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martes, 26 de julio de 2022

“DÚO": TRÁILER DEL SEGÚN LARGOMETRAJE DE LA DIRECTORA MERITXELL COLELL. ESTRENO EN LA TAQUILLA EL 9 DE SEPTIEMBRE

A seguir el tráiler oficial del según largometraje de la directora Meritxell Colell Aparicio, "Dúo", que ha recibido el premio a la Mejor Dirección en la sección ZonaZine del 25 Festival de Málaga, y que se estrena en la cartelera española el próximo 9 de septiembre, de la mano de Atalante.

Tratase de una coproducción entre España-Francia-Argentina-Chile; de Pensilvania Films, Paraïso Productions, Manufactura de Peliculas, y Polar Star Films, que está  protagonizada por la coreógrafa y bailarina Mónica Garcia, con la que Colell ya trabajó en su ópera prima “Con el viento”, y Gonzalo Cunill.

La película retrata la extrañeza de dos interpretes ante un mundo desconocido que pone en cuestión el sentido de su relación y del quehacer artístico, a través de la siguiente sinopsis:

Norte de Argentina. Carnavales. Tras un año en el pueblo con su madre, Mónica retoma un dúo de danza con su pareja. Juntos emprenden una gira por la cordillera de los Andes, en un intento de salvar la relación aferrándose a una promesa: "no dejaré de querer lo que queda de ti". ¿Qué hacen allí? ¿Actuar para qué, para quién? Nadie les pidió estar allí. Y sin embargo allí están, aislados, a la deriva, ¿qué fueron a buscar? La distancia entre ellos revela lo irreal de un anhelo que ya no existe. El paisaje, las mujeres del altiplano y la soledad profunda del matrimonio sumergen a Mónica en una mezcla de deseos, miedos, ilusiones, recuerdos y reflexiones que la devuelven a su origen, a su pueblo, a su madre, otorgándole la fuerza y el impulso para tomar su propio camino. Amar, a veces, quiere decir saber soltar.


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domingo, 27 de marzo de 2022

PALMARÉS DE LAS SECCIONES DE CORTOMETRAJE DEL 25 FESTIVAL DE MÁLAGA

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DOCUMENTALES


El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documentales a concurso de la 25 edición del Festival de Málaga, que ha terminado ayer, e integrado por Adriana Cursino, Jorge Tur y Lupe Pérez, ha otorgado la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, dotado con 2.000 euros, a “Victoria”, de Eloisa Díez.


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para “Fe”, de Maider Fernández.

El Jurado Joven Documental de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Alejandro Ocaña, Álvaro Carrillo, Álvaro Moreno, Elena Villén, Francisco José López, Hugo Chapon, Indira Fralisa Icochea, Lucía Salgado, Melquiades Jiménez, Sara Andrades, Sevei Pastrana y Victoria Rocío Meléndez, ha otorgado la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a “Todos los días domingos”, de Alberto Dexeus.


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para “Un viento roza tu puerta”, de Jorge Castrillo y Pablo Paloma, y “El día que volaron la montaña”, de Alba Bresolí.



SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DE FICCIÓN:

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Fran Antón, Jiajie Yu y Marina Parés, otorga los siguientes premios:


BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotado con 2.000 euros: “Rompente”, de Eloy Domínguez.


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN: Rafael Martínez, por “Crudo”.


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA: Anna Caponnetto, por “Harta”.


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Verónica Andrés del cortometraje “Pura sangre”.


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA: Julián Villagrán, por” Harta”.


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para los actores Emilio Pacheco y Jaime Crespo del cortometraje “La perrera”.


El Jurado Popular integrado por Alicia Claros, David Martín, Francisco Luis González, Natividad Criado y Salvador Gutiérrez, otorga mediante decisión promediada (50%) entre este Jurado y el voto del público asistente, la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a “Harta”, de Julia de Paz.


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sábado, 26 de marzo de 2022

PALMARÉS DE LA SECCIÓN ZONAZINE DEL 25 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

En la sección más indie de la 25 edición del Festival de Málaga, que otorgado su palmarés hoy, la Zonazine, el premio a la mejor película española ha sido para "Lugares a los que nunca hemos ido", del recientemente fallecido Roberto Pérez Toledo, una cinta que se ha alzado también con el premio al mejor actor, ‘ex aequo’ para Pepe Ocio y Sergio Torrico.

El mejor largometraje iberoamericano de Zonazine ha sido, a juicio del jurado, la producción mexicana "Mostro", de José Pablo Escamilla.

Por su parte, Meritxell Colell ha logrado por "Dúo" el premio a la mejor dirección en esta sección, en la que las mejores actrices han sido, "ex aequo", Milena Smit y Olivia Baglivi por "Libélulas", una película de Luc Knowles que ha logrado también el premio del público de Zonazine.

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PALMARÉS DE LA SECCIÓN OFICIAL DEL 25 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 25 edición del Festival de Málaga, integrado por Cecilia Suárez, Javier Cercas, Manuel Martín Cuenca (Presidente), Marco Mühletaler y Marta Nieto, ya ha anunciado el palmarés de una edición bastante discreta en lo que a largometrajes se refiere. Y Cinco Lobitos cumple todas las previsiones haciéndose con la Biznaga a Mejor película.


BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA (dotada con 10.000 euros)

“Cinco lobitos”, de Alauda Ruiz de Azúa


BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA (dotada con 10.000 euros)

“Utama”, de Alejandro Loayza Grisi


BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

“Mi vacío y yo”, de Adrián Silvestre


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

“ The Gigantes”, Beatriz Sanchis


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN

Alejandro Loayza Grisi por “Utama”


BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Ex aequo a Laia Costa y Susi Sánchez por “Cinco lobitos”

 

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Leonardo Sbaraglia por “Almost in Love” (“Ámame”)

 

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO

Debora Maria da Silva por “A mãe” (“La madre”)


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO

Nicolás Poblete por “Mensajes privados”


BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN

Aladua Ruiz de Azúa por “Cinco lobitos”


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA

Cergio Prudencio por “Utama”


BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

Nicolás Wong Díaz por “The Gigantes”


BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE

Rodrigo Saquel por “Mensajes privados”

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viernes, 25 de marzo de 2022

QUINIELA DE LA 25 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Presentamos nuestra quiniela a la 25 edición del Festival de Málaga, que se celebra en esta ciudad desde el 18 de marzo. Un total de 21 largometrajes concurren al máximo galardón del certamen malagueño, la Biznaga de Oro, siendo ellos 13 españoles y 8 latinoamericanos.

