PALMARÉS COMPLETO DE LA 22ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

El cine catalán se ha impuesto de nuevo en el Festival de Málaga. La película "Los días que vendrán", una de las favoritas, la crónica de un embarazo próximo al documental y los distintos estados por los que pasa la pareja protagonista, la obtenido la Biznaga de Oro del Festival, Su director, Carlos Marques-Marcet ya había obtenido este mismo galardón en 2014 con su ópera prima, "10.000 kilómetros". "Los días que vendrán" se lleva también las Biznagas de Plata a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz (María Rodríguez Soto). 

La Biznaga de Oro a la mejor película iberoamericana es para la mexicana "Las niñas bien", de Alejandra Márquez Abella, que obtiene además los premios al mejor guion y al mejor montaje, mientras que la también mexicana "Esto no es Berlín" es Premio Especial del Jurado y Premio de la Crítica, y la española de Fernando Colomo, "Antes de la quema", Premio del Público.

El público ha premiado "Antes de la quema" la comedia carnavalera de Fernando Colomo. La película, que combina con habilidad thriller, humor y romance, se sitúa en Cádiz durante el carnaval y muestra como la vida de un chirigotero, jardinero ocasional, da un vuelco cuando comienza a trabajar en el mayor depósito de droga de Andalucía.

PALMARÉS 22 FESTIVAL DE MÁLAGA. CINE EN ESPAÑOL

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 22 edición del Festival de Málaga. Cine en Español, integrado por Andrés Bayona, Agustina Chiarino, Patricia Ferreira, Ignacio Ruiz Capillas y Diego San José, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 12.000 euros¨:

-"Els dies que vindran" ("Los días que vendrán"), de Carlos Marques-Marcet

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA,dotada con 12.000 euros:

-"Las niñas bien", de Alejandra Márquez Abella

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:

-"Esto no es Berlín", de Hari Sama

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN:

-Carlos Marques-Marcet, por "Els dies que vindran" ("Los días que vendrán")

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ:

-María Rodríguez Soto, por "Els dies que vindran" ("Los días que vendrán")

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: -Óscar Martínez, por "Yo, mi mujer y mi mujer muerta"

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: -Ex aequo a Carolina Ramírez, por "Niña errante", y Maggie Civantos, por "Antes de la quema"

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR DE REPARTO: -Ex aequo a Quim Gutiérrez, por "Litus", y Mauro Sánchez Navarro, por "Esto no es Berlín"

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN: -Alejandra Márquez Abella, por "Las niñas bien"

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA: -Arturo Cardelús, por "Buñuel en el laberinto de las tortugas"

BIZNAGA DE PLATA ‘DELUXE’ A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: -Alfredo Altamirano, por "Esto no es Berlín"

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE: -Miguel Schverdfinger, por "Las niñas bien"

Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO DE LA CRÍTICA:

El Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 22 edición del Festival de Málaga. Cine en Español, integrado por Beatriz Martínez, Jennifer Green y Juan Sardá, otorga el premio a

-"Esto no es Berlín", de Hari Sama, "por su capacidad de captar la época y contar una historia universal, a través del retrato juvenil de una generación turbulenta que apostó por el impulso creativo, la rebeldía y la ruptura del status quo, sin ocultar los estragos que trajo consigo".

Una vez realizado el recuento de votos del público asistente a las proyecciones de esta sección y sumadas las votaciones del Jurado Popular elegido a este efecto, la

BIZNAGA DE PLATA. PREMIO DEL PÚBLICO es para

-"Antes de la quema", de Fernando Colomo.

SECCIÓN ZONAZINE:

El Jurado Oficial de la Sección ZonaZine de la 22 edición del Festival de Málaga. Cine en Español, integrado por Luz Arcas, Bárbara Díez y Elena Martín, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA:

-"Ojos negros", de Marta Lallana e Ivet Castelo, "porque es capaz de transmitir lo incomprensible de las relaciones humanas con sutileza y frescura".

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA:

-"Perro bomba", de Juan Cáceres, "por ser capaz de hacer un retrato social complejo desde la vitalidad y el riesgo".

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO:

-"Sapos", de Baltazar Tokman, "por su inquietante y exitoso juego entre la realidad y la ficción, los traumas y los deseos".

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN:

-Kyzza Terrazas, por "Bayoneta", por "una propuesta inteligente, madura y con gran profundidad emocional".

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ:

-Aina Clotet, por "La filla d’algú" ("La hija de alguien"), "por su capacidad de mantener la tensión y la intensidad emocional a través de su interpretación magnética".

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR:

-Steevens Benjamin, por "Perro bomba", "porque nos conecta con un conflicto universal desde la intimidad, la crudeza y la calidez".

Una vez realizado el recuento de votos del público asistente a las proyecciones de esta sección, la

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO es para

-"Perro bomba", de Juan Cáceres.

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES:

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales a concurso de la 22 edición del Festival de Málaga. Cine en Español, integrado por Rocío Cabrera, Eterio Ortega y Anna Solá, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 8.000 euros para 

-"Terra franca", de Leonor Teles, "un esperanzador retrato cinematográfico del entorno familiar, el trabajo cotidiano y los afectos y cuidados que sostienen la vida, que es a la vez una historia local con dimensión universal".

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR:

-Felipe Monroy, por "Los fantasmas del Caribe", "un testimonio desgarrador en busca de respuestas que trata de cerrar heridas personales y familiares en paralelo a los de un país marcado por la violencia y por la guerra".

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO:

-"Titixe", de Tania Hernández Velasco.

El Jurado Joven Documental de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Alba Anna Harrison, María Dolores Gámez, María Sol Pardo, Ana Belén Fernández, Sara Ruiz, Cynthia Mata, Bárbara Ortiz, Lourdes Guadalupe Herrero, Gabriela Francesca Flandoli, Nerea Guitart, Darío del Alcázar, Juan Pedro Vera, Andrea Leticia Quintana, Manuel García y Daniel Medina, otorga la

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO:

-"Baracoa", de Pablo Briones.

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LOS PRIMEROS PREMIADOS DE LA 22 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. CINE EN ESPAÑOL

Presentamos los primeros premios otorgados por el vigésimo segundo Festival de Málaga. Cine, en la pasada noche del viernes, 22 de marzo.

“Benidorm 2017”, de Claudia Costefreda, se alzó con la Biznaga de Plata al Mejor Cortometraje de Ficción. El Premio del Público fue a parar a “Mujer sin hijo”, de Eva Sáiz. En la Sección Oficial de Cortometrajes Documental, el gran galardón fue otorgado a “Greykey”, de Enric Ribes. El Premio del Público lo recibió “El día de los conectados”, de Carles Bosch, Nabil Bellahsene, Sara Racaño, Elvira Gález y José M. Restrepo.

En la categoría de cortos de animación el ganador fue “Viacruxis”, de Ignasi López y el Premio del Público fue a parar a “La Noria”, de Carlos Baena. 

El Jurado Joven del Festival también designó ayer a sus favoritos: “Los días que vendrán”, de Carlos Marques-Marcet, fue considerada como el Mejor Largometraje. El Premio Escuelas de Cine a la Mejor Película de ZonaZine lo ganó “Bayoneta”, de Kyzza Terrazas. El Premio Movistar+ a la Mejor Película de ZonaZine fue para “La filla d'algú”, de alumnos de la ESCAC. 

Ya el Premio Feroz Puerta Oscura al Mejor Largometraje de la Sección Oficial es para “Buñuel en el laberinto de las tortugas”, de Salvador Simó, que también logró el Premio Asecan a la Mejor Ópera Prima. Finalmente, la Asociación Católica Mundial para la Comunicación otorgó el Premio Signis a “Los días que vendrán”.

