido, un hombre alcohólico que quiere destruirle la vida. Para Ibarra, su personaje concentra un mensaje revelador y universal, que consiste 'en la necesidad de ser culto para ser libre'. 'Ser culto es clave para darte cuenta de lo que te está pasando, pero sobre todo para ser consciente de que nunca es tarde para cambiar tu vida', ha aseverado.

Para Ibarra, el doble rol de actriz y coguionista supuso un desafío creativo especialmente estimulante. 'Mi trabajo con en el guion me permitió profundizar en los personajes y otorgarles una dimensión muy humana. Son personajes imperfectos, vulnerables, y precisamente por eso resultan tan reconocibles para el público', ha explicado.

Los guionistas han aclarado que este proyecto nació del deseo de explorar con honestidad y sentido del humor las contradicciones emocionales que atraviesan el mundo actual. 'Es una película que habla de nuestras fragilidades, de los miedos que nos acompañan y de cómo intentamos convivir con ellos, pero queríamos hacerlo desde un tono cercano e irónico, ya que el humor también es una forma de entendernos'.

La película propone un retrato de personajes atravesados por conflictos emocionales, inseguridades y deseos de transformación personal, en una trama que transita entre la comedia y el drama para reflexionar sobre la identidad, las relaciones afectivas y la búsqueda de equilibrio en un mundo cada vez más acelerado. Por ello, la historia se construyó a partir de la observación de esas pequeñas neurosis cotidianas que atraviesan la vida de muchas personas. 'Nos interesaba hablar de lo que sentimos cuando nos enfrentamos a nuestras propias contradicciones. La película tiene humor, pero también mucha verdad emocional', ha insistido Ibarra.

Por su parte, el actor Joel Angelino ha añadido que el largometraje retrata una Cuba muy humana a través de la escenografía y los personajes, apoyándose en muchas escenas colectivas que marcan la esencia coral de la película. También ha destacado la intensidad emocional de los personajes y la riqueza de los diálogos, que permiten explorar distintas perspectivas sobre el amor, el miedo y la necesidad de cambio. 'Ha sido un rodaje muy intenso, con personajes que viven situaciones muy cercanas a lo que cualquiera puede experimentar'. Los actores Roberto Perdomo, Osvaldo Doimeadiós, Andrea Doimeadiós, Carmen Ruiz, Daniel Triana, Yordi Morejón completan el resto del reparto.

Con un tono que combina ironía, sensibilidad y mirada crítica, "Neurótica Anónima" propone al espectador un viaje por las contradicciones de la vida moderna, abordando temas universales como la identidad, las relaciones personales y la búsqueda de sentido en medio de las incertidumbres cotidianas.

Iluminada, una mujer de la tercera edad, con un marido alcohólico, vive en una sociedad enferma de desilusión y bajo amenaza de una pandemia de salud mental. Se enfrenta a la pérdida de su único santuario, el cine Cuba, donde lleva 30 años trabajando de acomodadora, usando las películas para escapar de su dura realidad y de su propia neurosis. Para salvarlo, deberá revivir los conflictos de su juventud, con ayuda de Denis, el proyeccionista, reconciliarse con su pasado para imaginar un futuro.

LA DIRECTORA ÁNGELES GONZÁLEZ-SINDE ESTRENA "DESPUÉS DE KIM" EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL MALAGUEÑO

La directora Ángeles González-Sinde ha presentado este domingo "Después de Kim" en la 29 edición del Festival de Málaga, película con la que compite en la sección oficial. Esta historia de duelo y segundas oportunidades también ha sido escrita por la cineasta, que adapta una novela propia.

En "Después de Kim", Juan y Gloria, divorciados y distanciados desde hace veinte años, viajan a España donde su hija, con la que no tienen contacto, ha aparecido muerta. A su llegada descubren que tienen un nieto que está en paradero desconocido. Deciden quedarse hasta encontrarlo. Hacer ese camino juntos sin caer en los enfrentamientos del pasado será su desafío.

La directora y guionista, Ángeles González-Sinde ha asistido a la rueda de prensa en el cine Albéniz acompañada por Adriana Ozores y Darío Grandinetti, intérpretes, y Gerardo Herrero y Pedro Pastor, productores.

'"Después de Kim" es una película que nace de una novela que yo escribí, pero que en honor a la verdad, antes de escribir la novela, un día hablando con Gerardo se lo conté y él inmediatamente dijo: 'ah, pero eso sería una muy buena película'. Y aquí estamos', ha explicado la directora y guionista Ángeles González-Sinde sobre el origen de este largometraje.

Además de la historia, los personajes y los actores, otro elemento clave de la peli es Benidorm. 'Toda la historia, toda la acción se desarrolla en unas pocas semanas en Benidorm. La película se ha rodado íntegramente allí. Y además en pleno verano, porque estas cosas de los rodajes tuvimos que rodar en plena temporada alta de Benidorm', ha recordado la directora, que conoce bien la localidad porque su familia siempre ha tenido residencia allí.

'Es un lugar en el que muchos buscan comenzar una nueva vida', ha confesado González- Sinde, y esa es una de las claves detrás de "Después de Kim". 'Yo conozco muy bien esa zona, vivo allí gran parte del año', ha reconocido la directora.

Al llevar a Benidorm a sus personajes los ha puesto en una situación extraña: 'Es el lugar más contradictorio y más extraño para vivir un duelo, una situación dramática y redescubrir un poco quién era tu hija. Ese es el conflicto al que se enfrentan los personajes de Darío y de Adriana', ha desvelado.

Adriana Ozores, protagonista del filme junto a Darío Grandinetti, ha expresado cómo es para ella trabajar con Ángeles González-Sinde: 'Ya llevo colaborando mucho tiempo, y no tengo ningún problema porque me gusta su visión. Tiene una visión profunda de la condición humana y a mí eso es lo que más me gusta de mi trabajo. Poder indagar todo eso'.

Darío Grandinetti ha especulado sobre las motivaciones de su personaje, el marido de Adriana Ozores: 'A lo mejor es que la culpa se la genera el no saber qué no han hecho o qué han hecho mal o el no entender'. 'Si se te muere un hijo al que hace muchos años no ves, por algún lado la culpa te entra', ha sumado Grandinetti. Y justo eso es el punto de arranque de "Después de Kim", el largometraje de Ángeles González-Sinde, un largometraje sobre el duelo y el reencuentro.

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