Tras ocho días de festival, creemos que dos tres son las películas favoritas para los galardones: “Cinco lobitos”, de Alauda Ruiz de Azúa; y “Llegaron de noche”, de Imanol Uribe; además de la película latinoamericana “Utama”, de Alejandro Loayza Grisi, ganadora del Premio del Jurado del Festival de Sundance. Aún en la carrera “La cima”, de Ibon Cormenzana; y “La maniobra del tortuga”, de Juan Miguel del Castillo.

Así, pasamos a nuestra quiniela:

• Biznaga de Oro a la MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA: “Cinco lobitos”, de Alauda Ruiz de Azúa;

• Biznaga de Oro a la MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: “Utama”, de Alejandro Loayza Grisi;

• Biznaga de Plata PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “Llegaron de noche”, de Imanol Uribe;

• Biznaga de Plata a la MEJOR DIRECCIÓN: Imanol Uribe, por “Llegaron de noche”;

• Biznaga de Plata a la MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA: Juana Acosta, por “Llegarón de noche”;

• Biznaga de Plata a la MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA: Leonardo Sbaraglia, por “Almost in Love” (“Ámame”), de Leonardo Brzezicki;

• Biznaga de Plata a la MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO: Susi Sánchez, por “Cinco lobitos”;

• Biznaga de Plata a la MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO: Ramón Barea, por “Cinco lobitos”;

• Biznaga de Plata al MEJOR GUIÓN: “Cinco lobitos”;

• Biznaga de Plata a la MEJOR MÚSICA: “Nosotros no nos mataremos con pistolas”;

• Biznaga de Plata a la MEJOR FOTOGRAFÍA: “La cima”;

• Biznaga de Plata PREMIO DEL PÚBLICO: “Cinco lobitos”.

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MARÍA RIPOLL LLEVA A MÁLAGA “NOSOTROS NO NOS MATAREMOS CON PISTOLAS”

La directora María Ripoll ha presentado su nuevo largometraje “Nosotros no nos mataremos con pistolas”, la adaptación de la obra teatral de Víctor Sánchez Rodríguez para narrar la historia de un grupo de amigos treintañeros que se enfrentan a la frustración de sus sueños incumplidos, la precariedad, la desesperación por reconocerse y encontrarse a sí mismos.

Los actores Ingrid García-Jonsson, Elena Martín, Joe Manjón, Lorena López y Carlos Troya protagonizan esta película generacional que conserva la esencia de la obra original –ganadora del premio Max a la mejor autoría en 2016-. De hecho Sánchez Rodríguez también ha participado en la elaboración del guión junto a Antonio Escámez. Ripoll ha confesado que el proceso de casting fue bastante largo y complejo, pero se siente muy orgullosa de la química entre todos ellos delante y detrás de las cámaras.

Ripoll ha explicado que se ha acercado al lenguaje del western para reflejar un duelo que permanece intrínseco durante toda la historia para intentar asimilar la muerte de una persona. Con el fin de mostrar una atmósfera cargada de sentimientos de desolación y desasosiego de los personajes también han cuidado minuciosamente cada una de las localizaciones. La película está rodada integralmente en valenciano y en Valencia.

Todo el reparto se ha mostrado muy identificado con sus personajes porque forman parte de esa misma generación que tuvo al alcance todas las oportunidades, pero llega un momento en el que te sientes perdido, como si el mundo no te perteneciese, han argumentado. Están seguros de que esta historia podría pasar en cualquier parte del mundo y por eso confían en que los espectadores también conectarán con cada uno de ellos.

Al respecto, la actriz Ingrid García-Jonsson también ha insistido en la misma idea. Ha asegurado que le ha supuesto muy fácil verse reflejada en su personaje porque todo el mundo tiene sueños cuando es adolescente y más tarde la vida te va llevando por otro lado.

Por otro lado, la actriz Elena Martín ha añadido que se trata de una película muy de actores, donde han tenido un papel muy participativo en lo que ha supuesto para ellos un rodaje muy divertido y enriquecedor. Lo más complicado para ellos ha sido el idioma.

Por último, Ripoll ha culminado su intervención destacando el papel clave de la música para reforzar la narrativa del guión. La banda valenciana Orxata Sound System, ha sido la encargada de la banda sonora. El pueblo se prepara para celebrar su fiesta mayor y Blanca se esmera en que la primera paella que prepara en su vida le quede perfecta. Ha conseguido reunir a sus amigos después de años sin verse. Todos están en la treintena y sus existencias transitan entre la precariedad, el desencanto y un continuo volver a empezar. Y, por fin, llega la verbena: la prueba de que el mundo sigue girando mientras sus vidas parece que se tambalean y descubren que se necesitan unos a otros para salir adelante.

Fuente: FestivaldeMalaga.com

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jueves, 24 de marzo de 2022

JUAN MIGUEL DE CASTILLO PRESENTA EN LA COMPETICIÓN DEL FESTIVAL DE MÁLAGA “LA MANIOBRA DEL TORTUGA”

 

El director Juan Miguel del Castillo ha presentado su segundo largometraje, "La maniobra de la tortuga", un thriller policíaco basado en la novela de Benito del Olmo, que retrata la violencia machista en equilibrio entre el drama social, la realidad y la naturalidad con escenas inspiradas y documentadas con casos reales.

Del Castillo ha reconocido que cuando conoció la obra se quedó cautivado por los personajes, las relaciones entre ellos y las circunstancias que les determinan. Decidió ambientarla y rodarla en Cádiz porque le parece una ciudad muy cinematográfica. El director jerezano ha explicado que quería una historia con trasfondo social, pero en forma de thriller.

Por otra parte, ha confesado que no ha tenido referentes para hacer la película. Lo que tenía claro era que no quería que se pareciese a los largometrajes de género. Del Castillo ha recalcado ‘que no pretendía dar lecciones a nadie, tan solo aportar su granito de arena sobre una problemática social que continúa hoy en día muy viva porque el sistema no funciona’. Es una frase que tuvieron presente a lo largo de todo el proceso.