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LA DIRECTORA INÉS DE LEÓN PRESENTA EN EL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA SU ÓPERA PRIMA “QUÉ TE JUEGAS”

Inés de León ha presentado su ópera prima “Qué te juegas”, la comedia diseñada para criticar a las comedias románticas. Con esta definición, la directora ha expresado que le encantaría despertar las carcajadas del espectador y que después se esfuercen por contenerse para no perderse el chiste siguiente. Leticia Dolera, Javier Rey, Amaia Salamanca, Brays Efe, Daniel Pérez Prada y hasta una colaboración especial de Santiago Segura completan el reparto. 

La protagonista iniciará un viaje íntimo en el que explorará que quizás no merezca tanto la pena sacrificar tu moral por una simple ambición. Guarda mucha esencia de sus Fashion Drama, las web series estacionales que dirige para Vogue con episodios de humor que ironizan sobre situaciones cómicas relacionadas con la moda y la belleza. En esta ocasión el guión también avanza muy rápido con el toque personal de Inés de León, a pesar de que también está escrito por Astrid Gil-Casares, Rafa Russo, Breixo Corral, Pablo Alén. La directora aclara que le encanta utilizar el ritmo acelerado en sus producciones para mantener enganchado al espectador sin que tenga la tentación de mirar el whatsapp entre secuencia y secuencia. 

Leticia Dolera se ha mostrado muy orgullosa de volver al Festival de Málaga para presentar este nuevo trabajo dirigido por su amiga Inés de León donde interpreta a una monologuista, una profesión que le parece difícil a la vez que apasionante. Ha confesado que le daba miedo enfrentarse al público metiéndose en la piel de una profesión tan complicada. Se embarcó en el proyecto que asume como un regalo porque siempre le había fascinado su energía y pasión a la hora de contar historias en sus cortos y web series. También ha añadido que la comedia es muy divertida y plantea la pregunta al público Qué te juegas, con el fin de que les haga sentirse dentro de un desafío constante y plantearse hasta dónde estarías dispuesto a llegar por una ambición profesional.

Por otra parte, Javier Rey ha expresado que tenía muchas ganas de volver a hacer comedia y en este caso se trata además de una comedia construida desde una perspectiva completamente distinta a la que estamos acostumbrados. Por su parte, Amaia Salamanca ha resaltado que lo que más le gusta de la directora es su carácter perfeccionista que ya lo conocía desde que trabaja con ella en sus web series y cortos. 

La cinta cuenta la historia de dos hermanos que solo comparten el negocio familiar. Mientras Roberto quiere dar un vuelco revolucionario a la empresa, pero Daniela se niega y quiere continuar con un modelo empresarial tradicional. El as bajo la manga de Javier Rey es que su hermana se enamore en menos de un mes para hacerla cambiar de idea. 

A partir de aquí, el guión se traduce en una concatenación de chistes delirantes con una crítica social realista de fondo en cada uno de ellos. Además de la crítica divertida a las comedias románticas, también lanza un mensaje sobre la ambición profesional y cómo los personajes deciden pisotear sus sentimientos para conseguir su objetivo. Su equipo también quiere acabar con los prejuicios y los estereotipos del papel de la mujer en el cine por lo que también cuenta con un fondo feminista.

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MARIBEL VERDÚ ESTRENA “EL DOBLE MÁS QUINCE” EN EL 22 FESTIVAL DE MÁLAGA. CINE EN ESPAÑOL

Mikel Rueda ha presentado su nuevo largometraje “El doble más quince”, una historia de amor marcada por la diferencia de edad que huye de estereotipos. Protagonizada por Maribel Verdú y Germán Alcarazu, el guión muestra las inquietudes y las reflexiones de Ana y Eric. Se trata de la adaptación de un cortometraje que realizaron Rueda y Alcarazu con la que creen que van a despertar controversia. 

Ella tiene 45 años, es médico y ha alcanzado todas las metas personales y profesionales con una vida acomodada. También tiene marido, hijos y hasta una vivienda lujosa, pero no se siente del todo satisfecha. Cree que le falta algo. Él es menor de edad, un adolescente quinceañero que todavía no sabe qué rumbo quiere tomar. No obstante, a lo largo de la cinta no se menciona en ningún momento la edad, simplemente se intuye. 

Lo más importante es que dos personas de edades tan diferentes se convierten en un espejo del otro, ha recalcado Rueda. Se conocen en un chat erótico, donde Eric se hace pasar por un chico de 30 años y decide ofrecerle sexo a cambio de dinero. Ana accede y cuando se conocen en persona ella descubre la verdadera edad del joven que ni siquiera ha perdido la virginidad. Ambos representan dos momentos vitales muy dispares, pero el encuentro les permite ser ellos mismos. 

El director ha indicado que su película es una especie de road movie en la que sus protagonistas se van descubriendo mientras caminan juntos. El guión nace de sus propias inquietudes porque le gusta hacer cine sobre las cosas que le tocan y le conmueven, ha añadido. Todo el mundo llega a una edad a la que se cuestiona las mismas preguntas, sin importar que seas hombre o mujer. 

En la adolescencia te cuestionas muchas cosas, pero al final te acabas convirtiendo en alguien que la sociedad quiere que seas. De repente te acercas a los 50 y todo vuelve a tambalearse. 

Verdú ha explicado en rueda de prensa que su personaje despierta para darse cuenta de que toda esa vida exitosa no era realmente lo que quería. No es feliz y la invaden las dudas, la preocupación y la frustración. De repente con este chico en etapas diferentes, pero con sentimientos en común. Se sienten perdidos y se apoyarán el uno en el otro para superar sus miedos. También ha destacado que le encanta su papel porque es una forma de recordarle al mundo que no todas las cosas en la vida deben tener una explicación ni las personas tienen que justificar continuamente lo que hacen. 

Para ella este trabajo ha sido uno de los cinco mejores rodajes de su vida. Junto al director han asegurado que la química entre los protagonistas era clave para que la historia no se cayera por todas partes. Consideraban necesario crear un ambiente familiar y cercano y para ello los personajes pasaron juntos 24 horas antes del rodaje, descubriéndose el uno al otro.

Por último, Alcarazu ha manifestado que se ha dejado la piel para que su papel fuera lo más convincente posible. Antes de rodar, el equipo realizó un trabajo de campo con adolescentes para conocer de cerca cómo reaccionan ante las relaciones amorosas con el fin de dotar al guión de realidad. 

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“YO, MI MUJER Y MI MUJER MUERTA”, DE SANTI AMODEO, SE PRESENTA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

El director Santi Amodeo ha presentado este jueves su nuevo largometraje “Yo, mi mujer y mi mujer muerta” que competirá en Sección Oficial del Festival de Málaga, una comedia dramática que su director ha calificado como un juego entre dos aguas. Con esta metáfora se refiere a las etapas que experimenta su personaje principal- interpretado por el actor Óscar Martínez – que aúna las fases existenciales de héroe clásico y víctima, vinculadas al duelo de su esposa.

La cinta relata la historia de Bernardo, un arquitecto argentino de 63 años que acaba de perder a su esposa, recién fallecida. Su carácter es tan conservador que se niega a cumplir con la última voluntad de su mujer. Ella quería ser incinerada y que su marido arrojase las cenizas al mar en su querida Costa del Sol, donde nació y el lugar al que siempre quería volver para disfrutar de las vacaciones.

Pero unos días después del funeral, su tumba será profanada. La noticia deja perplejo y estupefacto a su viudo. Es ahora cuando cree que tiene que complacer el último deseo de la fallecida.

Su periplo a España simboliza también el viaje del protagonista hacia la compleja superación personal y aceptación del duelo. Está narrado como una hazaña del héroe clásico empeñado en culminar con éxito su misión salvadora. El retrato del personaje quiere reflejar a un viudo decepcionado con el mundo que cree estar seguro de que nada ni nadie podrá sorprenderle.

Sin embargo, la vida le demuestra lo contrario, que aún le quedan muchas lecciones por aprender. Por esta razón su capacidad de aceptación permanece latente hasta que sale a relucir de forma progresiva conforme avanza la trama. Poco a poco terminará por ser más comprensivo y reconciliarse con el mundo.