La actriz Natalia de Molina ha reconocido que sintió mucha presión cuando le llamó el director para contarle la historia. Y le resultó interesante que huyeran del cliché de que una mujer maltratada tenga que pertenecer a una determinada clase social. También ha confesado que lo pasó bastante mal al rodar determinadas escenas con planos muy complejos. Ha calificado a Del Castillo como un director de actores, que les deja mucho espacio, flexibilidad y libertad a la hora de interpretar.

Para su compañero de reparto Fred Tatien la experiencia ha sido realmente intensa y maravillosa, a pesar de la crudeza de las escenas. El director ha revelado que lo que le gustaba de Tatien era la simbiosis entre la fuerza bruta y la sensibilidad que tenía hasta romperse y llorar delante de la cámara.

El inspector Manuel Bianquetti se ve forzado a aceptar un traslado a la comisaría de Cádiz. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará un pasado que le atormenta. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada solitaria para atrapar al culpable, siguiendo unas evidencias que podrían ser fruto de su imaginación. Su vecina, una frágil enfermera acosada por su expareja, parece ser la única persona que está de su lado.

Su estreno tendrá lugar el 6 de mayo en los cines españoles.

Fuente: FestivaldeMalaga.com


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“AL ORIENTE”, DE JOSÉ MARÍA AVILÉS, SE ESTRENA EN LA 25 EDICIÓN DEL CERTAMEN MALAGUEÑO

El cine Albéniz ha sido testigo esta tarde de la proyección de la película de Zonazine “Al Oriente”, una coproducción ecuatoriana y argentina dirigida por el director novel José María Avilés.

La película nos presenta a Atahualpa, un joven que trabaja en la construcción de una carretera hacia el Oriente. En la zona corre un rumor de un tesoro escondido a inicios de la colonia. Una tarde, después de que su novia se ha ido de la ciudad, Atahualpa siente una provocación, un rumor lejano que lo traslada cien años atrás.

Tras la proyección de la película ha tenido lugar la rueda de prensa, a la que han acudido su director, José María Avilés, el actor Oliver Utne y la productora Julieta Juncadella.

La idea de “Al Oriente” surgió a raíz de una película perdida: “El tesoro de Atahualpa”, que en 1924 se convirtió en la primera película de ficción de la historia del cine ecuatoriano. “Desapareció poco después de su estreno, pero sigue estando muy presente en el imaginario cinematográfico del país. Además, para mí es una película muy especial, llena de paradojas, que incluso habla sobre la identidad de uno mismo. Dentro de todos los misterios que entraña, uno se puede ver representado”, asegura el director.

Los periodistas que han asistido a la rueda de prensa, han coincidido en que la película es una especie de western, algo que Avilés confirma: ‘Se trata de una relectura muy personal del western, un género que a mí me encanta, ya que narra cómo a través de la violencia se construye una nación’. Preguntado por algunos de sus cineastas favoritos del género, nombra a John Ford y a Kelly Reichardt, directora del western feminista ‘Meek’s Cutoff’.

Oliver Utne, protagonista de la cinta, nos cuenta lo divertido que ha sido trabajar con animales: ‘Teníamos dos ovejas que eran pareja, y no las podíamos separar porque se llamaban la una a la otra y no escuchábamos los diálogos. Además, el burro que aparece en pantalla es campeón nacional de carreras de burros. Fue muy divertido’.

Respecto a las dificultades durante el rodaje, Julieta Juncadella, productora de la cinta, destaca el poco tiempo que tuvieron para realizar todo el proceso: ‘Teníamos un fondo de financiación, pero debíamos terminarlo todo en sólo 9 meses. Ese fue el mayor desafío. Además, también tuvimos que hacer frente a las complicaciones que entraña trabajar en la naturaleza, como el frío y la lluvia’.

José María Avilés nació en Ecuador en 1988. Estudió Dirección de Cine en la Universidad del Cine en Buenos Aires, y el Máster en Creación de la Elías Querejeta Cine Eskola de San Sebastián. Dirige y escribe el mediometraje “La muerte del maestro” (2018), y los cortometrajes “La enorme presencia de los muertos” (2019), “Speed Paradise” (2015), “Conversaciones en el jardín” (2014) y “Ricchieri” (2013). “Al Oriente” es su ópera prima, estrenada en el Festival de Cine de Venecia en 2021.

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EL DIRECTOR VÍCTOR CHECA PRESENTA SU ÓPERA PRIMA “TIEMPOS FUTUROS” EN LA SECCIÓN ZONAZINE DE MÁLAGA

El realizador peruano V. Checa ha presentado hoy en el cine Albéniz su debut en la dirección: “Tiempos futuros”, una película enmarcada en el género fantástico y de ciencia ficción que se ha presentado en la sección Zonazine del Festival.

El protagonista es Teo, un niño de 11 años que trabaja junto a su padre, Luis, en una misteriosa máquina que busca generar un diluvio en una ciudad en la que no llueve. Luis, obsesionado en lograr que funcione, pone en riesgo la máquina ante los constantes embargos de las autoridades. Teo, buscando ayudar a su padre, se involucra con una banda de jóvenes espías liderada por dos hermanos mellizos. A partir de este encuentro, Teo pondrá en duda la obsesión del padre y desvelará la naturaleza oculta de la máquina.

La rueda de prensa, a la que han acudido su director, Víctor Checa, su actor protagonista, Lorenzo Molina, el productor Sebastián Cordero, y los compositores musicales Javier Tasio y José Tena, ha tenido lugar tras la proyección de la película.

Según nos cuenta V. Checa, la idea de la película surgió de una vivencia familiar: ‘Mi padre leyó en el periódico que un inventor había fabricado una máquina que multiplicaba la energía. Esta noticia se volvió una obsesión para él y decidió construirla’. Sin embargo, el guion se fue modificando y la idea se adaptó a la ciudad de Lima, un lugar en el que nunca llueve.

Al ser preguntado por los referentes cinematográficos y literarios que le han inspirado, el director confiesa que no ha tenido ninguno en mente, si no que ‘el fallecimiento de mi padre justo al terminar el rodaje cambió por completo el planteamiento de la película. El montaje lo hice en pleno duelo y tuve que reinterpretar la cinta’. Además, nos confiesa que la pandemia también ha sido un referente inevitable.

Para Lorenzo Molina, que interpreta a Teo, ha sido su primera película: ‘Fue una experiencia inolvidable y muy divertida, pero también muy exigente’. Al ser preguntado por sus referentes actorales lo tiene claro: ‘Mi padre, que también es actor’.

V. Checa ha dirigido tres cortometrajes de ficción: “Jauregui”, “Louis Trent” y “Perform”. Sus trabajos personales como director, guionista y productor han sido proyectados en distintos festivales de cine y muestras de vídeo alrededor del mundo entre los que se encuentran Tallinn Black Nights, Locarno, Montreal, Habana, Málaga y Lima Independiente, así como en muestras del circuito alternativo peruano. “Tiempos futuros” es su primera película y actualmente trabaja en el desarrollo de la próxima: “La trágica muerte de un adolescente pistolero”.

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miércoles, 23 de marzo de 2022

ADRIÁN SILVESTRE LLEVA A LA GRAN PANTALLA LA VIDA DE RAPHAELLE PÉREZ, A TRAVÉS DE “MI VACÍO Y YO”

Adrián Silvestre lleva a la gran pantalla la vida de Raphaëlle Pérez para reflexionar sobre la identidad de género en “Mi vacío y yo”, su nuevo largometraje con el que compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga. Habla de un vacío emocional y de la búsqueda de identidad que puede sentir cualquiera, más allá de su condición de género.

Silvestre ha definido su película como un fragmento de la vida de su actriz protagonista. Se ha propuesto relatar sus historias y experiencias más íntimas en forma de ficción, pero con mucho de verdad. Se trata de un proceso muy íntimo, muy vinculado a la amistad, ‘que habla de algo que nos apela a todos, de cómo construimos la verdad a partir de la mirada de los demás y a pesar de los demás’.

Todo empezó cuando el director conoció a su protagonista hace cinco años. Pérez ha relatado que se conocieron en un grupo de mujeres trans, dedicado a dar información a las mujeres que deciden dar el paso hacia la cirugía. Ella no solo quería informarse de este proceso, sino también conocer a más chicas como ella. Casualmente Adrián acudió a ellas para impartir unos talleres de cine en el centro cívico de la Barceloneta.

Pérez decidió tirarse a la piscina y presentarle algunos de los relatos íntimos que tenía escritos sin saber que podrían llegar algún día a la gran pantalla. La escritura ha sido una herramienta terapéutica para ella. Por eso le encanta escribir y ha informado de que se encuentra culminando una novela. Silvestre descubrió que tenía un talento increíble para relatar historias muy específicas que fueron forjando el camino hacia su identidad. Han trabajado sintiéndose como parte de una pequeña familia. Y aunque se centra en la identidad de género, trasciende mucho más allá.

A la hora de interpretar nunca le dio a los actores esquemas cerrados de trabajo porque apuesta por la libertad y la improvisación con el objetivo de que todo sea más orgánico y natural. Para Pérez la escena sexual ha sido la más difícil de rodar, ‘una de las más duras’. Sobre ella ha confesado que escenifica una crisis de ansiedad que también experimenta en la vida real, cuando comienza a actuar e incluso cuando expone un cuerpo que no le representa. Sin embargo ha reivindicado que ha sido una experiencia necesaria y de la que no se arrepiente en absoluto. El equipo ha concluido en rueda de prensa que la cinta habla de la carne, del cuerpo, del sexo y de reconciliarnos con lo que tenemos. No querían dulcificar las escenas ni caer en el morbo y se sienten muy orgullosos del resultado.

Sus productoras Marta Figueras y Alba Sotorra se sienten seguras de que las inseguridades retratadas en la película son las mismas que experimentan el 90 por ciento de las mujeres, al margen de su identidad de género. Silvestre ha culminado su intervención aseverando que comunidad trans forma parte de la humanidad y no puede dejar de ser representada. Lo que más le gustó de Raphaëlle fue su valentía e inteligencia emocional.

Fuente: FestivaldeMalaga.com

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ANNA BOFARULL Y NORA NAVAS PRESENTAN “SINJAR” EN EL CERTAMEN MALAGUEÑO, FUERA DE COMPETICIÓN

La directora Anna Bofarull ha presentado su largometraje “Sinjar”, inspirado en hechos reales, con el que recrea la historia de tres mujeres pertenecientes a contextos diferentes, pero conectadas por la situación desgarradora en la que se encuentran inmersas, asediadas por un conflicto bélico internacional.

Fue un reto abarcar y dar coherencia a estas tres historias tan diferentes, pero a la vez sentía que hablaban de lo mismo, ha puntualizado Bofarull en rueda de prensa. En el proceso de escritura del guión a veces se sentía como si estuviese condensando tres películas en una, por lo que ésta fue una de las fases más complejas, junto al proceso de montaje.

Para ella era importante dar voz a las mujeres y empaparse de su testimonio. Por ello no dudó en viajar a campos de refugiados en Sinjar para emprender un arduo trabajo de investigación. Tuvieron que rodar a 200 kilómetros de esta ciudad irakí para que el equipo de rodaje no estuviese expuesto a posibles bombardeos.

La película está rodada en cuatro idiomas, protagonizada por Nora Navas y Halima Ilter, pero también le acompaña Eman Eido, una víctima real. En su mirada se refleja perfectamente que son víctimas reales. Refleja un tema muy duro y Bofarull es consciente de que el público no siempre está dispuesto a vivir esa experiencia emocional, pero la considera una película necesaria.

Eman Eido se ha inspirado en su propia vida para interpretar a su personaje y no ha podido evitar derrumbarse en la rueda de prensa al revivir su experiencia de terror. Estuvo secuestrada durante cuatro años por el Estado Islámico y sufrió episodios espeluznantes. A día de hoy todavía sigue traumatizada y teniendo miedo. La cinta refleja hasta dónde están dispuestas a llegar las tres protagonistas para recuperar lo que más quieren.

En Barcelona, Carlota busca desesperadamente a Marc, su hijo adolescente huido sin dejar rastro. A miles de kilómetros, Sinjar, en la frontera entre Irak y Siria, vive bajo la amenaza de la guerra. Allí, Hadia es obligada a vivir como esclava junto a tres de sus hijos. Arjin consigue escapar del cautiverio y, en su intento de regresar a casa, termina uniéndose a las milicias kurdas. Tres mujeres separadas de sus seres queridos y que harán todo lo posible por recuperarlos.