El actor Óscar Martínez se ha mostrado satisfecho con su trabajo. Asegura que el guión le sorprendió y le conmovió. Y esta misma sensación es la que esperaba con su resultado final. Lo mejor de su personaje ha sido el viaje interior que realiza hacia su catarsis personal.

Por su parte, Carlos Aceres ha manifestado que esta película ha supuesto un reto para él, no por tratarse de un personaje optimista, sino por no volver a tener una interpretación de bobalicón y contar con un registro completamente diferente. Tanto Santi Amodeo como los actores han insistido en que este largometraje huye de la comedia comercial, está más ligado a una producción autoral en el que no han tenido que forzar el tono y el contenido del guión. Todo lo contrario, mantiene una esencia humana íntima, profunda y filosófica, han concluido.

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EL DIRECTOR Y GUIONISTA JAVIER ARTIGAS ESTRENA EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA SU ÓPERA PRIMA “LEJOS DEL FUEGO”

Dentro del marco del Festival de Málaga. Cine en español, se ha presentado ‘5 minutos de cine’ del largometraje “Lejos del fuego” del guionista y director Javier Artigas.Se trata de la opera prima de Artigas, que actualmente se encuentra en proceso de postproducción y que llegará a las pantallas el 28 de junio de 2019. 

La película es un drama con ‘bastante misterio’ que se sitúa en entre el cambio de la juventud a la madurez. ‘Son personas con un pasado turbio y que actualmente están mejor, se están haciendo mayores y dejan de ser amigas’, dice Artigas. Se tratan temas como el cambio climático y el auge de la extrema derecha. La película se ha rodado en la Comunidad Valenciana en ‘menos de dos semanas’ y se financió por crowdfunding llegando a recaudar 10.000 euros.

Con Un Pack es la distribuidora de este film. José Javier Montero espera que la película funcione porque ‘conecta con los millennial’ y, además, es una ‘película indie’, un cine independiente que está invirtiendo en ‘levantar películas excelentes aunque tengan bajo presupuesto’.

Por su parte, la actriz Azucena Abril ha dicho que ella hace el personaje de ‘la fallera mayor de Valencia’. Por su parte, la actriz Laura Salcedo ha dicho que su personaje es ‘el núcleo de unión’ que pretende solucionar el pasado y mejorarlo porque ‘lo jodió bastante’. Comenta que es una evolución de la amistad al no entender como antes unas amigas podían llevarse bien y tener puntos en común y ahora ‘no tienen nada que ver’.

La película narra la historia de un grupo de amigas. La alteración del clima ha provocado un aumento masivo de las migraciones, el número de actos vandálicos y los crímenes de odio. Después de un año sin verse, Palo y sus amigas se reúnen en una casa en el campo para ponerse al día y, a ser posible, recuperar su amistad. Lejos de las diferencias que las distanciaron en el pasado. Lejos del caos de la ciudad. Lejos del fuego.

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“LA FILLA D’ALGÚ”, PROTAGONIZADA POR AINA CLOITET, SE PRESENTA EN LA SECCIÓN ZONAZINE DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

“La filla d’algú” compite en la Sección de Largometrajes Zonazine del 22 Festival de Málaga. Protagonizada por Aina Clotet, cuenta con el equipo de dirección más numeroso del festival, formado por once personas: Marcel Alcántara, Júlia de Paz Solvas, Sara Fantova, Guillem Gallego, Celia Giraldo, Alejandro Marín, Valentin Moulias, Gerard Vidal, Pol Vidal, Enric Vilageliu y Carlos Villafaina. Todo ellos forman parte de la 20 Promoción de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catanlunya (ESCAC). Se ha presentado en el Cine Albéniz, de mano de la productora de ESCAC Films, Lita Roig; los directores, y la actriz principal Aina Clotet, a la que conocieron en la asignatura de dirección de actores y que, hasta ahora, les ha acompañado en el proyecto. 

La película nace gracias a la creatividad, energía y entusiasmo de los alumnos del grado oficial de la escuela, que se han volcado totalmente con el proyecto. Ha sido una oportunidad brillante para unir las ideas de un grupo de alumnos de la escuela, suponiendo un importante riesgo artístico y creativo. Cada director ha rodado una serie de secuencias de la película, con una sola trama y siguiendo siempre a la protagonista. “Ellos tenían muy claro lo que querían hacer, todo ha estado muy bien organizado”, decía Aina. De esta forma, han retratado una historia no capitulada, con un tono uniforme y cohesionado, aportando unidad visual y narrativa. Los asistentes al estreno han preguntado al equipo acerca de las complicaciones de un rodaje con tantos directores, a lo que Gerard Vidal respondía: “el ego se dejó de lado desde el principio”.

El equipo de guión lo componen Marcel Alcántara, Andrea Aliaga, Laura Borrego Madrona, Jordi Carol, Júlia De Paz Solvas, Sara Fantova, Guillem Gallego, Celia Giraldo, Alejandro Marín, Júlia Mercader, Valentin Moulias, Marta Romero, Guillem Serradell, David Tejedor, Gerard Vidal, Pol Vidal, Enric Vilageliu y Carlos Villafaina; la dirección de fotografía la llevaron a cabo Marco Bertolini, Guille Bullón, José Cachón, Lola Errando, Angels Gazquez, Marc Guardiola, Andrea Mezquida, Andreu Ortoll, Sandra Roca y Paula Soler; montaje por Arnau Alberch, Fran Bafaluy, Adriana Cuenca, Bernat De Ferrer, Lola J. Espejo, Javier Gil, Sergi Maixenchs, Oriol Milan y Victor Xavier Monzó; Álex Fernández como compositor y, además de Aina Clotet como protagonista, el largometraje cuenta con el siguiente elenco actoral: Pep Ambrós, Marta Aguilar, Enric Auquer, Mercé Pons, Quimet Pla, Rosa Cadafalch. 

El audiovisual relata la historia de Eli, una mujer de 30 años embarazada, que se dedica a la abogacía. El mismo día que se celebra la vista oral de un juicio mediático que lleva preparando junto a su padre, un importante abogado de Barcelona, éste desaparece. Su búsqueda hará descubrir a Eli una realidad que pondrá patas arriba su estabilidad familiar y emocional.

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“LOS DÍAS QUE VENDRÁN”: SE ESTRENA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA LA ÚLTIMA PELÍCULA DEL DIRECTOR CARLOS MARQUES-MARCET

Tras ganar la Biznaga de Oro a la mejor película del Festival de Málaga por “10.000 kilómetros” hace ahora cinco años, el director Carlos Marques-Marcet ha vuelto a Sección Oficial para presentar su nuevo largometraje “Los días que vendrán”, protagonizado por los actores María Rodríguez Soto y David Verdaguer –quien ha hecho doblete este miércoles con su papel en “Siete razones para huir”, presentada también en rueda de prensa. 

Es una historia realista que intenta escenificar cómo el embarazo inesperado condiciona la vida de Vir y Lluís, una pareja de treintañeros que salen juntos desde hace solo un año. El contenido tiene una gran parte documental, ya que fue rodada durante algo más de un año, de forma simultánea al propio embarazo de la actriz Rodríguez Soto en la vida real, aunque para la grabación necesitaron un total de 50 días. Para dotar a la cinta de verosimilitud, la vivienda donde viven los actores en la vida real es la misma donde se filmó esta producción. Durante los meses que se prolongó este trabajo tuvieron que mudarse a otro inmueble del mismo edificio. 

El espectador acompaña a la pareja durante los nueve meses de gestación, llegando a ser partícipes de sus inquietudes, miedos, alegrías y decepciones. El guión está escrito de una forma sensible y minuciosa para transmitir la extrañeza de la nueva situación de sus protagonistas. Su director ha explicado que el público se embarcará en un viaje hacia la intimidad de la pareja cuyo destino será un final abierto, que puede ser interpretado como optimista o como pesimista. Da lugar a varias interpretaciones. 

Ni siquiera se han adaptado a la vida en pareja, cuando tienen que prepararse para ser tres. Al respecto, David Verdaguer ha explicado que su papel concentra tres personajes en un uno. Desde que concibe la nueva realidad de una forma estrepitosa hasta que va perdiendo la cordura para estabilizarse de nuevo. 

La idea original del proyecto surgió mientras rodaban Tierra Firme. Fue entonces cuando Verdaguer recibió la noticia de que sería padre. A partir de ahí forjaron esta historia de ficción sustentada en la realidad. 

La improvisación ha marcado la esencia del guión para aportar naturalidad y veracidad. Ponían varios temas sobre la mesa y los actores arrancaban los diálogos. El objetivo de esta técnica era dar más peso a los sentimientos que al relato de los acontecimientos. Cuando finaliza la película es cuando comienza para la pareja Los días que vendrán, por lo que es una forma de contar que la verdadera historia comienza con la llegada al mundo del bebé, justo cuando el guión finaliza. Involucra al espectador en una crónica en directo y sin filtros del camino hacia la paternidad sin adornos ni artificios.

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LA COMEDIA NEGRA “7 RAZONES PARA HUIR” TIENE ESTRENO EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

Los directores Esteve Soler, Gerard Quinto y David Torra han presentado este miércoles su película “7 razones antes de huir” en el Festival de Málaga. Cine en español. La cinta tiene como objetivo ‘generar debate y reflexió’ en el espectador representando la sociedad actual de una forma surrealista.

Junto a los realizadores, han estado presentes en la rueda de prensa los actores Sergi López, Nuria Gago, David Vendarguer y Aina Closet, además del productor de la cinta, Martín Samper.

La película narra siete historia cotidianas con un giro hacia el humor negro que busca en los espectadores una reflexión sobre algo que la sociedad tiene normalizado pero que los directores consideran que no debería ser así. Un matrimonio que intenta 'abortar' a su hijo adulto, un agente inmobiliario que intenta vender un piso con el cadáver antiguo inquilino aún colgado de la lámpara o un matrimonio que tiene 700 esclavos en su casa son algunas de las delirantes historias que se plantean en esta comedia negra.

La cinta cuenta siete historias que mezclan terror y comedia con la que los directores buscan ‘generar debate’ en los espectadores. ‘Cogemos la comedia y la rompemos introduciendo elementos de terror, lo que crea una distancia crítica que da lugar a una reflexión. Si al final de la película encontramos a gente hablando de lo que ha pasado, hemos ganado’, ha explicado Soler.

Los diferentes ‘episodios’, de igual duración entre ellos, que narran las siete historias están dirigidos por los tres realizadores de forma conjunta, con la única diferenciación entre cada uno de ellos del color de la imagen. ‘Todas las decisiones están consensuadas. La sangre la dejamos en privado --ha bromeado Quinto-- antes de transmitir el mensaje a los actores, aunque es verdad que Esteve se encarga más del guion y los actores, por ejemplo’.

La ‘voluntad’ de los realizadores, según ha comentado Soler, es ‘que la gente se pueda mostrar interpelada con lo que sucede’ en la cinta, ya que considera que los hechos que se relatan, con su particular humor, ‘son cosas que pasan en España y hay que hablar de ello’. Una idea que han querido reafirmar Quinto y Torra, que definen las situaciones como ‘comunes’ aunque se intenta ‘no hablar de ello’.

Los directores han asegurado que el orden en el que se relatan las diferentes historias no estaba cerrado hasta última hora, llegando a visionar diferentes opciones para tomar la decisión final. ‘En el guion inicial no estaba así ordenado, de hecho tuvimos muchas dudas sobre qué secuencia utilizar para cerrar la película’, ha apuntado Samper.

Dentro de este ‘caos’ que López ha definido como ‘una locura difícil de entender’, los actores han coincidido en que el rodaje ha supuesto ‘un disfrute’ para ellos. ‘Grabar así te permite romper con la realidad. Por suerte tuvimos la oportunidad de ensayar las piezas enteras, como si de una obra de teatro se tratara’, ha comentado Gago, que además ha matizado que ‘el texto estaba muy bien escrito’, lo que ayudó a la labor de los protagonistas.

López ha catalogado la película como ‘rarilla’, destacando que la ‘fuerza’ de la cinta reside en ‘el humor difícil de encontrar’ que en muchas ocasiones ‘no entiendes’, en esa crítica a la sociedad mezclada con el humor negro.

Vendarguer ha querido romper una lanza a favor del humor y todas sus vertientes, asegurando que ‘no puede ser que la gente juzgue el humor’ ya que el actor considera que esta forma de comunicar ‘es la mejor forma para tomarse las cosas en serio’. Una reivindicación después de los diferentes episodios relaciones con los cómicos y su forma de entender esta forma artística que ha generado tanto debate en los últimos tiempos.

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SE PRESENTA “LA BANDA” EN LA COMPETICIÓN OFICIAL DEL 22 FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Roberto Bueso ha presentado este miércoles su segunda película como director, “La banda”, en el Festival de Málaga. Cine en español, un filme que pone en valor la importancia de la amistad y la necesidad de cuestionar las decisiones antes de seguir avanzando. En la rueda de prensa también han estado presentes los actores Carlo Blanco, Charlotte Vega, Hugo Rubert, Xavi Giner, Gonzalo Fernández y Pepo Llopis, además del productor de la cinta, Fernando Bovaira.

La película cuenta la historia de Edu, un joven músico que regresa a su pueblo natal desde Londres, donde fue a perseguir su sueño, para la boda de su hermano. La vuelta a casa supone también reencontrarse con el pasado que dejó atrás, sus amigos y el antiguo amor. Un retorno que provoca la necesidad de volver a conectar con todo eso para encontrarse a sí mismo.

Busto ha asegurado que buscaba una historia ‘que podría haber ocurrido hace 50 años’, atemporal y en la que cualquiera pudiera verse identificado. ‘Reflejé en parte mi infancia, partí de recuerdos de esa época de mi vida para plasmar una realidad muy valenciana que es bastante desconocida fuera, pero buscamos llegar a los universal’, ha asegurado.

El director ha explicado que a la hora de escribir y dirigir no se debe tener ‘pudor’ y que se debe hablar cualquier cosa, como en este caso el amor ‘no solo romántico sino también fraternal’. Es por eso que no ha querido esconder que el personaje protagonista lo refleja en parte a él.

Un matiz importante de este filme es que casi todos los actores que aparecen en escena no se dedican profesionalmente a esto y fueron escogidos tras un casting. ‘Necesitábamos gente que conociera la realidad que queríamos plasmar. Luego los blindamos con gente como Charlotte con más recorrido’, ha comentado el director.

Fernández, que encarna a Edu, ha asegurado que lo más complicado fue el comienzo pero una vez que encontró el tono de personaje se sintió ‘muy a gusto’ con él. ‘Yo no soy actor profesional, soy óptico y músico. Por eso la ayuda de Roberto ha sido muy importante, en los ensayos me iba explicando los matices del personaje y gracias a él pude comprenderlo’, ha explicado.

El actor ha asegurado que él guarda similitudes con su personaje como la timidez, y que ha tratado de ‘hacer a Edu un poco Gonzalo’ para este trabajo. Es ese punto de la personalidad del actor que Busto considera ‘fundamental’ para que todo funcione. ‘Al principio de la película está anestesiado y le cuesta mostrarse como es él y termina consiguiéndolo a través de sus amigos. Y parece completamente real porque ciertamente lo es’, ha dicho.