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“MENSAJES PRIVADOS”, DE MATÍAS BIZE, ATERRIZA EN LA COMPETICIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

El director chileno Matías Bize ha presentado “Mensajes privados”, su nuevo largometraje que ha calificado como un experimento cinematográfico, gestado en pleno confinamiento durante la pandemia provocada por la COVID-19 e inspirada en las propias historias que varios de sus amigos actores le contaban por teléfono. ‘Todas son historias reales, historias de monstruos reales y auténticas, aunque se trate de una ficción’, ha asegurado.

La producción chilena compite en Sección Oficial junto a otros 18 largometrajes. Bize ha explicado que se trata de una aventura muy íntima de monstruos que nos conectan con el interior del ser humano. ‘La muerte nos estaba asediando muy de cerca todos los días, había que focalizarse en lo esencial. Y esta situación impactaba en nuestras relaciones con familiares, pareja y con nosotros mismos’, ha explicado Bize para exteriorizar el sentimiento que le incitó a emprender este proyecto. Para abordarlo pidió a sus amigos que se grabaran en sus hogares con el mismo teléfono móvil.

Estos relatos íntimos son los que ha llevado a la gran pantalla. Ha intentado plasmar cómo somos como madres, como padres o como hijos. Son historias de dolor, de esperanza, de amor, o del miedo a enfrentarnos por primera vez a lo desconocido y lo terrible. Todos contados en un tono inquietante, pero plagados de humanidad, ha manifestado Bize.

Lo que Bize tenía claro era que no quería hablar de la pandemia como tal, sino que todos se mirasen hacia adentro y nos dijésemos lo que realmente queríamos hablar, sobre lo que nos estaba pasando en nuestro mundo interior.

Al director le parece interesante cómo una crisis nos puede hacer reflexionar y empujarnos a dejar constancia de quiénes somos, por si desgraciadamente dejásemos de existir. Estos propios apuntes conforman una película de la que no tenía claro cómo iba a terminar. Ha añadido que le supuso un juego que le llenó de vida.

Algunos de los relatos más impactantes es el de Verónica Intile, una actriz argentina que rodó su parto en una bañera y se lo remitió tal cual a Bize, que lo consideró como una metáfora de la vida haciéndose paso, de ese rayo de luz de esperanza. Por su parte, Vicenta Ndongo, otra de las actrices que integran el reparto, ha relatado en rueda de prensa que improvisó su propia historia personal, sentada en la cocina, donde reflexiona sobre el rol de la mujer en la familia.

Por otro lado, el actor Nicolás Poblete ha insistido en que fue él quien le pidió a Bize que quería contar su historia porque ya no podía contener eso más en su cuerpo. Necesitaba desahogarse y ha confesado que le ayudó contar esa historia. Al respecto ha definido al cine y a la cultura como herramientas de canalización muy necesarias para exteriorizar el dolor. Considera que esta obra le ha salvado la vida, ha culminado.

Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Blanca Lewin, Alex Brendemühl y Verónica Intile terminan de completar el reparto.


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PREMIADA EN SUNDANCE, SE PRESENTA EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA LA PELÍCULA “UTAMA”

El director Alejandro Loayza ha presentado su ópera prima “Utama”, una coproducción boliviana, uruguaya y francesa que llega a Sección Oficial tras recibir el premio del jurado de la sección internacional en el Festival de Sundance para hacer reflexionar sobre el cambio climático y su impacto en la humanidad.

Loayza ha explicado que el punto de partida para escribir el guión han sido sus viajes a lo largo de Bolivia, una fuente de inspiración para construir la historia. De hecho, han sido claves para conocer las realidades en las que están inmersas todas las personas de un país tan diverso, quienes tienen que huir y abandonar su vida a causa del cambio climático.

El largometraje relata la historia de amor de una pareja de ancianos quechuas, que no necesitan más que tenerse uno al otro para sobrevivir pastoreando llamas en el altiplano boliviano. Sin embargo, cuando uno de ellos tiene que partir se enfrentan al mayor reto de sus vidas. Y es que la seguía provocada por el cambio climático desencadena en un problema de salud que les obliga a separarse. El guión integra muchos temas para hacer reflexionar, como el sentido de la vida, la globalización y sus consecuencias en el medio ambiente.

En rueda de prensa, Loayza se ha mostrado emocionado de poder estar en el Festival de Málaga para dar a conocer su trabajo al público español. Asegura que le supone una alegría inmensa. Ha resaltado que, a pesar de que los protagonistas no son actores profesionales, sí que son pareja en la vida real. Desde su punto de vista, este detalle contribuye a garantizar la naturalidad y dimensión emocional de la cinta.

También ha aclarado que el guión es fruto de muchas conversaciones porque considera al cine como un arte colaborativo. Por eso apuesta por compartir ideas y debatir con los actores cualquier cosa, para que aporten muchas capas de profundidad a la película. También ha puntualizado que su trabajo documental previo junto a su hermano y su padre, Santiago Loayza y Marcos Loayza -quienes también son productores de la película- ha sido determinante para la esencia del largometraje. Rodar en medio de la nada supuso un desafío para todo el equipo, pero contaron con la ayuda de la comunidad alpina incluso para construir la casa donde se recrea toda la película.

Su estreno tendrá lugar el 11 de mayo en Francia y esperan que próximamente también llegue a todos los cines españoles.


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LOS ACTORES EVA LLORACH Y LEONARDO SBARAGLIA ESTRENAN EN MÁLAGA “ÁMAME”, DE LEONARDO BRZEZICKI

Los actores Leonardo Sbaraglia y Eva Llorach han vuelto al Festival de Málaga para presentar “Almost in Love” –“Ámame”- el nuevo largometraje de Leonardo Brzezicki, una coproducción argentina, brasileña, chilena y holandesa.

En rueda de prensa, Sbaraglia ha aclarado que ‘no es una historia autobiográfica de su director, pero le da la oportunidad de enfrentarse con su herida, transitarla y sanarla a través del arte, que en definitiva es lo que muchas veces nos salva’. 