Vega, protagonista femenina de la cinta, ha definido la historia como ‘una realidad con la que se puede identificar cualquiera’ y se ha mostrado muy identificada con su personaje, que al igual que Edu busca reafirmar si está en el camino correcto en la vida. ‘Todos hemos tenido ese momento de cuestionarnos las decisiones que hemos tomado. Si hicimos bien, si conformarnos con lo que tenemos o buscar otra cosa. Alicia quiere ver qué más opciones hay y se da cuenta que es feliz con lo que tiene y está donde debe estar’, ha afirmado.

La historia es, al fin y al cabo, la de una generación concreta y la de todas a la vez. La de un viaje interno hacia la madurez en el que la persona necesita plantearse dudas para poder avanzar. La de un joven que necesita escuchar de su entorno que comete una traición por perseguir sus sueños.

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“OJOS NEGROS”. SE PRESENTA EN LA SECCIÓN ZONAZINE LA PELÍCULA MÁS INDIE QUE PARTICIPA DE LA 22ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

“Ojos negros” se ha estrenado hoy, por primera vez en la gran pantalla, en el Cine Albéniz. Codirigida por Marta Lallana e Ivet Castro, con la colaboración de Iván Alarcón y Sandra García, es una producción de Nanouk Films, de sesenta y cinco minutos de duración, distribuida por Filmin. 

Nacido en el contexto académico como trabajo de fin de grado, es el primer largometraje de las dos directoras: ‘es muy bonito que una productora coja talento y riesgo a la vez’, decía Salvador Sanyer, productor. Marta Lallana, natural de Zaragoza, se mudó a Barcelona para estudiar Comunicación Audiovisual en la PompeuFabra. Fue finalista del concurso europeo Master of Photography (Roma, Skyarts), con Bruce Gilden y SavidLachapelle como tutores, entre otros. Cuando regresó a Barcelona, empezó a compaginar su trabajo en la productora Nanouk Films con la producción, guión y codirección de su ópera prima junto con Ivet Castelo. Ivet estudió también Comunicación Audiovisual en la PompeuFabra, habiendo cursado un semestre en KoreaUniversity (Seúl). Actualmente, continúa su carrera como cineasta en Viena. 

“Ojos negros” cuenta la historia de Paula, una adolescente de catorce años que veranea en el pueblo con su tía y su abuela, a quienes apenas conoce. La enfermedad de su abuela provoca tensiones familiares de las que Paula intenta escapar. Entonces, entabla amistad con Alicia, una joven de su misma edad. Al final del verano, la protagonista conocerá el significado de hacerse mayor. 

Parte del audiovisual se rodó en un pueblo de Teruel, del que procede la familia de una de las directoras, cuyo nombre acabó titulando el largometraje. El guión se escribió a partir de anécdotas y recuerdos vividos que, además, protagoniza Julia Lallana, hermana de Marta Lallana. ‘Ha sido un proceso bastante emocional al trabajar con mi hermana y grabar en Teruel, en el pueblo de mi familia. Un juego de espejos porque he vivido lo mismo que viven los personajes de la película’, decía Lallana con emoción. 

La película compite en la Sección Largometrajes Zonazine del 22 Festival de Málaga, y cuenta con un reparto compuesto por Julia Lallana, Alba Alcaine, Anna Sabaté, Inés Paricio, Roberto Sanz y Raquel Vicente. Además, el equipo técnico lo integran: Jorge Basterretxea, como director de fotografía; Raül Refree, a cargo de la música, y Victor Xavier junto con Nila Núñez, como montadores.

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LA DIRECTORA NEUS BALLÚS PROYECTA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA SU SEGÚN LARGOMETRAJE, “STAFF ONLY”

La directora catalana Neus Ballús ha presentado en Sección Oficial su largometraje “Staff Only”, con el que relata el camino hacia la madurez de una adolescente que viaja por primera vez fuera de su país para pasar las vacaciones de Navidad en Senegal junto a su padre y su hermano. Un plan familiar impuesto que la embarcará en una aventura metamórfica. 

El viaje la guiará poco a poco hacia el crecimiento personal. Será cuando descubra progresivamente cosas que no sabía ni que nadie le había explicado aún. Experimenta sus propias contradicciones a través de aventuras y muchas lecciones de vida que la transformarán en una persona completamente diferente. 

La principal enseñanza que se extrae es que el lugar donde nazcas determinará tu forma de relacionarte con los demás. Y aunque dos personas se esfuercen por entenderse, siempre les envolverá una macroestructura social, económica y cultural, que determinará su vínculo. La desconfianza hacia lo desconocido también está muy presente en este viaje, ha explicado su directora durante la rueda de prensa de presentación. 

Por otra parte, también ha manifestado que ha querido retratar algunas realidades de las relaciones personales familiares y de amistad, pero también de lo que sucede en un contexto complejo y desconocido para muchos, como es el caso de Senegal, un territorio hostil para una adolescente en una edad complicada que se rebela continuamente contra su padre por haberla forzado a salir de su hábitat. 

El guión se apoya en momentos muertos, conflictos, trayectos largos, calor y situaciones extremas para mostrar con una narrativa muy fresca la experiencia real de su protagonista, que se siente recluida en un resort donde no tiene tiempo para ella. Está inmersa en pleno tour organizado de safaris y fiestas tradicionales senegalesas junto a su familia y un grupo de jubilados que invaden todo el hotel, ha resumido la directora. 

Su objetivo era que la ficción fuera permeable a la realidad y a lo que les sucediera a los protagonistas en la vida real. Por eso en algunas secuencias se detectan algunos toques de documental, ha explicado la cineasta. De ahí que el largometraje sea muy realista, donde se palpa la distancia entre ambos mundos. La directora también ha querido puntualizar que no pretende juzgar a un país sino recrear un contexto real desde su punto de vista personal. 

La protagonista conoce a Khouma, un senegalés un poco mayor que ella, que trabaja en el hotel filmando las excursiones de los turistas, y a Aissatou, una joven que limpia habitaciones, y que la llevará a conocer el mundo desconocido detrás del Staff Only.

El reparto cuenta con un actor experimentado Sergi López y con la actriz Elena Andrada que debuta como actriz. La directora ha corroborado que quería a alguien sin experiencia para que esta aventura de rodaje que implicaba viajar a África, a enfrentarse por primera vez a un trabajo como éste, se percibiera también en la película de forma paralela a su crecimiento personal. Como dato, cuando estaban escribiendo el guión, no tenían clara la edad que tendría su protagonista hasta que encontraron a Elena. Y fue entonces cuando ajustaron el personaje al momento real de su vida. Hay veces que se la percibe como niña y otras como mujer. Esta percepción transcurre tan deprisa que casi se puede ver en un mismo plano. 

Quería una chica que tuviera carácter y afán de rebeldía, pero con una capacidad de empatizar con la gente y una gran curiosidad. Conocieron a más de mil chicas en institutos de Barcelona hasta que encontraron a Elena. Posteriormente cuando se conocieron Sergi López y ella, la directora tuvo claro que contaba con el mejor reparto para contar esta historia. Para la actriz protagonista ha sido una experiencia vital porque fue su primera vez en un rodaje, pero también la primera vez que se embarcaba en un viaje de estas características. Por lo que asegura que ella vivía como experiencias propias toda la trama de su personaje. Por su parte, el actor Sergi López ha asegurado que se siente muy cómodo en películas que hablan de personas y con historias que le inspiran y le conmueven. Ha sido como empezar de cero.

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“522. UN GATO, UN CHINO Y MI PADRE” TIENE ESTRENO EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL 22 CERTAMEN MALAGUEÑO

“522. Un gato, un chino y mi padre” es el segundo largometraje del director Paco Baños con el que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga. Se trata de una road movie emocional centrada en la autosuperación de su protagonista –George- interpretada por la actriz Natalia de Molina- que emprenderá un viaje hacia el fin del mundo para luchar contra sus limitaciones personales y reconciliarse con su pasado. 