Cuando leyó el guión le pareció extraordinario, aunque ha reconocido que no tenía nada que ver con su vida. Lo que le pareció más interesante es el poder empático que despierta la película, haciéndonos sentir que todos somos Santiago, el personaje principal a quien interpreta.

Sbaraglia está acompañado en la cinta por los actores Miranda de la Serna, Eva Llorach, Iván González, Alberto Ajaka, Tuca Andrada, Rodrigo dos Santos y Beatriz Rajland. Llorach, que ha estado presente en la rueda de prensa de presentación junto a Sbaraglia, ha confesado que el guión le fascinó cuando descubrió a los personajes tan complejos, tan perdidos y vacíos. Es difícil y doloroso, pero realmente es uno de los retos que más nos puede apasionar a los actores, ha argumentado. Para ella también supuso un plus tener que cantar e incluso aprender a tocar el piano. Por esta razón ha concebido su papel interpretando a Eloisa como un regalo.

Santiago es un hombre roto emocionalmente, que se encuentra completamente a la deriva en su vida personal. Junto a Laila, su hija adolescente, vivirá un verano caótico entre Argentina y en Brasil, pero termina siendo un punto de inflexión en la relación y vidas de ambos. Es la historia de la emancipación de una hija de su padre, y al mismo tiempo la de un hombre que, desesperadamente, solo busca amar y ser amado.

Sbaraglia ganó el Goya al mejor actor por Intacto, además de ganar la Biznaga al mejor actor por El otro hermano y el premio Málaga Sur. Por esta razón, se ha mostrado orgulloso y contento porque el Festival siempre ha significado mucho para él.

Se estrena la primera semana de abril en los cines españoles.

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EL DIRECTOR ESTADOUNIDENSE JUSTIN LERNER PRESENTA “CADEJO BLANCO” EN EL 25 FESTIVAL DE MÁLAGA

El director estadounidense Justin Lerner ha presentado su nuevo largometraje Cadejo Blanco, que compite en Sección Oficial con una historia basada en hechos reales para ofrecer al público una mirada diferente de la violencia en Centroamérica y ayudar a las víctimas a buscar una salida.

En rueda de prensa, Lerner ha explicado que esta coproducción estadounidense y guatemalteca es fruto de tres años de un amplio trabajo de investigación. Ha relatado que se trasladó a Puerto Barrios –ciudad de Guatemala- en busca de gente real, personas involucradas en el crimen para entrevistarles y documentarse minuciosamente de su cruda realidad. Tras más de tres años viviendo allí, comenzó a construir el guión, sustentado por estos testimonios. Una vez culminado, volvió a Puerto Barrios para presentarlo a todos sus entrevistados y colaboradores que le habían introducido en el mundo de la violencia.

Su productor Pedro H. Murcia ha revelado que el casting respondió a una estrategia de Street casting, es decir, buscaron a sus personajes directamente por las calles durante todo un año. Querían personas afrocaribeñas, naturales de Puerto Barrios, que transmitieran una sensibilidad especial con su mirada y las encontraron. Además, los propios entrevistados les pidieron formar parte del reparto porque querían interpretar a esos personajes inspirados en sí mismos. Por este motivo, la cinta mezcla a gente real con actores profesionales, como Karen Martínez.

El objetivo que ha perseguido su director ha sido mostrar la otra cara de la violencia, es decir, cómo afecta a las personas en sus relaciones familiares, cómo afrontan las pérdidas, cómo toman decisiones en su día a día, ya que considera que hasta el momento ninguna película ha sido capaz de retratar la violencia en Centroamérica sin caer en estereotipos y teniendo en cuenta a la gente real que convive con el crimen a diario.

Por este mismo motivo, Martínez ha insistido en la importancia de establecer vínculos sólidos con estos actores que no eran profesionales. Ha destacado que lo más interesante del proceso de interpretación ha sido establecer las relaciones humanas con el resto de actores. No significa solo que se convirtiesen en amigos, sino que se respetaba el punto de vista del resto del reparto, aunque no fuesen profesionales, para interiorizar su testimonio de vida y experiencia real a la hora de interpretar las escenas. Se esforzó en hacerlos sentir cómodos, ha recalcado.

En el reparto le acompañan Rudy Rodríguez, Brandon López, Pamela Martínez, Juan Pablo Olyslager, Rudy Wilfredo Urrutia y Yolanda Coronado. Lerner ha manifestado que los personajes eran tan reales que hasta algunos murieron durante el rodaje. De ahí que este largometraje también cumpla otro objetivo, como es el de ayudar a las víctimas a buscar otras formas de vida para escapar de un contexto tan desesperanzador.

Por último, el director ha explicado que el cadejo es una figura del folklore guatemalteco, un perro que es una guía espiritual. Y le pareció una metáfora maravillosa para el viaje que emprende Sarita en busca de su hermana y denominar así a su película.

La historia se sitúa en una noche después de una fiesta, cuando la hermana de Sarita desaparece. Convencida de que Andrés, el peligroso exnovio de su hermana, tiene algo que ver, Sarita se convierte en su amiga y se infiltra en su pandilla. Con una determinación inquebrantable por descubrir la verdad, Sarita se involucra cada vez más con Andrés y el mundo implacable de su pandilla.

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PAU DURÀ ESTRENA SU SEGÚN LARGOMETRAJE, “TOSCANA”, EN LA SECCIÓN OFICIAL NO COMPETITIVA DE MÁLAGA

El director Pau Durà ha vuelto al Festival de Málaga para presentar en la Sección Oficial no competitiva su segundo largometraje “Toscana”, una comedia protagonizada por él mismo junto a los actores Edu Soto, Malena Alterio y Francesc Orella.

Durà ha explicado que su comedia nace de momentos serios, como la paternidad y la crisis económica. Por esta razón a pesar de su género, también se vislumbra un viaje emocional donde se habla del miedo y de las dudas ligadas al paso del tiempo y a los sueños frustrados.

Ha confesado que lo considera el género más difícil de trabajar, pero se ha compensado al despertar las carcajadas del público, como ha podido comprobar durante la proyección previa a la rueda de prensa.

Como guionista, Durà no concibe el drama sin que haya ironía y humor. De ahí que en determinadas escenas se mezclen elementos de ambos géneros en este trabajo que ha calificado como un largometraje de actores.