Ella es agorafóbica, un temor obsesivo que la mantiene atrapada en los continuos 522 pasos que puede andar en su propia casa. Sin embargo, cuando muere su gato de forma inesperada, decide embarcarse en una aventura que le cambiará la vida. Quiere encontrar un lugar especial para dar sepultura a su mascota. Para ello regresará a su hogar natal en Portugal en la furgoneta del vecino chino que regenta un establecimiento de su barrio –a quien da vida el actor Alberto Jo Lee -. 

Su agorafobia ha provocado que su mundo cada vez sea más pequeño y ese viaje al pasado será el que vuelva a engrandecerlo, ha expresado Paco Baños en la rueda de prensa de presentación. Por su parte, la actriz Natalia de Molina ha explicado que esta fobia es una metáfora de las propias limitaciones que el ser humano se autoimpone, cuando se ciñe a no salir de su propia zona de confort. Barreras físicas que desencadenan en problemas mentales y emocionales. Ella ha asegurado que conectará muy bien con el espectador. 

La furgoneta es un escenario importante porque se convierte en la propia casa en movimiento de sus personajes principales. Este espacio físico donde se desarrolla gran parte del guión se convirtió también en una propia limitación para la protagonista, ya que como ha explicado Natalia de Molina, era complicado tener que actuar sin mirar a su compañero de reparto. La cámara estaba continuamente sobre ella porque la cinta gira en torno a su papel. De este modo es más complicado concentrarse, sin interactuar ni intercambiar miradas, por lo que ha supuesto un gran desafío profesional. 

El padre de George también está muy presente en la trama argumental aunque permanezca ausente físicamente. En este punto, el director Paco Baños ha aclarado que el libro que ella encuentra es el símbolo por el que se manifiesta el alma de su progenitor. Recrea el encuentro ficticio entre ambos. Ella lo tira al suelo para escenificar el rechazo y el origen de su trauma, pero poco a poco se reconciliará con él y con los fantasmas de su pasado. 

En este punto Paco Baños ha aclarado que se vuelca mucho en los elementos y bodegones que aparecen en las secuencias para recrear personajes. Es una técnica que se ha constituido como parte del sello personal del director. Ha añadido que tiene una conexión íntima con la historia de su largometraje, ya que elige Portugal porque su padre es portugués. Precisamente murió justo antes de rodar su primera película y desde entonces quería contar algo sobre el lugar donde nació y al que siempre estuvo muy ligado. Aunque ha puntualizado que no tiene tintes autobiográficos, ha reconocido que su padre ha formado parte de su inspiración. De hecho ha elegido el cabo de San Vicente y otros puntos del Algarve donde guarda recuerdos especiales de su vida junto a él. 

No le gusta encasillarse en algún género en concreto. Se deja llevar por la emoción y por las historias de personas. Y todo fluye a partir de ahí. A lo largo del guión huye de tópicos y clichés portugueses, pero sí que están muy presentes el fado y la saudade como hilos conductores de las emociones.

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RODRIGO SOROGOYEN Y MARTA NIETO PRESENTAN EL LARGO “MADRE” EN EL 22 FESTIVAL DE MÁLAGA

El director Rodrigo Sorogoyen ha presentado hoy “Madre”, el largometraje que recoge como prólogo el corto nominado a los Oscar que lleva el mismo nombre. Marta Nieto vuelve a protagonizar el filme, y le acompaña en el reparto Jules Porier, Álex Brendemuhl, Anne Consigny y Frederic Pierrot. El largometraje es la secuela del cortometraje de Sorogoyen que en 2017 obtuvo el premio Goya y el premio Forqué en el año 2018.

Durante la presentación de las primeras imágenes del largometraje, Sorogoyen ha confesado que quería hacer la película muy rápido: ‘tenia claras tres ideas que quería plasmar, por lo que el guion se hizo bastante rápido’. El largometraje, producido por Malvalanda, Caballo Films, Arcadia Motion Pictures y Amalur Pictures, cuenta con un guion escrito por el propio Sorogoyen junto con Isabel Peña. 

Tras el éxito del cortometraje, el director quería retomar la historia 10 años después y mostrar los cambios derivados del tiempo que experimenta la historia. ‘Esto nos muestra dos mundos totalmente distintos pero que ayuda a crear un universo que desgranar en la película’, asegura el director.

Por su parte, Marta Nieto, ha dicho que ‘hay magia en todo el proceso de creación’. Sobre todo destaca su personaje porque ‘me ha permitido divertirme y contar las complejidades que llevamos dentro al cambiar de estado’. Los planos secuencia son de los más recurrentes en “Madre”, algo ‘que pocos directores hacen y que gracias al equipo de profesionales se ha conseguido’, ha dicho la protagonista. 

En cuanto a si era necesario incluir el cortometraje en la película, Sorogoyen ha dicho que fue una decisión de montaje porque así se puede entender lo que se quiere trasladar al espectador: ‘se ve el cambio del personaje y todo lo nuevo que aporta la protagonista’. 

La película se encuentra en fase de postproducción. ‘Estimamos que para finales de abril esté acabada’, dice el director, y su lanzamiento dependerá ‘de la carrera que hagamos en festivales’, aunque su idea es que se estrene este mismo año. 

El largometraje narra la historia de Elena, quien hace diez años recibió una llamada en la que Iván, su hijo de seis años, le decía que estaba perdido en una playa de Francia y que no encontraba a su padre. Fue lo último que supo de su hijo. Ahora, Elena vive en esa playa, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo. Todo se agita de nuevo cuando conoce a Jean, un adolescente francés que le recuerda mucho a su hijo perdido. Ambos comenzarán una relación que sembrará el caos y la desconfianza a su alrededor. 

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“EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE”, DE JON MIKEL CABALLERO, TIENE ESTRENO MUNDIAL EN LA ZONAZINE DEL 22 FESTIVAL DE CINE ESPAÑOL DE MÁLAGA. ¡TRÁILER AQUÍ!

Hoy a las 16:30h ha tenido lugar, en Cine Albéniz, el estreno mundial la ópera prima de Jon Mikel Caballero: “El increíble finde menguante”. A la presentación han acudido el director junto con la productora y el elenco actoral protagonista. 

Producida por Belén Estavas-Guilmain, Pedro de la Escalera, y Jon Mikel Caballero, la película trae Tania da Fonseca como directora de fotografía; Carmen Albacete en dirección de arte; montaje a cargo de Miguel A. Trudu; Roberto Fernández como sonidista y Luis Hernáiz como compositor. Además, la protagonizan Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Irene Ruiz, Adrián Expósito y Luis Tosar.

Cuenta la historia de Alba, una chica que acaba de cumplir treinta años y lo celebra en una casa rural con sus amigos el fin de semana. Sus planes de fiesta se truncan cuando su novio, Pablo, rompe la relación. Ello lleva a la protagonista a entrar en un bucle que repite constantemente lo ocurrido durante el fin de semana, con una premisa: cada repetición dura una menos que la anterior. El bucle acaba siendo una cuenta atrás que convierte una fiesta en una maldición interminable. 

El rodaje se concentró en la casa en la que se desarrolla la fiesta. ‘La relación que teníamos que mostrar en la película acabó siendo real. Mientras rodaban en la cocina, jugábamos a juegos de mesa en el salón’, decía en rueda de prensa el actor Adrián Expósito. No fue este vínculo lo único que sorprendió a los actores. La película, conforme va avanzando, reduce el formato de pantalla, cosa de la que ellos no tenían conocimiento durante el rodaje. Esto ha llamado bastante la atención también al público. ‘la película la hemos rodado en digital con referencias de los años setenta y ochenta. Queríamos un estilo visual retro e indie’, ha comentado el director. 

‘Compartimos las ganas e ilusión de hacer cine. Estamos haciendo una película por fin. Somos afortunados por esto’, era uno de los mensajes más repetidos durante el rodaje por el actor Jimmy Castro. Sin duda, la ópera prima de Jon Mikel Caballero no sólo ha sido disfrutada por el equipo durante el rodaje, sino también por el público y la prensa que ha presenciado su estreno. 

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“LITUS”, DE DANI DE LA ORDEN, SE PROYECTA EM LA SECCIÓN OFICIAL DEL 22 FESTIVAL DE MÁLAGA

Tras clausurar la pasada edición del Festival de Málaga con “El mejor verano de mi vida”, Dani de la Orden ha vuelto para presentar su nuevo largometraje “Litus” con el que compite en Sección Oficial. Se trata de una obra de teatro adaptada al cine, que recrea una reunión de amigos después de la muerte de su protagonista, quien permanece ausente durante toda la trama y cuyo nombre da título a la película. Antes de suicidarse, dejó una carta de despedida para cada uno de ellos. Aparentemente todos están bien, pero en realidad están rotos por dentro. 

A partir de aquí arranca un largometraje catártico sobre la muerte y una historia de amistades rotas que remueve al público desde dentro. El guión –escrito por Marta Buchaca- mantiene mucha esencia teatral de la obra original. De hecho la mayoría de las secuencias se ruedan en el mismo escenario, un piso humilde, elegido concienzudamente para dotar a la historia de realidad. La tensión está presente en toda la trama para recrear la estupefacción de los personajes, aturdidos por secretos insospechados y emociones ocultas. El reparto está compuesto por los actores Belén Cuesta, Adrián Lastra, Marta Nieto y Míquel Fernández.

Hay muchos momentos en la vida donde la realidad supera la ficción, ha expresado el director De la Orden. Y en esa premisa se ha basado en todo momento. Quiere que él público se sienta representado por cada uno de los protagonistas. Es una película sobre decir adiós, pero sobretodo de todo lo que gira en torno a las despedidas. El cineasta ha explicado que a él siempre le ha costado despedirse de la gente. Por esta razón intenta plasmar cuánto nos cuesta madurar a marchas forzadas cuando algún ser querido se va para siempre. Es su largometraje más personal, ha insistido. 

No es una película sobre el suicidio, ha aclarado De la Orden. La muerte es solo una excusa para reflejar la manera torpe con la que solemos intentar arreglar las cosas. Cómo hacemos frente a problemas que no podemos entender. Es muy doloroso asumir que alguien a quien quieres se ha quitado la vida. De ahí que el director haya dibujado un retrato de sus personajes envueltos por la frustración, la impotencia e incluso la culpabilidad. 

En este punto la actriz Belén Cuesta ha añadido que su personaje también muestra la reacción forzada después de conocer que un amigo ha muerto. Es decir, cuando parece que solo hablas de la parte buena de la persona fallecida y tendemos a ocultar aquello que no te gustaba o que te caía mal, ha aseverado. El dolor es tan íntimo, que pocas veces se exterioriza cómo te encuentras realmente.

También refleja el sentido de la amistad del propio director. A él le obsesionan las relaciones, tanto de amistad como amorosas o familiares. A veces incluso los amigos tienen más peso en la vida que la propia familia y eso da para muchas historias. Sus películas anteriores también estaban basadas en las relaciones personales. 

Además, el director ha explicado que le gusta jugar con la mezcla de géneros. Es una película triste, nostálgica y amarga pero que deja un buen sabor de boca. Dentro de la negrura hay comedia y a la inversa. Aunque nos cueste hablar y exteriorizar los sentimientos, puede que el humor se ponga de manifiesto a raíz de un acontecimiento angustioso. 

Belén Cuesta ha reconocido que le atraía muchísimo rodar todo el tiempo en un mismo salón porque forma parte de la magia teatral en la que se inspira. Y lo ha afrontado como un reto, obviando que podía llegar a ser un poco agobiante concentrar las jornadas de rodaje en un espacio cerrado. Un lugar idóneo para crear un ambiente de tensión y de atmósfera caracterizada por la extrañeza de sus personajes cuando empiezan a darse cuenta de que no se conocían tanto como creían. 

El momento final donde se revela todo, es decir, en el que uno de sus personajes lleva todo el peso, se mantuvo en secreto para los demás actores. De esta forma el final fue sorpresivo e inesperado para el resto del reparto. Cuando comienza a hablar, las reacciones de sus compañeros son reales e improvisadas. No se habían ensayado antes. Era el último día de rodaje y todos coinciden en señalar este momento como el más mágico de todos. La película está rodada en orden cronológico por lo que fue más fácil para el equipo al completo. Las secuencias se han rodado de forma continuada y de seguido, sin pausas. 

La música también juega un papel importante. Es la encargada de mantener al espectador en un estado constante de suspense, tensión y sorpresa. Su estreno tendrá lugar el 6 de septiembre.

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EL FESTIVAL DE MÁLAGA ACOGE AL ESTRENO DE LA PELÍCULA “EL DESPERTAR DE LAS HORMIGAS”

"El despertar de las hormigas” es el largometraje de la directora Antonella Sudasassi con el que se propone alentar a las mujeres a rebelarse contra el machismo y las imposiciones sociales. La cineasta costarricense también es la guionista de esta historia femenina con una alta dosis de denuncia social que invita a reflexionar y abrir la mente hacia una dimensión crítica e inconformista. Y lo hace a través de un diálogo sobre la sexualidad femenina en tono reivindicativo e inspirado en el concepto de la sororidad, ya que en Costa Rica sigue siendo un tema tabú. 

Ésta es la carta de presentación de la cinta con la que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga. Para la redacción del guión se inspiró en la historia de su propia familia –muy numerosa y llena de mujeres luchadoras, ha puntualizado-. Pero a pesar de tratarse de personas fuertes, siempre han vivido sometidas a lo que marcaban los maridos o sus padres. Por ello con esta obra también se propone dar voz a las mujeres que no la tienen a través de un retrato real de la situación que atraviesan muchas de ellas en Costa Rica. 

Aunque la historia está contextualizada en una zona rural de este país de centro América, la situación de la protagonista, Isa –interpretada por la actriz Daniella Valenciano- es extrapolable a las grandes ciudades y a cualquier rincón del mundo. No obstante, ha querido llevar a los espectadores un trozo de realidad de su país de origen para que conozcan el insignificante papel que se le otorga a la población femenina. 

Isa es una joven que vive con su marido y sus dos hijas pequeñas en una pequeña localidad costarricense. Dedica su vida a estar a su servicio y a coser por encargo. El poco dinero que gana también lo administra su marido. Para colmo su familia la presiona para tener otro hijo porque para ellos es imprescindible que tenga un varón. Ella sueña con tener su propia tienda y diseñar vestidos. 

La presión continua de su familia la conduce hacia la rebelión. Para el relato de la vida de su personaje principal, la directora utiliza mucho la simbología, como por ejemplo, el pelo. Le da bastante protagonismo al cuidado del cabello de su protagonista como una metáfora del suplicio continuo y la dedicación extrema para estar bella y gustar al hombre. Otro de los símbolos son las hormigas, que precisamente dan nombre al largometraje. Las utiliza para transmitir el esfuerzo lento pero constante de la protagonista por perseguir su deseo frente a lo establecido. 

Es importante que seamos conscientes del momento en el que dejamos de tomar decisiones por nosotras mismas para satisfacer a los demás, han compartido tanto la directora como la la actriz protagonista durante la rueda de prensa de presentación. 

Junto a Daniella Valenciano, le acompañan los actores Leynar Gómez, Isabella Moscoso, Avril Alpízar, Adriana Álvarez, Carolina Fernández y Katia Arce, quienes completan el reparto. 

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LA PASADA MUY ERÓTICA DE MARIO CASAS POR EL FESTIVAL DE MÁLAGA

La Sección Oficial –fuera de concurso- Málaga Premiere ha acogido el estreno de “Instinto”. La serie cuenta la historia de Marco (Mario Casas), un joven y popular empresario que lidera una de las compañías tecnológicas más exitosas del mundo. Sin embargo, su fama en el trabajo contrasta con su vida social. 