La trama se centra en el desastroso secuestro de un crítico culinario en un restaurante italiano llamado Toscana. Con un bote lleno de esperma en el bolsillo y camino de la clínica donde le espera su mujer para someterse a una fecundación in vitro, Santi, crítico culinario en plena crisis de los 40, choca su Vespa con un vehículo cuya conductora se da a la fuga. Buscando ayuda, queda atrapado en el restaurante donde, a punta de escopeta, un ex cocinero reclama el finiquito a su propietario.

Por último, Durà ha insistido en que, a pesar de ser el creador, considera que el cine es fruto del trabajo en equipo, por lo que ha contado con la participación de los actores para perfilar algunos puntos. Una de sus principales virtudes es contagiar el amor que siente por su película al resto de integrantes del rodaje, por lo que todos le han puesto el mismo interés y cuidado, ha añadido.

Su estreno tendrá lugar el 27 de mayo.

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SIGFRID MONLEÓN PRESENTA EN LA ZONAZINE EL LARGOMETRAJE “UNA PELÍCULA PÓSTUMA”

La quinta jornada del Festival de Málaga llega a la sección Zonazine con “Una película póstuma”, del director Sigfrid Monleón y protagonizada por Pere Ponce, Vito Sanz, Francesco Carril, Ana Risueño, Camilo Rodríguez, Alexandra Restrepo y Paula Usero.

“Una película póstuma” cuenta la historia de un hombre de ciudad que recibe la llamada de una mujer a la que amó. Tras este primer contacto, decide emprender un viaje clandestino para reencontrarse con ella en una comunidad proscrita asentada en la cumbre de una montaña.

Tras la proyección de la película en la sala 3 del cine Albéniz, ha tenido lugar la rueda de prensa, a la que han acudido el director Sigfrid Monleón, los actores Pere Ponce y Vito Sanz, y el productor Antonio Hens.

Es una obra cargada de metáforas, onírica y poética, y así nos lo cuenta su director en la rueda de prensa: ‘Son sólo catorce planos secuencia, me gusta decir que es como un poema con pocos versos. Eso sí, versos muy largos, casi versículos’. Además, Monleón destaca que era una historia que tenía dentro y llevaba mucho tiempo queriendo sacarla. ‘Ha sido terapéutico’, afirma.

El rodaje tuvo lugar en medio del bosque en plena pandemia y, aunque esto dificultó la realización de la película, el hecho de que fuera una producción pequeña y ‘entre amigos’, consiguió que llegara a buen término. ‘Esta película es un acto de amor. Es pequeña, pero con una gran semilla en su interior. Un viaje mágico y poético, en el que el personaje se dirige a una parte muy oscura de su vida’, nos cuenta Pere Ponce, protagonista de la película.

A la hora de construir los personajes, Vito Sanz, otro de los actores de la película, asegura que hubo muchos ensayos y que su experiencia se acerca más a lo que experimenta un actor en el teatro: ‘La historia funciona como un gran río que va fluyendo, y por el que van apareciendo los personajes. Ha sido un salto al vacío’.

En cuanto a las referencias, la película se basa en el “Libro de la pobreza y de la muerte”, de Rainer Maria Rike, en el que el autor reflexiona sobre la ‘muerte propia’ que todo el mundo lleva en su interior como una semilla que ha de madurar. 

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lunes, 21 de marzo de 2022

SE PRESENTA EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA LA SERIE “DÍAS MEJORES”

“Días mejores” se ha presentado en el Festival de Málaga, en la segunda jornada de la sección dedicada a las series de televisión, Pantalla TV. Prácticamente, el equipo al completo de la serie ha acudido a la presentación y posterior coloquio del certamen malagueño.

‘Es la primera vez que vemos la serie con público así es que estamos muy contentos porque vemos que a la gente le ha gustado mucho’, ha dicho Adolfo Valor, uno de los creadores de la serie.

“Días contados” es un drama donde cinco desconocidos que se dan cita en una peculiar terapia de duelo para padres que han perdido a su pareja. Una ficción que ya se puede ver en Amazon Prime Video.

‘Queríamos huir del drama y contar una historia bonita y entretenida con la que la gente pudiera identificarse, pero sin pasar la línea roja. Nuestra preocupación principal era no resultar sensibleros, ni tramposos, emocionalmente hablando. Hemos intentado contar una historia dura desde un punto de vista optimista’, ha dicho Valor.

El director de la ficción, Alejo Flah ha añadido: ‘es verdad que cada personaje está en un tipo de duelo muy distinto y en lugares diferentes, y eso era algo que se tenía que reflejar. Gente que nunca se hubiera conocido y que nunca entablado una conversación de no ser por el momento vital por el que atraviesan. Me parecía algo fundamental a la hora de hacer el recorrido con los personajes’.

Blanca Portillo interpreta a la doctora Laforet, una psicóloga de métodos poco convencionales, cargada de ironía y con un trágico secreto a su espalda; Francesc Orella es Luis, un exitoso empresario acostumbrado a tenerlo todo bajo control salvo a sus tres hijas; Hazas es Sara, una médica convencida de que ha perdido al amor de su vida, obligada a dejar a un lado su dolor para sacar adelante a su hijo de 8 años obsesionado con la muerte; Elías es Pardo, un rockero mexicano venido a menos, que tendrá que hacerse cargo de unos hijos a los que no ve desde hace más de 10 años; y Planas interpreta a Graci, una universitaria con toda la vida por delante que se ve obligada a cumplir una promesa que le hizo a su novio en el lecho de muerte y que le cambiará sus prioridades para siempre.

‘Es verdad que esta serie puede llevar a muchos a desmitificar lo que es una terapia psicológica de grupo y, además de duelo, y creo sinceramente que puede ser útil para mucha gente, para que los espectadores puedan darse cuenta de que puedan solucionar cosas sólo con hablar’, ha añadido Orella, uno de los actores de la serie.

Para Hazas, Sara en la serie, la ficción ha resultado todo un descubrimiento a nivel personal. Según la actriz arrancó a rodar con una terapia y fue una experiencia que no había vivido nunca.

La menor de los personajes, Alba Planas, ha calificado de ‘realmente enriquecedor el poder compartir experiencias con gente con vidas y de edades distintas’.

Fuente: FestivaldeMalaga.com


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DAVID MARTÍN-PORRAS ADAPTA AL CINE LA OBRA TEATRAL DE GUILLEM CLUA, “LA PIEL EN LLAMAS”

David Martín- Porras ha llevado a la gran pantalla la obra teatral de Guillem Clua, “La piel en llamas”, que critica y reflexiona sobre la política y los medios de comunicación en tiempos de guerra. La obra se estrenó en 2005 marcada por el contexto de la época y tuvo un recorrido amplio a nivel internacional, ha explicado Clua en rueda de prensa.

Cuando consideraba que “La piel en llamas” ya había cumplido su periplo, llegó a Martín-Porras en forma de recomendación por parte de una de sus alumnas de cine en Los Ángeles. En cuanto volvió a España se compró la obra que desconocía hasta el momento. La leyó y le enganchó, no solo por la originalidad del tema y de cómo está contada, sino porque no es la típica película antibélica a la que estamos acostumbrados. De hecho, se sorprendió por la conexión emocional que experimentó. Asegura que se sintió identificado para lo bueno y lo malo con el personaje principal, Frederick Salomon.

Salomon comete un error en el pasado, del cual se arrepiente y no le deja vivir. ‘Todos convivimos con algún episodio de nuestro pasado que nos sigue reconcomiendo e incluso daríamos lo que fuera por volver atrás para cambiarlo’, ha afirmado determinante. Pero como eso no es posible, la única herramienta que el ser humano tiene para sobrevivir es rendirse o conformarse, ha reflexionado. Tras aquella conexión inmediata quedó con Clua para tomar un café, y ese fue el comienzo de este proyecto que hoy presentan en la Sección Oficial No competitiva del Festival de Málaga.

El texto se fundamenta en cuatro personajes interpretados por Óscar Jaenada, Fernando Tejero, Ella Kweku y Lidia Nené, cuyo trabajo conserva los diálogos y la esencia teatral originales. Uno de los mayores retos para el director ha sido recrear la escena de una violación, por lo que tuvo que recurrir a películas que le sirvieran de referencia. Fue cuando se percató de la importancia del punto de vista a la hora de relatar la experiencia tan devastadora para una víctima. La visión femenina le pareció muy esclarecedora para definir el lenguaje de su largometraje.

Respecto al casting, ha destacado el trabajo interpretativo de Fernando Tejero –quien cambia radicalmente de registro en este largometraje y se esfuerza en aportarle dignidad y realidad al personaje.

Por otro lado, ha explicado que quería que la historia estuviese localizada en un país africano porque le dejó marcado la guerra de Ruanda, uno de los lugares del mundo que a día de hoy continúa con muchos conflictos abiertos.

Clua ha añadido que todo parte de una reflexión sobre lo que es el periodismo y sobre lo que significa la verdad. Los medios de comunicación parece que compiten por encontrar a una víctima modelo que se viraliza, pero una guerra implica un sinfín de víctimas anónimas que quedan relegadas a un número, como seres borrados del mapa y de la historia, ha aseverado. También habla de ‘la dificultad del relato periodístico por intentar revestirse de objetividad, cuando todos sabemos que la información en tiempos de guerra no deja de ser un arma más’.

Para la construcción del relato es clave la responsabilidad del periodista a la hora de transmitir una información sin dejarse influir por intereses políticos y la responsabilidad de mostrar el horror. Solo es legítimo mostrar el dolor ajeno si lo hacemos con el fin de intentar mitigarlo. ‘A pesar de que siempre oímos que tenemos que mostrar el horror para que la gente sepa qué está pasando, la verdad es que esa no debería ser la función porque terminamos por normalizarlo y eso nos inmuniza’, ha argumentado.

Asegura que en algunas ocasiones le han reprochado que refleje el dolor de una manera tan cruda desde la ficción, cuando en realidad para él a día de hoy la ficción se puede convertir en la herramienta más poderosa para transmitir la verdad, aunque parezca una contradicción, ha culminado Clua.

Fuente: FestivaldeMalaga.com


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MARTA DÍAZ DE LOPE DÍAZ VUELVE A MÁLAGA PARA PRESENTAR “LOS BUENOS MODALES”

El Auditorio del Museo Picasso Málaga volvió a acoger una nueva sesión de la sección 5 minutos de cine de esta 25 edición del Festival de Málaga. Esta vez, se proyectó un tráiler de “Los buenos modales”, un largometraje dirigido por Marta Díaz de Lope Díaz, quien ha estado acompañada de las actrices Pepa Aniorte, Gloria Muñoz y Carmen Flores, y de la productora Mercedes Gamero.

El cineasta y escritor Luis Alegre ha sido la persona encargada de coordinar un coloquio con las integrantes del equipo tras la visión de unas primeras imágenes que se han proyectado en exclusiva en el marco de esta edición del Festival. Un certamen al que vuelve la directora después de la presentación de su ópera prima “Mi querida cofradía” en 2018, que tan buena acogida tuvo en Málaga.

‘Guardamos un buen recuerdo del estreno’, ha declarado Marta Díaz, quien agradecida ha vuelto a dirigir una nueva comedia, que esta vez surge de un drama.

Para la mezcla de géneros la directora y también guionista elaboró una historia que se centra en el reencuentro de dos hermanas que, a causa de un secreto familiar, dejan de hablarse. Son los nietos de cada una los causantes de una posible reconciliación entre ambas. Para ello, las cuidadoras de los niños, que son amigas y vecinas de toda la vida, las que intentarán de diversas maneras, más o menos acertadas, que las hermanas vuelvan a hablarse.

Otros reconocidos nombres como Elena Irureta o Inma Cuesta, entre otros, completan un reparto que ha sido representado por Pepa, Gloria y Carmen, quienes han coincidido en el coloquio en la seguridad que les dio el proyecto de la directora, con quienes ya habían trabajado anteriormente y con la que no dudaron en embarcarse en una nueva aventura audiovisual.

La productora Mercedes Gamero, por su parte, ha querido destacar también ese rol de los abuelos, como cuidadores y sustitutos de padres en diversos momentos, así como de un equipo formado principalmente por mujeres, lo que ha facilitado la complicidad del mensaje y rodaje.

Fuente: FestivaldeMalaga.com

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