El protagonista es un chico solitario e inaccesible emocionalmente que lo sabe todo menos lo esencial de sí mismo. Es por ello, que intenta escapar aferrándose al deporte y a un club privado. En él, cada individuo se preocupa solamente de recibir placer y dar rienda suelta a sus sueños más eróticos, sin temor a enamorarse. Una realidad que cambiará con la llegada de Eva (Silvia Alonso) y Carol (Ingrid García - Jonsson). Con la última, el protagonista aprenderá que nunca es tarde para amar y ser amado, aunque eso suponga sufrir.

“Instinto” es un drama provocador sobre las relaciones humanas con un reparto de excepción. Ingrid García-Jonsson, Jon Arias, Silvia Alonso, Bruna Cusí, Lola Dueñas, Óscar Casas y Myriam Gallego acompañarán a Mario Casas en un thriller erótico sobre las obsesiones, los fantasmas del pasado, el deseo y el amor. 

La productora ejecutiva, Teresa Fernández- Valdés (Bambú Producciones), ha destacado que la serie profundiza en las distintas formas de entender al amor, aunque un amor, muchas veces, un poco equivocado. ‘Junto al personaje principal vamos a bucear por un mundo oculto. Partimos de la historia de Marco, una persona atormentada por su pasado y, a través de él, haremos un viaje para explorar un mundo oculto que afecta a muchas más personas de las que creemos. Con esta producción hemos descubierto que hay mucha gente que vive su sexualidad desde un lugar muy distinto al tradicional, lo que llevará al espectador a abrir la mente’, ha destacado. ‘Aunque hay espacio para el amor, no hemos trabajado desde ese lugar. La idea era romper con la historia de amor clásica y centrarnos en la psicología de los personajes, ir más allá en términos de relación, como la amistad o la fraternidad’, ha añadido.

Sobre su personaje en Instinto también ha hablado Mario Casas. ‘Me parecía muy interesante componer un personaje en ocho capítulos y que no se descubriera quién es en realidad hasta el episodio final. Ha sido todo un reto y eso es lo que yo busco como actor’, ha asegurado el protagonista.

El director de la serie, Carlos Sedes, ha destacado la valentía de los actores a la hora de interpretar y de hacer frente a algunas de las escenas. En “Instinto”, explica, se descubre un mundo nuevo. El gallego ha explicado que en la serie se ha tratado la sexualidad desde un punto de vista elegante, ‘hemos tratado las escenas de sexo con elegancia y hemos querido darle un toque moderno, llevarlo a la fantasía’. El director ha manifestado su objetivo de tratar el sexo con normalidad: ‘Hay gente con distintos tipos de gusto y creo que es un buen momento para hacer algo así en España’, ha comentado.

A este respecto, la productora ejecutiva de Bambú producciones ha asegurado que se trata de un casting muy valiente que ha realizado un duro trabajo: ‘Algo clave para las secuencias sexuales fue la elegancia. Queríamos hacer algo atrevido pero muy cuidado y para ello fue clave contar con un equipo de extras tan maravilloso como el que hemos tenido. Gran parte del éxito de la serie se concentra en ellos’, cuenta Fernández-Valdés.

Por su parte, el actor Óscar Casas (un joven de 18 años con autismo) también se ha referido a su personaje: ‘He tenido que trabajar muy duro, ensayando, documentándome y hablando con personas que padecían el mismo trastorno. Sin embargo, José me ha dado muchas alegrías, es un personaje lleno de libertad’.

Ingrid García - Jonsson, Silvia Alonso y Jon Arias también han resaltado que se trata de una serie intensa llena de personajes fuertes y valientes. La serie llegará a Movistar + el próximo 10 de mayo.

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“YO NIÑA”. CINE ARGENTINO EN LA ZONAZINE DEL 22 FESTIVAL DE MÁLAGA

Esta tarde se ha estrenado “Yo niña”, el debut en el largometraje de Natural Arpajou, en Cine Albéniz. A la presentación han acudido la directora, Arpajou; la actriz Andrea Carballo, y el productor Alejandro Israel. 

“Yo niña” es la primera de las dos películas argentinas de la sección Zonazine, basada en experiencias autobiográficas que la directora vivió en su infancia, y retratadas desde el inocente punto de vista de una niña cuyos padres educaron bajo los principios del nomadismo.

La directora ha hecho referencia a la dificultad en Argentina para hacer películas. Diez años después de empezar el proyecto, inicialmente titulado “Natural”, rodado en 27 jornadas comprendidas en cinco semanas, hoy ha estrenado su ópera prima del largometraje en el 22 Festival de Málaga, siendo la primera vez que la película se presenta fuera de su país de origen.

La proyección ha recibido una cálida bienvenida por parte de la prensa y el público asistentes, quienes han destacado la calidad técnica y estética de la obra. ‘A mí las películas me salen del pecho, del corazón… Después ya me fijo en si la técnica está bien o no’, decía Natural. El equipo ha contado las dificultades de rodar en mitad de la nada para contextualizar El Bolsón, uno de los dos epicentros hippies más emblemáticos de Argentina. 

Además, han destacado lo sorprendente que ha sido rodar con una actriz infante. ‘En lugar de adaptar su guión frente al nuestro, acabamos adaptando nuestra intervención dado lo bien que lo hacía ella’, decía Andrea Carballo. A lo que Arpajou añadía – ‘hay que tener la esencia, después el diálogo sale. Como guionista, para mí las palabras significan muchísimo. Los actores han trabajado tan bien que a través de sus palabras han transmitido las mías’.

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EL DIRECTOR VENEZOLANO MIGUEL FERRARI ESTRENA “LA NOCHE DE LAS DOS LUNAS” EN EL CERTAMEN MALAGUEÑO

“La noche de las dos lunas” es el segundo largometraje del director venezolano Miguel Ferrari. La presentación ha tenido lugar esta tarde en el Cine Albéniz, y se enmarca dentro del Focus Latino del Festival de Málaga.

La película es una coproducción entre Venezuela y España, y está rodada en Caracas y el Parque Nacional El Ávila. El film está protagonizado por Prakriti Maduro, Mariaca Semprún, la española María Barranco, Luis Gerónimo Abreu, Albi De Abreu y el español Juan Jesús Valverde. 

Plantea el tema sobre la descendencia, la maternidad y la transformación del concepto de familia en torno a los avances de la ingeniería genética. El film está basado en un hecho real que ocurrió en Italia. Ferrari con la película pretende que ‘el público empatice con los personajes y se abra un debate bioético en torno a la fertilización in vitro’. Miguel Ferrari con esta película pretende que el espectador salga con preguntas y reflexiones sobre cómo se ha avanzado en la tecnología mientras siguen estancadas las leyes. 

‘Me hace mucha ilusión entrar a España por el Festival de Málaga, uno de los mejores escaparates a los que se puede aspirar en cinematografía hecha en español’, ha dicho el director de “La noche de las dos lunas”. Cabe destacar que su ópera prima Azul y no tan rosa ganó en 2014 el Goya a la Mejor Película Iberoamericana, convirtiéndose en el único film venezolano con este reconocimiento. 

Ante todos los espectadores, Miguel Ferrari ha elogiado la belleza de Venezuela: ‘éramos maravillosos y vamos a volver a serlo’. Al finalizar la proyección se ha hecho un coloquio con el público porque, asegura, ‘son lo más importante para ellos’.

El filme narra la historia de Federica que, al tercer mes de embarazo, descubre que el bebé que está esperando no tiene su ADN. Acude a la clínica donde se realizó el tratamiento de fecundación in vitro y estos reconocen haber cometido un error intercambiando su embrión con el de otra pareja. La clínica identifica a la mujer a quien le implantaron su embrión, pero esta ha tenido un aborto. Federica decide continuar con su embarazo y quedarse con el bebé, pero los padres biológicos emprenderán una batalla para recuperarlo.

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